Categoría: Articulos

ARTÍCULOS 2001

The Strokes, el sonido de una ciudad

Is This It (RCA)

Ésta es la clase de la que están hechas las leyendas. El rock and roll nunca olvida, y cada pocos años un grupo lo reinventa de forma que pueda parecer algo novedoso y mantener el interés, con referencias a la decadencia y los ritmos contagiosos de The Velvet Underground, las voces rasposas de Iggy Pop, los ataques rabiosos de las guitarras de The New York Dolls, la elegancia de Televisión y un tanto de la actitud punk de 1977.

Es una fórmula que, bien hecha, consigue una fuerza inigualable. The Strokes son, para quien no los conozca a estas alturas, algo casi impensable dado el revuelo que han causado, un quinteto de Nueva York que están llamados a ser –y quieren ser- la próxima gran banda americana de rock and roll. Algo, por otra parte, no tan difícil en un mundo en el que arrasa el derivativo nu-metal o el punk adolescente sin gracia, y en el que The Strokes son, por lo tanto, una anomalía.

Su primer trabajo, el EP de tres canciones de la pasada primavera, The Modern Age, más crudo que su primer disco de reciente edición, consiguió la atención de la crítica inglesa –en su país aún son completamente ignorados-, que, inmediatamente, le dieron la bienvenida a su potencial como dignos herederos de un trono ya vació. En el 2001 tan sólo The White Stripes y Starsailor han conseguido la misma unanimidad en su reconocimiento como los mayores descubrimientos del principio de siglo, siendo todos ellos, unos absolutos desconocidos hace menos de doce meses.

Su disco de debut incluye la regrabación de aquellas tres canciones, las dos que iban en el single que le siguió Hard To Explain y siete nuevas, en las que demuestran que han aprendido bien la lección del rock underground. Como curiosidad, y debido, una vez más, a la supuesta sensibilidad de los estadounidenses, hay que reseñar que, después de los acontecimientos del once de septiembre, la canción “New York City Cops”, con su línea “No son demasiado listos” –en homenaje al ahora redimido alcalde Giuliani-, fue reemplazada allí por la menos conflictiva “When It Started”.

Con toda la expectación que se ha despertado a su alrededor, el título de su debut está más que justificado: Is This It? -¿Es esto todo?-. Ya con sólo cinco canciones editadas, The Strokes eran considerados los salvadores del rock & roll. Pocas bandas podrían haber superado las expectativas. No hay razón para preocuparse: Is This It? es uno de los discos de debut más excitantes y energéticos que han salido de los clubes de Nueva York en mucho tiempo.

De hecho, desde los tiempos de los Ramones, hace ya veinticinco años, nada igual se había visto en aquella ciudad. Y, lo que es más sorprendente, sus autores son jóvenes de familias acomodadas que se infiltran en los barrios bajos en busca de los ya suficientemente probados tópicos del sexo, drogas y rock and roll.

Éste es el sonido de aquella ciudad como siempre se supuso, en la que se pueden atisbar retazos de su sala más emblemática, el CGBG. Mejor aún, es el resumen de tres décadas de la música joven de Nueva York, y el sonido que puede que no volvamos a oír nunca más. Is This It golpea con la clase de energía nerviosa que durante tanto tiempo se ha echado de menos en la escena rock y, aunque sus influencias no sean nada nuevo, consiguen hacer enmudecer en cada nueva escucha.

En un recitado igualmente desesperado, el cantante Julian Casablancas parece sonar como si Lou Reed estuviera cantando a través de una conexión telefónica defectuosa desde el otro lado del Atlántico. Casablancas es un rocker de la vieja escuela, en la tradición de Mick Jagger, un joven que implora, absorbe y sangra por mujeres más hermosas, al tiempo que actúa como si nada le dejara satisfecho.

La banda, por su parte, va al grano tan urgentemente que a veces parecen enfrentarse a sus composiciones con la rítmica de un grupo de funk. El batería Fabrizio Moretti y el bajista Nikolai Fraiture siguen caminos sin complicaciones para lograr la fricción dramática necesaria, algo que “Trying Your Luck" prueba claramente. En consecuencia, los guitarristas Nick Valensi y Albert Hammond Jr. se sienten liberados para dejar caer riffs que recuerdan al Johnny Thunders más efectivo y a los minimalistas ingleses Wire en los finales atonales, como ocurre en “Hard To Explain”. La producción también contribuye, dando la sensación de que se está ante una grabación en directo, capturando el ambiente de un club. Tan elemental como el primitivo rock and roll, tanto que hasta se huele y siente el sudor.

Su más que evidente defecto es su escasa duración, 36 minutos, en una época en la que todos los músicos quieren demostrar que tienen recursos de sobra, aunque conviene recordar que los buenos discos de la nueva ola (The Jam, The Buzzcoks, The Undertones o Blondie, bandas que también están en su inconsciente) no estiraban sus grabaciones más allá de lo necesario. Por otra parte, Is This It envejece rápidamente, ya que no hay forma de sacarlo del reproductor. Ahí ya no queda claro si el mérito actúa en su favor, y a partir de este momento les va a ser difícil superar lo ya logrado. Ahora, sí, empezarán a sentir la presión.

Xavier Valiño

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ARTÍCULOS 1997

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Gene, desde el abismo

 

 

Puede no parecerlo, pero corren tiempos engañosos para estar en una de las llamadas bandas independientes. Ciertamente, editar tu segundo disco oficial  después de la fiebre del platino en la era Oasis debe hacer que tu banda pop con recursos superiores a lo habitual experimente lo que significa ser un hambriento periquito. Tal y como están las cosas, se trata de una cuestión de tener éxito o morir.

 

Desde luego que Gene no viven de las ilusiones. Drawn To The Deep End  es un álbum perseguido por el espectro de la derrota. Se puede ver en los títulos de las canciones -"¿Dónde están ahora?", "Podríamos ser reyes", "Traje de pelea", "Sálvame, soy tuyo", "(Qué alguien me hable!"-  e incluso en su título, Arrastrado a lo más profundo. Después de todo, sabemos lo que ocurre allá abajo. Uno se ahoga o nada. O, si tienes tu Diploma en Supervivencia, peleas en pijama con el agua durante 45 minutos.

 

Este disco empieza con tal seguridad y brillantez que parece que va a ser el tour de force que Gene siempre nos habían prometido. "New Amusements" es una apertura audaz, compleja, un melancólico viaje repleto de silbidos y voces fantasmales, en el que Martin Rossiter da la interpretación de su vida, insistiendo en que "trato de sentir cosas que nadie ha sentido nunca" -aunque hay que reconocer que los Boo Radleys hacen esto con más aplomo-. Por una vez, la sombra de Morrissey se aleja y hasta puede parecer que tienen personalidad propia, algo que el guitarrista de Gene domina bastante bien desde un principio.

 

 

Le sigue el triunfante toque de trompeta de "Fighting Fit", aunque desde aquí en adelante queda claro que no estamos ante una reinvención como la de los robustos Suede, a pesar de que Gene se empeñan en distanciarse de los últimos petimetres del pop. Y es cierto que lo hacen bastante bien: Martin Rossiter es el único cantante capaz de arrastrar baladas dramáticas como la espléndida "Save Me, I’m Yours" o "Speak To Me Someone". Aunque por cada una de ellas tenemos que tragar con cosas tan insustanciales como "I Love You, What Are You?", "Voice Of The Father" o "Sub Rosa".

 

Contrariamente a lo que piensa Martin Rossiter, Gene no son la mejor banda del mundo, pero es que tampoco lo necesitan. Si éesa es su aspiración, tendrán que conformarse con estirar el cuello mientras miran en la dirección de otros cuyas alturas nunca podrán alcanzar, pero también es cierto que son mucho mejores de lo que sus detractores nos quieren hacer creer. Todavía tienen que aprender la diferencia entre arrogancia y confianza y cómo poner los dos conceptos de acuerdo, aunque, tal y como demuestran con su intenso directo y más de una canción, se están acercando. Tal vez con el tercer intento…

 

Xavier Valiño

• Articulos 1997

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ARTÍCULOS 1997

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Patti Smith, odas a la vida y la muerte

 

 

Parece como si detrás de lo que se conoce como música independiente o alternativa hubiera siempre una cabeza responsable en la sombra intentando que las melodías enganchen y que las letras sean universales. Así sucede con Kula Shaker, Foo Fighters, Fiona Apple… Todos lo sabemos, pero preferimos ignorarlo para colocarnos en una altura superior al resto de los que consumen músicas mayoritarias, como si todos estos artistas fueran más selectos. Pero, )cuánto hay en ello de la auténtica independencia?

 

Al escuchar el nuevo disco de Patti Smith, Peace And Noise, uno se da cuenta de lo lejos que está de ser verdadera alternativa la música alternativa. Patti Smith preserva intactas sus raíces punk del háztelo-tú-mismo, y, sin pretenderlo intencionadamente, consigue poner en evidencia a todos los demás. Bien, está en un sello de los grandes (Arista-BMG) y su música no es estrictamente punk, pero su forma de enfrentarse a ella sí. No hay efectos especiales en su sonido. Parece como si acabase de tener un mal día y hubiera salido de su garaje para demostrárselo al mundo con guitarras.

 

Hay en estas canciones un sonido atemporal, lo que nos reconcilia con el rock’n’roll directo y de golpe bajo que nunca quisimos perder. La mayoría de músicos de la generación de Patti que todavía graban se unen a productores y DJs más jóvenes y en la onda buscando acceder a otro público. Pero los adolescentes escapan de ellos como la peste. Probablemente tampoco corran detrás de Patti Smith, pero deberían: ella es la primera dama del punk, la que abrió el camino para Courtney Love, P J Harvey, Chrissie Hynde, Ani DiFranco… y hasta puede que para las Spice Girls.

 

 

Es difícil engancharse a la primera con Peace And Noise. La voz de Patti suena sobrecogedoramente baja y, a diferencia del grueso de la producción alternativa, los arreglos son escasos y casi desagradables. No hay trucos y el material es deprimente, pero es difícil volverle la espalda.

 

El disco homenajea a William S. Burroughs y tiene una canción que habla de la reunión de los vivos y los muertos, "Waiting Underground". "Last Call", con las sectas y los suicidios colectivos como referencia, es su emblema. Su protagonista se calza, termina su copa y se tumba a esperar la muerte. La voz de Michael Stipe al fondo -el mismo que le hacía masajes después de su concierto en el Doctor Music-, combinada con la de Patti, dejan un leve halo de belleza sobre la cruda realidad de un suicidio en masa.

 

Escribir de algo así no es fácil: para la mayoría de los grupos la importancia del cantante acaba por tener más peso que aquello de lo que hablan. Pero Patti Smith ha forjado su carrera a base de poner conciencia social poética a su música. En lugar de meterse ella en las canciones, mete a los que la escuchan. Y eso es un gesto que siempre hemos agradecido y que casi habíamos olvidado, frente a la rutina de lo alternativo que nos rodea.

 

Xavier Valiño

• Articulos 1997