Categoría: Entrevistas

ENTREVISTAS 2003

Jane’s Addiction, el grano que supura

Jane’s Addiction, la banda que prendió la mecha que marcó el inicio de la revolución del rock’n’roll de los 90 ha vuelto. Strays es la primera obra completamente nueva de Jane’s Addiction desde hace más de una década, propulsado, como siempre, por el llamativo lirismo de Perry Farrell, el ostentoso virtuosismo del guitarra Dave Navarro, la ingeniosa y musculosa sala de máquinas del batería Stephen Perkins y el nuevo kung fu del bajo, Chris Chaney.

“Es una progresión lógica desde el punto en que lo dejamos”, explica Navarro. “Pero al mismo tiempo, creo que es así porque nuestra música es eterna. Ésa ha sido siempre una de las claves de la banda, todo lo que hacemos tiene reminiscencias y es futurista al mismo tiempo.”

“No sabría decirte exactamente en qué radica la energía y el sonido de nuestra música”, comenta Perkins acerca de la fuerza eterna de la banda. “Se ajusta al presente, al pasado y al futuro.”

“Ha sido un proceso similar al de la elaboración del vino”, observa Farrell acerca del regreso de la banda. “Como equipo, somos mucho más fuertes que nunca. Nuestros objetivos apuntan más alto. Y hay una necesidad: el mundo está más desesperado, vive momentos extraños, es todo mucho más excitante y mucho más desafiante al mismo tiempo.”

Jane’s Addiction se plantó por sorpresa ante un mundo desprevenido a mediados de los 80, tomando el panorama musical por asalto con su ya legendaria amalgama de punk, metal, indie, prog, folk y cualquier otra cosa que les viniera en gana. En 1987 editaron su álbum homónimo de directo, que vino seguido al año siguiente por el aún influyente Nothing’s Shocking. Ritual De Lo Habitual (1990) triunfó comercialmente con todas las de la ley. Si en algo fue sorprendente el éxito del disco, fue por que Jane’s Addiction no renunció ni a un ápice de su actitud y agresividad para llegar a un público creciente. En 1991, la banda decidió poner punto final a su aventura y despedirse con una gira de festivales única y sin precedentes por Norte América: el Lollapalooza.

Después del Lollapalooza, que marcó todo un hito, Jane’s Addiction se despidió a lo grande, sin llantos. Y aunque la banda había terminado, sus componentes no dijeron adiós muy buenas en su faceta individual. Qué va, al contrario, comenzaron a investigar nuevos caminos hacia nuevas fronteras musicales, como Porno For Pyros de Farrell y Perkins, Deconstruction de Navarro (junto al bajista Eric Avery), o el proyecto Banyan de Perkins y los años de Navarro (1993-1997) en Red Hot Chili Peppers.

En 1996, Jane’s sufrió una reaparición temporal cuando Navarro (y el bajista de Red Hot Chili Peppers Flea) se unieron a sus ex compañeros en Porno For Pyros para grabar un tema, el impresionante “Hard Charger”, para la banda sonora de la película de Howard Stern Partes Privadas. Su colaboración fue tan satisfactoria que Jane’s Addiction se volvió a unir oficialmente, con Flea al bajo, en el otoño de 1997, ofreciendo actuaciones con lleno total en todo América del Norte dentro de la gira “It’z My Party”. Kettle Whistle, su colección de retazos de demos, tomas alternativas, grabaciones en directo y dos nuevos temas, salió a la venta en noviembre de aquel mismo año.

En abril de 2001, Jane’s Addiction decidió reagruparse de nuevo junto al componente de Porno For Pyros Martyn LeNoble al bajo para encabezar el segundo Coachella Valley Music & Arts Festival, seguido en otoño por su gira Jubilee 2001 por Norte América. Pronto quedó claro para todos que Jane’s Addiction versión 2 no se estaba limitando a pasear su colección de grandes éxitos, sino que tenía una fuerza musical infinitamente potente que pedía a gritos un análisis más profundo.

“Cuando terminamos Jubilee, nos miramos los unos a los otros y pensamos, ‘bueno, no podemos volver a hacer algo así’,” recuerda Perkins. “Ya van dos reuniones con música antigua, ¿listos para un nuevo reto?”

“Ninguno de nosotros lo ve como una ‘reunión’”, explica Navarro. “Somos una banda completamente nueva con una gran historia a nuestras espaldas. Hemos trabajado juntos de cuando en cuando desde hace ya unos cuantos años. Creo que simplemente hemos ido evolucionando en esta dirección. Hemos crecido, como personas y como músicos, y ahora, al fin, hemos sido capaces de crear algo especial.”

“Creo que los músicos tienen un reloj biológico, como las madres”, explica Farrell. “Cuando la música necesita salir lo sientes en la barriga, igual que sientes cuándo no es el mejor momento para unirse y cuándo podrás hacer tu mejor música. Llegado un punto sentimos que era el momento de ponerse serios y hacer un par de discos. Teniendo tan claro que la música es lo más importante de mi vida, ¿con quién hacerla si no es como ellos?”

Las experiencias vividas por cada componente durante su década de separación han permitido a Jane’s Addiction conectar en una dimensión más personal que antes. Después de más de quince años, los miembros de la banda se vieron inextricablemente unidos como algo más que amigos, más que compañeros de banda, como una auténtica familia. “Hemos atravesado muchos caminos distintos”, comenta Farrell. “Estamos completamente unidos, como los presos en la cárcel.”

“Después de haber liderado un grupo, puedo ponerme en el pellejo de Perry mucho mejor que antes”, reconoce Navarro. “Siento mayor respeto por lo que hace. He aprendido lo complicado que es entregarte en cuerpo y alma a una escala tan grande. Esto ha reforzado nuestra relación, como grupo y como amigos.”

“Nos conocíamos musicalmente, aunque en realidad nunca supimos cómo éramos como personas”, apostilla Farrell. “Yo siempre estaba en mi mundo, pero he llegado a descubrir que estamos todos en un único universo, y que hay sitio más que suficiente para todos. Es importante que seamos amigos.”

“En la época de mayor apogeo de Jane’s, la verdad es que no nos llevábamos tan bien”, confiesa Perkins. “No había comunicación, así que sabíamos que no tenía ningún sentido intentar grabar otro disco. Para hacerlo, todo el mundo tiene que pintar en un mismo lienzo, pero si a una persona le gusta el cielo azul oscuro y a otro azul claro, hay que ser capaces de hablarlo para tomar una decisión. Ya hemos abierto las vías. Nos comunicamos de una forma completamente distinta de la del pasado.”

Unidos de veras por una meta común, en marzo de 2002 Jane’s se encerró en los legendarios Jim Henson Studios de Los Ángeles y se puso a componer nuevo material. Aunque tenían alguna idea acerca del sonido y visión buscados, el grupo empezó a trabajar desde cero, sobre un lienzo blanco inmaculado.

“No teníamos ningún tema”, explica Perkins. “Sólo sabíamos que queríamos estar juntos y componer. Teníamos en mente empezar el proceso en un gran estudio para que todo lo que pasase quedase grabado. Queríamos poder escuchar cómo sonamos de verdad.”

“Nunca hemos hecho música siguiendo un único patrón”, explica Navarro. “De muchas formas, no sé cómo, la verdad. Es algo orgánico, intuitivo, nace por el motivo que sea. Es muy difícil intentar explicarlo. Es como es.”

“El disco está más centrado en lo que son las canciones”, observa Navarro. “No hay piezas de ocho minutos, aunque algunos de los temas son en realidad bastante épicos, pero no tienen por qué durar nueve o diez minutos para transmitir el sentimiento. Hemos aprendido a ser épicos en tres minutos y medio, lo cual es bastante más complicado.”

“Jane’s Addiction es como conducir un Porsche o un Ferrari”, añade Perkins. “Si te montas en él irás rápido. Nosotros nos metimos en el estudio pensando de forma veloz, profunda, moderna y sin rodeos.”

Siempre directos en cuestiones políticas, Jane’s Addiction está decidido a concienciar al público una vez más. No sólo flota en el ambiente el tema de la guerra, sino que además el medioambiente se enfrenta a su mayor amenaza hasta la fecha. La banda es consciente de que su influencia puede ayudar a concienciar a la gente acerca de temas tan vitales como las fuentes alternativas de energía, en especial el combustible de hidrógeno.

“Intento mantenerme lo más positivo posible”, afirma Farrell. “Mi principal prioridad es asegurarme de que la gente se divierta, pero en toda burbuja de felicidad tiene que haber un momento serio. Como pregoneros que somos, estamos muy interesados en la promoción de los combustibles alternativos, que es precisamente a lo que se refiere el tema que da título a este trabajo. Corremos el riesgo de que todas las leyes medioambientales escritas del país se vayan al traste, y la voz que más llega al público es la musical.”

“Creo que todos somos muy conscientes del poder que nos confiere la música”, admite Perkins. “Además de hacer que la gente dé saltos, también quiero que la gente llegue a casa, haga el amor y piense acerca de su mundo.”

“Es una cuestión de trabajar duro y jugar duro,” explica Farrell acerca de la dicotomía temática del álbum. “Si tienes un tío que está todo el día currando, es un aburrido y al final su mujer acabará por abandonarle. Si tienes un tío que es todo juego y diversión, es un cabeza de chorlito y al final su mujer acabará por abandonarle. Tienes que ser un tipo que sepa trabajar y jugar duro. Eso es lo que debería ser un álbum: debería tener momentos en que te sientas golpeado en el estómago, que notes como alguien te dice ‘qué, ¿lo sientes?’, y otros en los que eches a correr para meterte mano detrás de un arbusto.”

“Es el álbum más importante de mi carrera”, confiesa Navarro. “No es que lo compare con los trabajos anteriores, pero lo siento como algo especial.” “Ya no aguanto más”, se queja Farrell. “A veces, cuando escucho la radio, pienso: ‘¿Cómo hemos llegado hasta aquí?’ ¡Hay que explotar el ‘grano de la música pop’, superarlo y volver a salir al mundo real!”

Xavier Valiño

ENTREVISTAS 2003

Massive Attack, forzando la cerradura

Vuelven Massive Attack. Y justo ahora, en una época en la que las obsesiones anodinas de los famosos y los grandes e interminables camiones de estrellas falsas están monopolizando el paisaje cultural, necesitamos más que nunca al grupo más influyente de Gran Bretaña. Massive Attack han empujado con consistencia los límites de su propio sonido, desde las raíces de su soundsytem hacia los estratos de guitarra complejos e insistentes de Mezanine, y sorprendiendo constantemente con sus inspiradas colaboraciones y su sonido innovador.

Ahora, doce años después de su primer disco, el mítico Blue Lines, los grupos prometedores cuelgan con la coletilla de “los nuevos Massive Attack”. Dejaron su marca en la música británica, dando forma y cambiando la música dance, el pop, el hip hop británico, el drum & bass y el rock.

100th Window es el cuarto álbum de Massive Attack. Compuesto y grabado en el estudio del grupo en Bristol el año pasado, supone también un avance hacia una electrónica torpe, paisajes psicodélicos, cuerdas árabes y una inmersión más en el viejo y profundo dub reggae. Robert Del Naja, más conocido como 3D, explica: “Queríamos hacer este álbum más caliente que Mezzanine, pero no queríamos que fuese más blando. Queríamos mantener el filo y la intriga, pero sin hacerlo frío y sombrío.”

El álbum está compuesto y producido por 3D y el coproductor de Mezzanine, Neil Davidge, mientras que el otro miembro de Massive Attack, Grant “Daddy G” Marshal se tomó un descanso del estudio. “Grant se ha cogido unas pequeñas vacaciones, un año sabático, porque ha tenido un hijo y está empezando una nueva vida”, comenta 3D. “Volverá a coger de nuevo las riendas de la música cuando se venga de gira con nosotros. Volverá.”

Al igual que el resto de sus trabajos publicados, 100th Window impulsa al grupo a nuevas aguas. “Siempre quisimos hacer algo diferente y estirar nuestra imaginación; era muy importante para nosotros que representase un cambio, un avance con respecto a Mezzanine.” El grupo de Bristol siempre ha encajado canciones brillantes con música experimental, y 3D decidió que era hora de volver a lo básico. El mismo 3D canta en cuatro canciones y conectó con Sinead O”Connor. Grabaron tres temas, incluyendo el single “Special Cases”. “Sinead es una de las grandes cantantes que hay ahora”, explica 3D. “Aporta un espíritu completamente puro, una emoción real y el creer de verdad en lo que está haciendo. Se ve en los resultados que su maternidad no le ha sacado la rabia, al contrario que otras cantantes, que son mucho más blandas y genéricas”.

El título del disco está tomado de un libro de culto de seguridad electrónica, escrito por Charles Jennings. “Esa idea me gusto mucho”, comenta 3D. “El disco trata del modo en el que la gente trata de esconder sus sentimientos, aunque siempre se puede encontrar una forma de entrar, si sabes cómo forzar la cerradura”.

En los cuatro años que van desde Mezzanine, después de que uno de los miembros fundadores, Andrew “Mushroom” Vowles, dejase el grupo, la banda volvió a ponerse manos a la obra. Empezaron colaborando con David Bowie en una versión de “Nature Boy” para la banda sonora de Moulin Rouge, se centraron en los grupos de su sello Melankolic y Del Naja hizo un remezcla para Dandy Warhols en “Godless”. “No teníamos prisa”, cuenta 3D. “Y en realidad, ¿cuándo hubo una sensación de urgencia en algo nuestro?”

Siguen sin amainarse: el grupo ya está componiendo material nuevo, cotejando canciones para el próximo álbum que piensan publicar doce meses después de la aparición de 100th Window, y hay planes para trabajar con Tom Waits y Mike Patton de Faith No More, así como para repetir el éxito de la colaboración del año pasado con Mos Def, “I Against I”.

El tema de apertura de 100th Window, “Future Proof”, está cargado de distintas capas. El viejo colaborador de Massive Attack, Horace Andy, que apareció por primera vez como invitado ya en Blue Lines, aparece en el tema lleno de aristas “Everywhen” y en el perturbador “Name Taken”.Si bien el grupo ha flirteado siempre con los sonidos del Este, de forma notable en “Karmacoma” e “Inertia Creeps”, ahora han llevado el sonido a un nivel nuevo e impresionante.

“Me encanta el sonido de cuerdas del Este; contienen una emoción pura y hermosa. El estado actual del mundo ha impregnado al disco. No puedes evitar ser consciente que el Oeste está dominando al Este, y yo quería trasladar algo de esas emociones en el disco”. En el seductor “Small Time Shot Away” encontramos a 3D a las voces. El tema de cierre, “Anti-Star”, cruje con cuerdas árabes épicas y, como la totalidad de 100th Window, refleja perfectamente la historia de hibridación cultural de la música de baile.

Para este álbum, grupo grabó horas y horas de música “tambaleante y alucinógena” con los ex-componentes de Spiritualized, ahora en Lupine Gol, pero tras semanas de mezclar los temas en el estudio, desnudar la música y transformarla en canciones utilizables, volvieron a empezar otra vez desde el principio. “Teníamos unas 80 horas de sesiones extraordinarias, pero no estaban bien para nosotros. Una vez que las limpiamos, perdimos lo que las hacía especiales”.

Además de una gira mundial, en la que habrá pantallas gigantes e interactivas, Massive Attack darán cuatro actuaciones de un sólo día durante el verano. “Cuando empezamos a tocar siempre intentábamos crear un ambiente en torno al soundsystem, y crear un lugar donde quisiésemos tocar. Ahora queremos volver a eso otra vez y tener una gran fiesta de paso”.

Xavier Valiño

ENTREVISTAS 2001

Rage Against The Machine, la amenaza continúa

Furia contra la máquina, sí. Tom Morello, Brad Wilk, Timmy Commerford y, por supuesto, Zack de la Rocha han sido hasta ahora Rage Against The Machine. Zack de la Rocha ha anunciado que deja la banda, al no satisfacer todas sus ambiciones.

Así que es Tom Morello, a la falta de un vocalista que de la cara, quien tiene que defender su nuevo disco, Renegades, un álbum de versiones que van de Public Enemy a Paul Weller, de The Clash a Bruce Springsteen, de Eric B & Rakim a Afrika Bambaata, de MC5 a The Stooges, de Rolling Stones a Bob Dylan.

– ¿Sabías que Zack iba a dejar el grupo?

– No, lo escuché directamente de él cuando me llamó, el mismo día que hizo pública su declaración.

– ¿No es algo extraño un disco de versiones y más en este instante?

– Sí. Aunque he de decir que la banda no se ha separado. Tenemos que decidir qué vamos a hacer. Zack había estado tomándose su tiempo para trabajar en otros proyectos. En lo que respecta a nuestra vida diaria, no hay mucha diferencia.

– ¿En algún momento pensasteis en dejarlo?

– Zack pensaba que su contribución no era reconocida por nosotros tres, cuando había escrito la mitad de las canciones de discos anteriores. Sólo buscaba reconocimiento, no dinero ni mayor protagonismo. Así que, en nuestro último disco, nos centramos en la música y él en las letras. Al final fue un proceso mucho más saludable que en el pasado. No veo ninguna razón para no continuar, sobre todo porque hemos superado gran parte de las tensiones. No creo que en el fondo de nuestros corazones quisiéramos destruir el don por el que hemos luchado. Quiero decir que podíamos haber vendido dos o tres veces más que nuestro primer disco, pero eso nos hubiera destruido. La tensión creativa es parte fundamental de nuestra química y no la cambiaría por nada.

– ¿Tiene algo que ver con la idea inicial de no hacer videos?

– Discutimos sobre si deberíamos hacer videos para que la gente asimilara información. Al principio nos oponíamos, y creo que fue la decisión correcta. ¿Se percibirían nuestras acciones de la misma manera si hubiéramos vendido siete millones de discos sin más? No lo creo. Ahí es donde Zack y yo no coincidíamos. Tenemos una forma de pensar diferente sobre cómo dirigir nuestras opiniones. Pero después estamos de acuerdo en casi todo lo demás. Al final el enfrentamiento nos ha ayudado.

– ¿Y la idea de no conceder entrevistas durante varios años?

– Una de las cosas que quería asegurar era la protección de la integridad del grupo. Que hablábamos de lo que hablábamos en lugar de sólo hablar. Tratamos con una monstruosa cultura pop que tiene una tendencia a domesticar y hacer todo más digerible. Le ha pasado a tantas bandas en el pasado… Es importante que los artistas de nuestra posición prediquen con el ejemplo de que hay una línea muy fina entre la promoción de un producto y la promoción de una idea. Así que para proteger nuestra integridad decidimos contenernos.

– Ya habéis creado escuela. Sin vosotros no existirían Korn, Limp Bizkit, Molotov o grupos españoles como Superskunk.

– Da la casualidad de que hemos sido un grupo que hemos creado un espacio abierto dentro de la música pop y que hemos intentando poner en marcha una nueva era en la que más voces disidentes en la música comercial puedan formar parte de un nuevo diálogo. De todas formas, por cada Nirvana hay 10 o 15 Bush o quién quiera que sean y tras Rage Against The Machine han aparecido unos cuantos grupos no tan buenos. Me sorprendo cuando pongo la radio y escucho clones nuestros de sexta generación. Cuando empezamos éramos lo más radical. El vocabulario físico de un líder ha sido definido por Zack.

– Siempre os ha rodeado el aura de ser una banda especial.

– Para nuestro primer concierto en 1991, después de ensayar durante tres meses, decidimos fastidiar a las compañías y vender nuestras propias cintas. La reacción del público fue tan intensa que se convirtió en una celebración de la frustración y la rabia. Fue una sensación increíble. Me di cuenta de que teníamos algo especial y que podíamos llevar las cosas más allá. No hay nada igual. Pero no es que nos levantemos y rompamos el cartón de leche sólo porque no conseguimos abrirlo. Aunque el hecho de que no somos el típico grupo crea una mística alrededor de nosotros que es algo bueno. Siempre es más fácil hablar de política que de ti mismo.

– ¿Hay algo más que la gente no alcanza a ver?

– Aunque nuestro trabajo es siempre jodidamente serio, en el día a día puede verse que lo hacemos divirtiéndonos. No siempre hay un sentimiento político tan fuerte. Eso es lo que el público ve, justo lo opuesto a la banalidad de lo que sucede en los camerinos.

– Aunque no tenéis que ver en ello, hay parte del público que sólo busca diversión con vuestras canciones.

– Sí, pero nosotros no nos escondemos. No es que disculpe a esa gente, la que sólo viene por la música. Sucede que en el mundo de la cultura hay mucho rock, y dentro hay mucho rock misógino y mucho rock escapista. Y hay muy poco rock que sea auténtica música de rebeldía. Así que creo que es necesario que esté ahí, emitiendo por lo menos desde nuestros amplificadores.

– ¿Y cómo os enfrentáis al hecho de que todos los periodistas tengan que preguntaros por la contradicción entre vuestra rebeldía contra el sistema y la utilización de una multinacional?

– Entiendo por qué lo preguntan, y creo que se debe a que destacamos por nuestra posición política. Una pregunta mejor sería a los otros grupos que están en multinacionales: “¿Por qué no hacéis algo con la gran exposición pública que tenéis para lograr algún tipo de cambio?” Mejor eso que atacar a un grupo que lo está haciendo para conseguir unos objetivos políticos. ¿Por qué no dirigirse a quién no lo hace?

Xavier Valiño

ENTREVISTAS 2002

Camera Obscura

Biggest Blues Hi-Fi es el disco de debut de estos escoceses que ya llevan un tiempo rondando por ahí. Es, también, el disco que todos hubiéramos querido tener por parte de Belle & Sebastián en este 2001 y no el que nos han ofrecido -la irrelevante banda sonora de Storytelling-. La relación no es casual: Stuart Murdoch, de los escoceses más importantes en el mundo del pop en este momento, ha sido su principal baluarte hasta ahora.

Ante su tourné por la piel de toro nos ponemos en contacto con ellos para que nos den algunas claves de su pasado, su presente y su futuro. Nos responde la encantadora Tracyanne.

– En el Festival de Benicássim sonaba "Eighties fan" en los intermedios entre conciertos, lo cual siempre ha sido reservado para grupos que han pasado por allí o que van a ir, normalmente al año siguiente, ¿Es esta una señal? ¿Os gustaría acudir al FIB alguna vez?

– Sí, ya me lo habían comentado: Stuart escuchó la canción cuando estuvo allí tocando con Belle & Sebastian. Nos encantaría tocar en Benicássim, depende más que nada de la organización.

– ¿Cómo estáis encajando este marasmo de buenas críticas y de, supongo, palmaditas en la espalda?

– El álbum ha sido bien recibido en España, pero nos es difícil saber hasta que punto, pues no vivimos ahí. Para ser honestos, a la prensa musical británica no les importamos demasiado…

– ¿Teméis haber puesto el listón muy alto con vuestro primer largo?

– ¡No!

– ¿Qué se siente al contar con el apoyo de Stuart Murdoch, de Belle & Sebastian? ¿Aparte de arreglos, qué mas os aportó?

– Stuart es un amigo íntimo, siempre esta dispuesto a aconsejarnos.

– Partiendo de vuestra propia sustantividad y personalidad, ¿os molestan las comparaciones con Belle & Sebastian?

– No nos importa que nos comparen con ellos, podría ser peor. ¡Podrían compararnos con Travis, por ejemplo!

– ¿Escocia imprime carácter?

– Creo que los escoceses tienen un arraigado sentimiento de identidad, pero también creo que, independientemente de la riqueza de un país, siempre tenderá a influir sobre el carácter de su gente.

– La edición de vuestro disco en España por un sello como Elefant no podría ser más acertada… ¿Muestra de control de vuestra carrera o de interés preciso por parte de Elefant?

– No estoy seguro, creo que fueron ellos quienes contactaron con nosotros. No puedo imaginarme un sello más adecuado que Elefant. Incluso sus diseños de portadas casan perfectamente con nuestro estilo musical.

– ¿Qué esperáis de vuestra gira española?

– Sobre todo tengo muchas ganas de tocar para gente que nos quiera escuchar de verdad.

– ¿Qué debemos esperar nosotros? ¿Alguna versión sorprendente?

– Sí, tenemos unas cuantas versiones preparadas…

– ¿Podéis desvelarnos algún proyecto futuro?

– Estamos trabajando en el disco que seguirá a Biggest Bluest Hi-Fi, que saldrá probablemente a principios del año que viene.

Pedro Hermida

ENTREVISTAS 2002

Humanoid y sus princesas de ojos verdes

Humanoid es la formación más relevante de la música pop gallega del último lustro, junto a Deluxe. Ya en su tercer disco, Romance, su fundador, Arturo Vaquero, se hace acompañar de dos nuevas componentes en el grupo, Laura Romay y Carmen Álvarez, e invita a otra mucha gente -Xesca Font, Irantzu Valencia, Belén Rodríguez… – a colaborar en su nuevo álbum, justo el que representa su viraje de la electrónica al pop. Björk también estuvo en el punto de mira, pero nunca más se supo de ella. Al habla con Arturo Vaquero, desde Lugo para el mundo.

Lo primero es preguntarte la razón por la que ahora Humanoid es un trío.

– Me sentía muy solo y pensé en rodearme de dos princesas, je, je. Desde que empezamos a dar un giro hacia el pop vi necesario incluir el sonido de un bajo eléctrico (Laura) y una preciosa voz (Carmen).

¿De dónde vienen Laura -Holywater- y Carmen?

– Residen en Lugo las dos, así que al estar todos en la misma ciudad es más fácil sincronizarse para los ensayos y para componer las canciones.

¿Es Romance el disco del acercamiento al pop de Humanoid?

– Sin duda alguna. Algunos dicen que el hombre ha vencido a la máquina en este nuevo disco y en parte tienen razón: las canciones son más sensibles, más humanas, más acústicas… En resumen, más pop, pero sin olvidar nuestra base electrónica.

Curioso que en eso coincidas con Prozack, que intenta lo mismo ahora en Grado 33, o Silvana, ahora como Cielo. ¿No te parece?

– Sí, eso mismo pensé yo. Romance comenzó a gestarse en 1999. Justo al editar nuestro segundo álbum empezamos a trabajar en las nuevas canciones. Fue una sorpresa ver como tendíamos a componer canciones más melódicas y cantadas, y veíamos como si todo el mundo empezara a dar un giro hacia el pop: desde Madelman, con Chico y Chica, Daft Punk, Prozack o Silvania. En ningún momento se pretendió seguir una tendencia pop ni imitar a nadie. Nosotros sentimos la necesidad de madurar un poco más y eso nos llevó hacia el pop, con la característica de que nosotros no hemos cambiado de nombre artístico.

Casi todos tus colaboradores son mujeres. ¿Es premeditado? ¿Tienen más sensibilidad para lo que buscas?

– Sí. Me encanta el timbre de las voces femeninas. Cuando creas una canción piensas en una voz y hasta en una persona en concreto para que la cante. Eso es lo que pasa en el nuevo disco: está lleno de voces femeninas, lleno de colaboraciones con mucho sentido para mí, colaboraciones que han aportado su sensibilidad a las canciones.

¿De qué participación has quedado más contento?

– De todas. No podría decir que me gusta más una que otra. Todas tienen su encanto y estoy orgulloso de todas. Pero si tengo que nombrar una, diría que la mía, ya que es la primera vez que venzo al miedo y canto una canción enterita, “Deep Inside”.

¿Alguien que querías que colaborase y que no pudo ser?

– Björk. Le enseñamos la canción, pero no recibimos repuesta, aunque sabemos que le gustó porque se quedó con el CD y mi discman.

Lo que más llama la atención es la gaita gallega. ¿Te gusta cómo suena el instrumento?

– El sonido de la gaita gallega es muy bonito. En “Lost In NY” la tratamos con efectos electrónicos para que se acercase más a un sonido sintético, pero sin que pierda su esencia. La colaboración de la gaiteira y amiga Ana Chacón fue de lo más grato. Como productor estoy involucrado en muchas grabaciones de música folk: me ha llamado la atención últimamente el disco que muy pronto editará Pepe Bahamonde Grupo: es la maestría, delicadeza y técnica que usa este gaiteiro para interpretar sus canciones lo que crea ese sonido tan peculiar.

¿Se aleja Humanoid de los sonidos germanos y se acerca al terruño?

– Ja, ja… Sí, puede que al trabajar de técnico y productor en discos de música tradicional gallega me haya influido para acercarme más a las raíces de mi abuela.

Sigues grabando en tu estudio, Green Room Studios. ¿En algún momento te has sentido limitado por eso?

– Al contrario: al disponer de estudio propio hemos trabajado estos tres años de espera muy tranquilamente. Por lo que al material se refiere, cada día estamos aumentándolo en cuanto a calidad y comprando nuevos aparatos, ya que forma parte de mi trabajo tanto como técnico de estudio como de directo. Aunque al final, lo más importante es una buena idea, una buena canción.

¿Algún productor con el que te gustaría contar?

– Con cualquiera que quisiera aportar algo a Humanoid. No tengo interés o devoción por alguno en especial. Es mi trabajo y los veo más como colegas que como genios.

¿Crees que tu trabajo se daría mejor a conocer si vivieras en otro sitio?

– No. Creo que mi trabajo se daría más a conocer si la gente fuese mas inquieta y empezara a escuchar algo más de lo que les machacan en las radio-fórmulas o en los programas karaoke-circenses de la televisión. Es cuestión de cultura musical y de tener una personalidad propia. Hay una infinidad de grupos de una infinidad de estilos que la gente no se preocupa en conocer. Esa gente se come lo que les echan y es triste.

¿Cómo van tus otros proyectos: Elviscristo Furious Machine, Dar Ful Ful?

– E. F. M. está en periodo de hibernación debido al poco tiempo del que dispongo, aunque me gustaría retomarlo de nuevo. Respecto a Dar Ful Ful, no soy el más indicado para hablar, aunque habrá noticias púbicas en Radio 3 en este mes sobre su futuro.

¿Tienes contacto con algún otro grupo gallego? ¿Qué es lo que más te gusta de lo que se hace por aquí?

– En Galicia me encanta lo que hacen Apeiron desde Rivadavia. Belén es uno de sus componentes y colabora también en nuestro nuevo disco. Fuera de Galicia, me gusta la mayoría de la música: sería muy larga la lista.

¿Cuál crees que es la mayor aportación de Humanoid al pop hecho en nuestro Estado?

– Hoy recibí una llamada de una chica contándome cómo nuestro nuevo disco había sido el responsable de un romance. Ella volvió a revivir el amor con un chico por culpa o gracias a nuestras canciones. También recibí un e-mail de un chico que nos contaba cómo nuestra música le ayudó a salir de una depresión. A veces me asusto, pero creo que es más importante que aporte sentimientos a las personas que calidad musical al panorama actual. Hacemos la música que sale de lo más profundo de nuestros sentimientos. Me alegra saber que sirve para endulzar la vida de los demás.

¿Qué se puede encontrar quien visite tu web www.humanoidweb.com y quién se encarga de mantenerla?

– Actualmente hay una página provisional. Un programador está encargándose de realizar el nuevo diseño. Respecto al mantenimiento, lo hacemos nosotros mismos, para estar más cerca de la gente que escucha nuestra música.

¿Has conseguido ya todo lo que pretendías cuando empezaste?

– Sí. Cuando alguien siente algo escuchando una de tus canciones, ya has llegado a la meta. Has plasmado tus sentimientos y el oyente los ha interpretado: ése es el fin de cualquier músico.

Por último, ¿te sientes cómodo en el directo y qué proyectos hay de giras o conciertos?

– Sí. Ahora dejo los aparatos a un lado para colgarme una guitarra acústica, acompañado de Laura al bajo, Carmen en la voz y, en algunas ocasiones, de una sección de cuerda, con cello y violín. Es una formación más pop cara al directo. En enero empezaremos con una gira por Galicia y, a continuación, fuera, en salas y festivales, como es lo normal, esperando que la gente disfrute lo máximo de nuestros conciertos.

Xavier Valiño