Categoría: Entrevistas

Pez, todo terreno del dance

Pongamos las cosas en orden. Y para eso nada mejor que dejar que el propio artífice de tanto lío se explique. Todos sus nombres, todos sus proyectos, todos sus trabajos, todos sus discos, todas sus aficiones… Tanta creatividad sólo demuestras que disfruta con lo que hace. Y él es Javi Pez, el donostiarra más feliz con su trabajo.

¿Fue el primer disco de Parafünk un precedente de todo el rap que estaba por llegar?

– No. Fue un islote que no ha tenido nada que ver con el hip-hop que se ha hecho después. Era un proyecto más pop, más soul que exclusivamente hip-hop. El primer disco de Parafünk era más como unos fuegos artificiales, un montón de cosas distintas, un montón de guiños diferentes, y Parafünk ha ido derivando hacia un sonido más soul.

Pero esa evolución hasta llegar a Epílogo no tiene mucho que ver con la que ha seguido el hip-hop.

– Antes se trataba de hip-hop mezclado con cosas más positivas y alegres como Jungle Brothers o De La Soul. Desde entonces, el hip-hop ha ido derivando hacia algo más comercial y hacia el gansta, como si fuera necesario ser malo para ganar más dinero. Por aquí quedan Jazz Two, que son la excepción que confirma la regla, haciendo un hip-hop más jazz, en la línea de Gang Starr o Guru con Jazzmatazz, pero los textos son también algo macarrillas.

¿Tiene continuidad Parafünk y hay intención de hacer gira?

– La idea es empezar ya. Tengo una banda con Mikel Bap!! a la batería, Mikel Azpiroz en los teclados y Alberto Bosch al bajo, y vamos a dar varios conciertos. Queremos dar un paso más adelante. En principio los conciertos con Parafünk eran un DJ y muy pocos elementos más. Ahora por fin ya somos un grupo con batería, bajo, guitarra y teclados, y le añadimos los sampler y hacemos un auténtico espectáculo.

¿En qué ha cambiado tu forma de enfrentarte a la música y al negocio en esos cinco años que separan ambos discos?

– La evolución ha sido sobre todo para aprender a hacer las cosas uno mismo. Contar con un sello discográfico fue la conclusión lógica después de estar tan solo y abandonado en La Fábrica Magnética. Cuando surgió Parafünk en el 93 no había ningún tipo de escena, por lo que había que crearla. Y había un trabajo que no se enfocaba de cara a la industria, sino de cara a la independencia.

¿Cómo funciona la autonomía discográfica?

– Es muy complicada. En un principio haces las cosas en plan juego, y al editar los discos te vas metiendo en la industria y te planteas hacer discos y cómo venderlos para poder hacer más. Se trata de organizarlo todo y vas madurando con ello, aprendiendo que es necesario tener una persona para promocionar los discos que haces y todas las cosas básicas que al principio desconoces.

¿Está la escena dance lo suficientemente consolidada ya en el Estado o es todo un espejismo?

– Me da la sensación de que es un espejismo y, a la vez, creo que hay un mínimo de consolidación. Ya hay varios sellos discográficos, se editan compactos… Lo que le falta es personalidad a la hora de trabajar, para conseguir un estilo y una forma de hacer. Algo hay, está claro, con el trabajo de los pequeños sellos y las grandes compañías también editando discos de remezclas.

¿Y qué recompensas ofrece el seguir trabajando como DJ?

– Al trabajar en casa y hacer música no sabes bien para quién la haces. El ser disc-jockey te da la posibilidad de poner la música y ver las reacciones de la gente. Te abre la cabeza y ves lo que realmente puede llegar a hacer bailar a alguien. También está la creatividad que te da el poner un tema detrás de otro, conseguir un determinado ambiente, crear una tensión a través de los ritmos. Me parece muy interesante trabajar con los sonidos.

A pesar de su carácter plural y abierto, las sesiones del Etxekalte siguen siendo minoritarias.

– Sí, ya que seguimos arriesgando y se trata de un club de jazz muy pequeño. Nosotros ponemos lo que nos apetece pensando en la música, de forma que podamos seguir aprendiendo a partir de la música de jazz, de las raíces, no exactamente lo que suena en la radio. Así que hay un lado experimental, se invita a gente a que venga, traemos disc-jockeys, y aprendemos de todos ellos.

O sea, que te sigues enfrentando a ello en plan amateur.

– Sí. Es curioso: yo no me considero disc-jockey pero vivo de ello. Lo que pasa es que surgió la oportunidad de pinchar discos en un club de jazz. Trabajar de disc-jockey es algo circunstancial pero a la vez he aprendido mucho de ello a la hora de hacer música. La historia del local también es curiosa, ya que el jazz parece la madre de todo.

¿Cómo se come que haya gente a la que le pagan millones por una sesión o que sean las nuevas estrellas?

– Cuando llega la industria, pasa lo que pasa. A una persona que te llena el local se le paga lo que pide. Es lo mismo que el rock’n’roll: cuando un grupo llena estadios, cobran lo que les da la gana y hay gente que les paga lo que piden. Y eso pasa en este mercado: los que tienen las discotecas tienen que pagar el dinero que les piden si quieren asegurarse el lleno.

¿No hay ciertas contradicciones en festivales como Festimad en el que a la gente le vale igual Extremoduro que The Prodigy y luego para ver a Goldie hay cuatro gatos?

– El rollo éste de independencia es muy cuestionable. Ese Festival está muy bien, pero no se puede jugar con la historia de la música independiente. Al final se piensa más en la parte industrial que en la música en sí: hay que tener mucho cuidado con utilizar determinados reclamos.

El mismo problema sucede con las carpas dance, que muchas veces no tienen la calidad que debieran.

– La picaresca en el Estado es algo muy común y siempre va a ocurrir. Los promotores que estaban en el rock se dan cuenta que pueden traer a un disc-jockey y ganan el mismo dinero o más y les sale más barato, ya que se trata de una sola persona.

¿Hay base creativa en la escena?

– Yo si estoy en esto es, desde luego, por la parte creativa. El sacar discos para mí es algo creativo. Ahora que hay que pensar en venderlos para poder hacer más y ésa es también una realidad que hay que tener en cuenta. Pienso que el fin justifica los medios. Sucede también que hay mucha gente que utiliza otras formas que no son exclusivamente la creatividad y empiezan a salir demasiadas cosas raras que huelen a puro mercantilismo.

De las remezclas que has hecho, ¿de cuál has quedado más satisfecho: Esclarecidos, Pizzicato Five, Spring…?

– De la de Pizzicato Five estoy muy contento: he fundido la personalidad del grupo con mi forma de trabajar con los samplers, viéndolo desde el prisma de ellos. También estoy satisfecho de una que hice para Carlos Berlanga, «120 años», que titulé «120 años de radio fórmula mix». De todas formas, de las remezclas nunca quedo plenamente satisfecho, tal vez porque no es cien por cien algo mío: tienes una voz como condicionante… Es interesante hacerlas, pero a la vez te marca mucho. Los mejores casos son cuando te gusta el grupo para quien la haces.

¿Sería posible tener diferentes aventuras sin la revolución del sampler?

– No, aunque por otro lado sí. El sampler lo que da son unas posibilidades que antes eran impensables. Antes era un trabajo de laboratorio, ir cortando y pegando, y ahora te ahorras muchas cosas. Las cajas de ritmo también son un gran adelanto, pero el sampler lo completa todo. Sampleas un disco viejo y ya lo tienes ahí, y vas pirateando elementos de todos lados. Es muy versátil y muy creativo: puedes tomar sonidos de otros, jugar con los tuyos, manejarlos. Es una parte muy fundamental de los 90.

¿Qué grado de culpa de tu hiperactividad tiene la posibilidad de disponer de toda la tecnología en casa?