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Tricky, angustia vital

El increíble artista que ahora conocemos por Tricky nació en Bristol en 1968. Después de varios años intentando sobrevivir en el ghetto, visitas a la cárcel incluidas, consiguió unirse al grupo de rap local Fresh, formando parte del Wild Bunch. Allí conoció a los componentes de Massive Attack, escribiendo con ellos varias canciones de sus dos discos: Blue Lines, del 91 y Protection, del 94. No era más que el primer paso de una trayectoria que le ha llevado a intervenir en los discos más influyentes de la música de baile de esta década -los de Massive Attack, por supuesto, Björk y los suyos propios- y colaborar con los nombres más creativos de los últimos años.

Empezó a trabajar con la cantante Martina después de un encuentro fortuito. Primero grabaron "Aftermath", después "Ponderosa" y, por fin, su primer disco, Maxinquaye, considerado por todo el mundo, sin excepción, como el disco del año 95, en el que se incluía la impresionante versión de la canción de Public Enemy "Black Steel". ¿Qué encerraba Maxinquaye para tener tal acogida? Todo un nuevo mundo sonoro, que definía el futuro del pop, a base de una mezcla irreconocible de estilos, traducidos en un revolucionario trip-hop -etiqueta de la que el propio Tricky reniega-, tan nervioso como lánguido, según el estado de ánimo.

A partir de ahí colabora en los discos de Neneh Cherry, Whale, Björk, Elvis Costello o Garbage y publica uno nuevo con el seudónimo de Nearly God, en el que presentaba cantantes invitados como Alison Moyet, Neneh Cherry, Terry Hall -antiguo líder de los Specials- y Björk. Todo el mundo quiere trabajar con él o contar con su bendición. Incluso acompaña a la artista rock más interesante de esta década, P J Harvey, en su gira por Europa y América.

Durante diciembre de 95 y enero del 96, Tricky grabó una serie de canciones en un pequeño estudio perdido en los valles de Jamaica, que se convertirían en su segundo disco, Pre-Millennium Tension. Aunque parezca que debería haber sido más soleado y cercano a los sonidos de raíces que su predecesor, el resultado indica todo lo contrario. Se trata de una grabación sombría, nerviosa y con dificultades para encontrar una melodía. Él lo explica así: "Hay una aspereza en Jamaica que también refleja este álbum, pero yo no diría que tiene una influencia de reggae. Yo quería hacer un disco más duro de lo que había hecho antes. Quería adoptar una postura. Avanzamos demasiado rápido. No es realmente el milenio, es sólo que estamos llegando a un punto con montones de tensión."

Por ahora, su sonido sigue marcando el futuro, a golpe de tensión nerviosa, paisajes absorbentes, voces angustiosas y cruce de caminos. Nadie como él para enfrentarse al cambio de milenio.   

Janis Joplin, el blues en la voz

Para muchos, Janis Joplin no es más que un nombre en la lista de los muertos más alabados en la historia del rock. Por eso colecciones como Absolute, que ahora se publica, pueden servir para hacerle justicia o para descubrirle a alguien su privilegiada y castigada voz.

A menudo sólo se habla de ella como parte de ese club de inmortales de los años 60 -Brian Jones, Jimi Hendrix, Jim Morrison- que chocaron y se quemaron junto con la década que los hizo famosos. Tema para un buen puñado de libros, artículos y biografías, sus canciones suelen quedar en un segundo plano para centrarse en su estilo de vida, su imagen de mujer dura, el alcoholismo, sus escarceos amorosos y su adicción a las drogas. Su conducta era una actitud manifiesta contra la hipocresía de la sociedad conservadora en la que vivía. Bajo lo evidente, lo vendible, había una persona extremadamente sensible, y eso es lo que realmente importa.

Lo esencial de su carrera musical, si se toma como punto de referencia sus años con Big Brother & The Holding Company, duró escasamente cuatro años. Sin embargo, durante ese tiempo creó un trabajo magnético que supera sobradamente lo negativo que se escribió sobre ella y sobrevive al recuerdo de lo que fue y de lo que podía haber llegado a ser.

En su Texas natal, 17 años después de su nacimiento en 1943, ya estaba recorriendo los escenarios del circuito folk. Su estilo, profundamente influenciado por artistas de blues que tuvieron vidas igualmente problemáticas como Bessie Smith o Big Mama Thorton, fue el que convenció a la banda para reclutarla como la cantante ideal para dar vida a un hermoso proyecto de profundo blues eléctrico.

Lo demás es historia. Su primer disco con Big Brother y su famosa actuación en el Monterrey Pop Festival en el 67. El segundo en el 68, llamado Cheap Thrills. Poco después, un nuevo grupo, The Kozmic Blues Band, con los que lanzó I Got Dem Ol’ Kozmic Blues Again Mama en 1969. El álbum en directo Raise Your Hand, también en el 69. Una nueva banda, The Full Tilt Boogie Band, con los que grababa su nuevo disco Pearl cuando murió de una sobredosis de heroína en el Motel Landmark de Hollywood, el 4 de octubre de 1970.

Al igual que había sucedido con Sam Cooke, su primer número uno le llegó después de muerta, con "Me And Bobby McGee". Aunque lo verdaderamente importante es que, desde entonces, su influencia ha sido decisiva en varias generaciones y, al igual que sus compañeros en el club de inmortales de los 60, nadie ha conseguido hacerle sombra.

Hasta ahora la editorial Rock Indiana era conocida por sus fanzines, de los que llevan publicados 8 números, dedicados casi exclusivamente al rock and roll de guitarras en el más amplio sentido de la palabra: beat, power-pop, rhythm and blues, garage, punk-rock, etc. Si hay algo que sorprende es lo cuidado de su edición, con portadas de lujo, buena reproducción de fotografías y excelente maquetación.

En esos 8 números puedes encontrar entrevistas o reportajes sobre Paul Collins, Madenning Flames, Only Ones, Valendas, Posies, Redd Kross, Ross, Matthew Sweet, Dover, Blondie… Y cada uno de los números lleva un EP de 3 o 4 canciones de algunos de los mejores grupos de guitarras de por aquí: Protones, Berracos, The Heartbeats, Monotors, The Crepitos, Happy Losers…

También cuentan con actividad discográfica propia al margen del fanzine, editando referencias del pop más clásico, vitalista, directo, energético y sencillo, convertidos en uno de los sellos más especializados del Estado. Entre los grupos de su catálogo están todos los citados en el párrafo anterior más The Dayfriends, The Wakes, Los Brujos y Aneurol 50.

CONTACTO:

Rock Indiana

Apdo. 150.257

28080 Madrid

Tel: 91- 5615371

U 2, la re-generación

(Llamarlo Pop…! (Hah! U2 siempre fueron una banda de rock. Lo intentaron todo: folk, gospel, blues, e incluso tuvieron su mayor desliz intentando hacer sólo rock –Rattle & Hum-. Pero las bandas de rock que se hicieron en los 80 no pueden sobrevivir en los 90 sin tomar prestados algunos capítulos del libro de oro del pop. Además, la mayoría provienen del catálogo del post-punk, por lo que todavía se preocupan por conceptos como ‘credibilidad’, ‘integridad’ y ‘respeto’. La ambición muerde las uñas del éxito, o algo así. Si Everything But The Girl pueden reinventarse a sí mismos, entonces cualquiera puede.

Si U2 fueron una de las bandas que definieron los 80, especialmente la segunda mitad con su rock para estadios concienciados, la aristocracia del Live Aid, la paranoia nuclear, la hegemonía cultural americana, etc., entonces son demasiado conscientes de que únicamente desde una posición desinteresada pueden reflejar determinados aspectos de los 90 -el internacionalismo después de la Guerra Fría,  el eclecticismo y el cruce de culturas en los ritmos de baile, la ironía y la apatía post-Tatcher y Reagan, la saturación de los medios de información…-. Ahora ya no se atreven a erigirse en portavoces generacionales. Así que dejémosles participar en la fiesta del fin del milenio, más teniendo en cuenta que este Pop es un buen disco que prueba que todavía tienen mucho que aportar como banda de rock’n’roll revitalizada, reciclada y reembasada.

Después del desastre de los 80, ¿cuándo volvió todo a ser interesante? No fue la música de baile ni siquiera un par de gafas de sol a la moda. Fue con el cambio de década cuando se dieron cuenta que se abocaban a un abismo de mediocridad. Así que se relajaron y se dedicaron a contemplar la marcha del mundo. Dejaron que algo de funk y aire fresco entrara en sus esquemas y se permitieron echar unas risas. Todavía lo intentaban con ahínco. Y en su mayor parte funcionó.

Pop es tan postmoderno como sentido, suena tan sexy como lleno de emoción, tan hedonista como político, tan luminoso como sombrío y tan humilde como vasto. Se podría discutir toda la noche sobre sus motivos pero, tanto si han tenido una honesta conversión a la música de baile como el futuro del rock o simplemente si se han subido al tren comprando un billete de primera con la intención de robar alguna idea, el resultado es a ratos condenadamente deslumbrante -"Mofo", "Miami", el chill out de los cuatro cortes finales-.

¿Así que U 2 todavía son relevantes en el 97? Sí, y tal vez este disco sea Pop al fin y al cabo, en el sentido de que ha ido a por todas y ha extendido su insano y desaliñado sonido por toda su concepción. Han conseguido con éxito su propia visión de como el rock’n’roll debe parecer y sonar, y han pasado de la guitarra roja, los tres acordes y toda la verdad al modernismo techno sin tener que sufrir una lenta deshonra.