Entrevistas musicales, artículos y comentarios de discos, libros y películas de Xavier Valiño
Juan Rivas, casa latina
Después de desaparecer Estereocéano, Juan Rivas decidió lanzarse en solitario. Igual que en el primer disco de su antiguo grupo, queda claro que este vigués está marcado por los ritmos latinos, la música electrónica y los ecos de la movida de los 80. Ahora presenta su primer disco en solitario, Devenir del paraíso. Leer más
Juan Perro, en duermevela
Cantares de vela alude a las imágenes del insomnio y de esas horas en que la ciudad duerme y uno aprovecha para pensar. También bebe de la lírica tradicional. Los cantares de vela eran los cantos que, para no dormirse, improvisaban los guardianes que vigilaban las puertas de las ciudades. A Santiago Auserón, antes líder de Radio Futura y ahora más conocido como Juan Perro, le pareció una fórmula bonita para hablar de esa vigilia a la que casi se nos obliga hoy día en las grandes ciudades. Esta semana presenta este nuevo disco a ritmo de jazz reposado en Galicia. Recogemos sus palabras sin interrupciones. Leer más
Después de Endtroducing…, DJ Shadow lo tenía difícil. Lo mejor: facturar un segundo disco sin preocuparse por las comparaciones, aunque tardase en llegar. Aquí está The Private Press y la verdad es que, si no lo comparamos con el anterior, hay mucha miga.
“Más que ninguna otra cosa, lo que quería hacer era un disco entretenido.” No es que éstas sean exactamente las palabras que uno espera escuchar de Josh Davis, más conocido como DJ Shadow. Su reputación es la de un perfeccionista -lo que es, ciertamente-, o, cuando menos, la de un artista serio. No alguien que se dedique al entretenimiento.
Puede ser que, con el tiempo, nuestra percepción de esos dos arquetipos, el del artista y el de aquel que se dedica a entretener, se hayan ido distanciando. Y basta con verlo en directo, tal y como tuvimos ocasión de comprobar en el reciente Festival Internacional de Benicassim, para darnos cuenta de que la realidad es otra.
Seis años después de Endtroducing…, el disco que recientemente ha sido considerado por la revista Muzik el mejor álbum de la escena dance de todos los tiempos, DJ Shadow regresa con un segundo disco, The Private Press, que tiene unas ambiciones algo distintas.
El título del disco ya hace referencia a algo muy personal. “Esa copia privada del título habla de una única copia de un disco que las compañías te publican si les pagas; serían algo así como los artistas más vanidosos del mundo de la música y del mundo de los coleccionistas.”
En su caso, aunque haya muchas más copias, la idea es que cada oyente lo haga suyo. “A medida que iba avanzando en el disco, me encontré girando sobre muchos estilos y discos distintos que me inspiraban, y lo que tenían en común todos ellos era que el factor “casero” era lo más importante.”
El homenaje a tantos músicos anónimos no escapaba de su intención. “Aquellos artistas que se esfuerzan por ser escuchados, al margen de lo que está en las listas, ya sean grupos de funk, garage, o guitarristas folk, tienen un espíritu independiente infinitamente admirable. En ese sentido, The Private Press es mi homenaje a todos esos músicos a los que no se les presta atención, que han dado a la luz sus canciones generosamente a un público generalmente indiferente. También me gusta el título porque no tienes que ser un coleccionista loco para que signifique algo.”
DJ Shadow nació en la ciudad universitaria de Davis, California, cerca de la bahía de San Francisco. Ya en 1990, obsesionado con el hip-hop, envió una serie de grabaciones a distintas compañías, y al año siguiente estaba trabajando remezclando a otros artistas.
Ahora, para su segundo disco, ya no está en el sello que lo lanzó, Mo’ Wax. Mucho se ha dicho al respecto, pero él quiere dejar claro que tiene más que ver con la forma en que opera la industria musical.
“En 1998, una compañía grande compró otra compañía grande y un buen montón de artistas nos encontramos huérfanos con respecto a nuestros primeros sellos. Decidí sacarle el mayor partido a esta situación y trabar nuevas relaciones, lo que me pareció entonces lo más adecuado. No me arrepiento de nada y no hay malos rollos entre la gente que estuvo implicada, por lo que yo sé. Desde luego, he aprendido en esta industria a dejarme llevar con lo que te depare, y ésa fue una de esas ocasiones para probar.” No hay más comentarios.
Este segundo disco fue compuesto, en su mayor parte, entre agosto del 2000 y diciembre del 2001. “Estuve ocupado hasta mediados del 2000 con otros proyectos musicales como para enfrentarme a la continuación de Endtroducing… Nunca he pretendido ser de esa clase de artistas que tiene un disco nuevo cada dos años, aunque espero que el próximo disco llegue antes.”
De nuevo, cada corte es una experiencia distinta. Y, más que gustarle el hip hop, el funk, el soul y el rock de los últimos treinta años, a DJ Shadow le gusta el espíritu de esa música y las combinaciones que se pueden conseguir. “Mi meta en la vida no es duplicar un disco de hip hop del 88 o uno psicodélico del 68, sino incorporar elementos de todo tipo a algo que espero que sea considerado nuevo e innovador.” Eso, le concedemos nosotros, sí es entretenimiento.
Xavier Valiño
El regreso más en forma en los 90 lo han protagonizado Echo And The Bunnymen. Tres discos en esta nueva década se completan ahora con un directo, Live In Liverpool (Cooking Vinyl-Discmedi) que Ian McCulloch y Will Sergeant presentan este fin de semana como cabeza de cartel del Primavera Sound en Barcelona.
– Con el tiempo, ¿pensáis que habéis tenido dos carreras distintas?
– Ian (I): Sí, supongo que sí. Una vez que empezamos de nuevo, fue como si no hubiera pasado nada, como si todo fuera irrelevante.
– En el período que va del último disco de los ochenta a cuando os juntasteis de nuevo para Evergreen, ¿cómo fueron vuestras relaciones?
– I: Una vez que nos encontramos, no pasó nada. Fue un tanto estúpido lo de esos años. Volvió a ser como siempre fue: nada perfecto. Todavía hay malos momentos entre nosotros. No somos grandes colegas que salen de copas todo el tiempo. Pero lo que hacemos, lo hacemos bien.
– Después de tanto tiempo, aparece vuestro primer disco en directo. ¿Había necesidad de un álbum así?
– Will (W): No lo sé. Fue nuestro manager el que tuvo la idea, así que lo hicimos. Hasta ahora no nos lo habíamos planteado porque no nos preocupaba y no nos parecía que fuese necesario. Pero como sabemos que va dirigido a nuestros seguidores, a la gente que nos quiere, sabemos que si no tocamos a finales de año, el próximo año o durante el resto de nuestras vidas, al menos tienen este disco… Y ésa es una razón tan buena como cualquier otra.
– Habéis vuelto recientemente de los Estados Unidos. ¿Cómo ha sido la recepción allí?
– I: Muy bien. Ha sido una gira con todo vendido. Lo más curioso es que recibimos una oferta de un tipo que quería que diéramos un concierto sólo para él. El año pasado alguien en Las Vegas nos comentó que intentó contratarnos para tocar en su boda, pero no nos localizó, así que ahora intenta que lo hagamos en su aniversario. Pensamos que esta nueva oferta era de él, pero no, viene de otra persona.
– ¿Es una nueva faceta de vuestra carrera?
– I: No vamos a hacer este tipo de cosas, pero por una sola vez puede que sí. No nos importa lo del dinero, ya que lo agradable es escuchar algo como lo que nos dijo este tío.
– Cuando empezasteis hace 24 años, ¿os imaginabais aquí ahora?
– W: Ni siquiera pensaba que llegaríamos a la semana siguiente. Tampoco queríamos que sucediera algo así, ya que nos parecía que era todo lo contrario a lo que debe ser la música.
– ¿Cómo sienta seguir dando conciertos dos décadas después?
– W: Depende del día. Esta bien cuando sale bien, y otras veces es horrible, como cuando estás en el medio de los Estados Unidos en un lugar en el que nadie ha oído hablar de ti.
– ¿Os trata la gente diferente desde vuestro regreso en 1997?
– I: No realmente. En determinados lugares del mundo te dicen: “Eres Ian McCulloch, un icono,” lo que es agradable. No me parece que sea un cantante viejo ni que seamos un grupo antiguo. Además, parte de lo que me empujo a hacer esto al principio era ser como David Bowie, Iggy Pop, Lou Reed y Leonard Cohen, cuatro iconos. No quería ser un líder del montón, estancado en un sonido determinado, sino que se trataba de la calidad de lo que podía ofrecer.
– ¿Consideráis que todavía sois relevantes en el 2002?
– W: Nunca nos preocupamos de rollos como esos. Siempre intentamos estar al margen cuando se supone que éramos relevantes: no queríamos tener nada que ver con el resto de la escena. Siempre quisimos hacer lo que nos diera la gana y todavía seguimos pensando de la misma manera.
– Pero supongo que, hasta un cierto punto, os preocupa cómo se os percibe…
– W: Sí, de vez en cuando. Recuerdo, por ejemplo, cuando hicimos esa horrorosa canción para la Copa del Mundo de Fútbol con las Spice Girls en 1998, “(How Does It Feel) To Be On Top Of The World”, y a ninguno de nosotros le gustaba especialmente la idea. Fue algo equivocado desde el principio. Nos preguntábamos por qué razón lo hacíamos, sabíamos que era una basura, pero había un buen montón de gente alrededor empujándonos y persuadiéndonos de que era una buena idea, sólo porque podían oler dinero cerca. Y nadie sacó ni un céntimo de aquel asunto: fue el mayor fiasco imaginable.
– Mirando hacia atrás ¿os hubiera gustado haber tenido algo más de éxito?
– W: No lo sé, siempre se nos pregunta sobre este tema, porque supuestamente estamos en la cúspide, pero no hay nada que podamos hacer sobre este tema.
– I: Seguramente, hubiéramos sido muy grandes si hubiéramos entendido lo que los americanos entendieron antes que nosotros: que éramos un gran grupo. Sólo que, mientras tanto, nosotros estábamos tocando en un lugar perdido por ahí adelante. La gente nos acusaba de tener miedo de ser tan grandes como alguno de nuestros coetáneos. A mí no me asustaba ser grande, sino convertirme en un gilipollas. Claro que lo soy de vez en cuando, pero en mis propios términos, no porque tenga que satisfacer a una multitud. Lo que tengo, tengo suerte de tenerlo, haciendo aún lo que quiero y no siendo como, por ejemplo, The Stranglers. Somos Echo And The Bunnymen y nadie nos lo puede quitar: es algo eterno e impenetrable.
Xavier Valiño
En su sexto disco, Black Ivory Soul, la cantante de la República africana de Benin Angelique Kidjo explora las relaciones entre la música de África y Brasil, concretamente entre su país de origen y la ciudad del nordeste brasileño Bahía.
Este sexto disco incluye un serie de ritmos africanos y brasileños interpretados por algunos de los mejores músicos de ambas procedencias. El álbum incluye, entre otras, colaboraciones de Daniela Mercury, Carlinhos Brown o Vinicius Cantuaria, así como una canción de Gilberto Gil y una versión del francés Serge Gainsbourg. Como ya viene siendo habitual, canta en inglés, francés y los idiomas africanos yoruba y fon.
Respecto al concepto que late detrás del álbum, Angelique Kidjo explica que “la música no es sólo emoción y ritmo. Es algo que habla de una cultura y su gente. No sólo cura el dolor y une a la gente. Es un lenguaje que va más allá del color de la piel, el país o la cultura. Quiero inspirar a la gente para que piense en la pobreza, la libertad y la familia a un nivel más profundo.”
La génesis de este disco tiene bastante que ver con la ciudad de Ouidah en Benin, en la que nació. “Crecí rodeada de niños de Benin y de Brasil,” explica, recordando que el lugar es conocido por su mezcla cultural.
Parte de sus antepasados son portugueses e ingleses, lo que la convierte en una ciudadana del mundo. “Escuchaba la música tradicional que los descendientes de Bahía tocan en Benin. Se le llama bouniyan y su ritmo es muy cercano al samba. De hecho, cuando llegué a Francia en 1983, escuché música de Gilberto Gil y Caetano Veloso y me dije que aquella era la música de donde venía.”
La cantante visitó Brasil por primera vez en 1996, cuando estaba de gira con el guitarrista y vocalista de Mali Ali Farka Touré. En 1999 visitó Bahía por primera vez. “Aterricé allí y me sentí como en casa. Nunca había sentido algo igual excepto cuando vuelvo a mi ciudad. Los olores eran los mismos, el color de la vegetación era el mismo, la comida era la misma.” Todas estas similitudes le impulsaron a trabajar en un disco que explorara las conexiones entre las músicas exuberantes y basadas en la percusión de Brasil y Benin.
Excepto algunos retoques en las voces, es la primera vez que Angelique Kidjo graba un disco totalmente en directo. “Era muy importante grabarlo así,” comenta. “Hicimos algunos ensayos y después nos metimos en el estudio. Me gustó mucho más así porque suena mucho más orgánico.”
El tema que da título al disco, “Black Ivory Soul”, tiene un ritmo de afro-funk y parte de una afirmación en la que alguien comparó el ritmo de makossa que hace Manu Dibango con el alma negra de marfil. “Es una canción que trata de ser fiel a ti mismo. También de dar las gracias por cada día que vives.”
La tranquila “Okanbale” está dedicada a su padres, hermanos y hermanas. “No estaría aquí si mi familia no me respaldase,” dice, recordando que su carrera se inició en medio de una fuerte controversia en su país. “En Benin, las mujeres que cantan son consideradas putas o drogadictas. Pero mis padres se convirtieron en mis críticos, mis mánagers y mis productores. Fue una bendición que me apoyasen incluso en contra del resto de la sociedad. Me dieron el coraje suficiente para seguir adelante.”
La banda que la acompaña no ofrece un respiro a lo largo del disco. Una de las primeras canciones que escribió fue, precisamente, “Bahía”, aquella que forma el núcleo conceptual de Black Ivory Soul. Se abre con su voz, estalla en ritmos bailables y está cantada en yoruba. “Hablo de que todos somos amigos y de que ya es tiempo de volver a casa y ocuparnos de amarnos unos a los otros. Esta canción representa el tema del disco de unirse en el goce y el amor.”
La versión de Gilberto Gil, “Refavela”, es otro de los momentos destacados del disco. “Grabé esa canción porque describe lo que Gilberto Gil escribió justo después de visitar Benin. Trata de rediseñar las favelas, que, como sabes, son los barrios en los que vive la gente pobre.”
Xavier Valiño