CAMPUS GALICIA ENTREVISTA LA MALA RODRÍGUEZ

CAMPUS GALICIA ENTREVISTA LA MALA RODRÍGUEZ

ULTRASÓNICA

ENTREVISTAS 2001 


Mala Rodríguez, rap con salero

 

          Se llama María Rodríguez Garrido, reside en Madrid aunque es del barrio sevillano de La Macarena, y tiene 21 añitos y un disco, Lujo ibérico, producido por Jata Mayúscula y SuperNafamacho de CPV, que es la mayor sorpresa habida hasta el momento del hip hop estatal.

 

– ¿Por qué te llaman La Mala?

          – Porque soy una hija de puta.  

Vaya. ¿Y cuándo empezaste a sospecharlo?

          – Era broma, ¿eh? Es un adjetivo calificativo que me decían mis amigos.

– ¿Qué oías de niña?

          – Rap americano, flamenco, jazz y The Police. También me gusta mucho la radio.

– ¿Entendías las letras del rap americano?

          – Poco a poco. “Motherfucker” sí que lo entendía.

– ¿Cómo descubriste el rap?

          – En Sevilla hay raperos, grupos, DJs… Hay horas de calle. El rap está en España. Más que nada en los bancos de la calle. Y en los estudios en los que se graba.

– ¿Rapeabas en los bancos públicos, con litronas?

          – No bebo cerveza. Cervecita de vez en cuando, si me dan un buchito, pero no es por ahí. Va por otro lado. El rap es una crítica a la vida, a la sociedad, a lo que quieras. Es lo que quieres contar y que los demás sepan.

– ¿Y tú que criticas?

La hipocresía, la falsedad, las ganas de joder.

– ¿No puede haber rap positivo, como el de De La Soul, por ejemplo?

          – El mío es positivo y constructivo. Que cante las canciones esas quiere decir que veo esperanzas, a pesar de la mierda que hay.  

– ¿Cuáles son tus grupos favoritos estatales?

          – Los más potentes son 7 Notas 7 Colores. También SFDK y un montón de gente currándoselo, plantando cara a los diferentes estilos musicales. Aunque no cuaje en la sociedad española, pues ahí estamos. Y aunque nadie compre los discos, nosotros nos los escuchamos.  

– ¿Qué te parece el nuevo disco de 7 Notas 7 Colores?

          – Me parece muy adecudado para su estatura y para su peso.  

– ¿Y en cuánto a tus influencias, cuáles citarías?

          – Si hay que llamarlo influencia, el rap que escuchaba de chica: el gansta rap.  

– ¿Empezaste a cantar rap o flamenco?

          – Rap. No sé porque me mentas el flamenco. Si te suena a eso será porque soy andaluza y aquí somos muy moros.  

– ¿Qué pensaban en tu casa cuando te ponías a rapear?

          – “¿A dónde va esta niña? ¿Qué, te vas a un concierto a Andujar?” Hemos dado un montón de conciertos. Cutrecillos, pero ahí estábamos cantando. Aunque no es profesional, aquí hay una peña que está arrimando y hay que escucharla.  

– ¿Cómo contactaste con la gente de Yo Gano?

          – Accidentalmente. Compraron el contrato de grabación que tenía firmado con Zona Bruta.  

– ¿Y por qué te ficharon los de Zona Bruta? ¿Les enviaste alguna maqueta, te conocían?

          – Era el primer sello especializado en España y les envié una maqueta en el 96. No me llamaron, supongo que estaba demasiado verde. Con el tiempo me encontré con ellos y les entusiasmó la idea de trabajar juntos. Era el plan hasta que, por h o por b, acabé con Yo Gano. Vendieron mi contrato.  

– ¿Yo Gano tiene más medios?

          – No. Una cosa parecida. Mi disco se ha hecho por menos de un millón de pesetas.  

– ¿Y cómo colabora Raimundo Amador?

          – Conocía su música. Siempre le he escuchado, desde los tiempos de Pata Negra. Cuando se me ofreció la posibilidad de hacer un tema con él desde su discográfica, aunque fuera colaborar un poquito, dije que encantada de la vida, me mola su rollo.  

– ¿La mujer está bien considerada en el rap, diciendo “bitch” en vez de “baby”?

          – Por supuesto. En el rap se le da su lugar. De todas formas, yo opino que los hombres también son putas.  

– ¿Te ves con hijos?

          – ¿Me lo preguntas como mujer? Me gustaría tener hijos. Más que tenerlos, criarlos.  

– ¿Qué piensas que harías fuera del mundo de la música?

          – Estaría construyendo satélites.  

Xavier Valiño

 

CAMPUS GALICIA ENTREVISTA STARSAILOR

CAMPUS GALICIA ENTREVISTA STARSAILOR

ULTRASÓNICA

ENTREVISTAS 2001 


Starsailor, buenas almas

 

El 2001 fue su año: Starsailor tuvieron dos singles de éxito, concretamente “Fever” y el colosal “Good Souls”, sin haber editado aún un disco de larga duración. Casi al mismo tiempo ofrecieron su primera gira británica, fueron invitados a tocar con los Manic Street Preachers y grabaron, por fin, su álbum de debut. Su éxito meteórico ha sido sorprendente, aunque no imprevisto. Simplemente saben cómo conectar con la gente.

Después de todo el despliegue, llega la hora de enfrentarse al resto del mundo. “Es posible que Starsailor haya comenzado el año siendo uno de los nuevos grupos más comentados en todos lados, pero creo que hemos sabido soportar las presiones sin darles ninguna importancia, y en los últimos meses parece que nuestra música, por muy primeriza que sea, ha empezado a sintonizar con más gente, aunque ello no nos evite declaraciones en contra de gente como Mogwai”, explica James Walsh, líder de la banda.  

No es difícil entender su éxito. Escucharles por primera vez es una experiencia absolutamente intensa. La franqueza y el poder melódico de sus canciones ocultan su verdadera juventud. El impacto de su música es similar al experimentado al escuchar a otras bandas intensas por primera vez, aunque lo suyo no lleve las guitarras eléctricas a la máxima electricidad. Sus canciones, historias de amor, esperanza y redención enmarcadas por la voz acrobática de James Walsh, combinan ingenuidad con una tremenda sofisticación que recuerda al Neil Young de principios de los 70 y, sobre todo, tanto a Tim Buckley como a su hijo Jeff.  

Este cuarteto del noroeste de Gran Bretaña -Chorley, para ser más exactos-, bautizado con el nombre d un maravilloso disco de Tim Buckley, Starsailor, gira en tomo al extraordinario talento compositivo del joven Wa1sh, de 21 años. En una época en que se ha convertido en un tópico ser calificado de artista post-Buckley, Walsh ha retrocedido hasta las propias raíces y ha dado con al menos una docena de temas de una cruda claridad emocional.  

¿De dónde le viene la fijación con el malogrado cantante? “Hace unos dos años, recuerdo haber leído una entrevista con un grupo que admitía la influencia de Jeff Buckley”, recuerda Walsh, “así que fui y me compré este disco y vi que era mil veces mejor que todo lo que oía por aquel entonces. A partir de ahí, empecé a escuchar a Tim Buckley, Neil Young y Van Morrison. Nuestra música no se basa sólo en él, simplemente actuó de catalizador. Gracias a su música encontré a alguien con capacidad para conmoverme de veras, y me di cuenta de que eso era exactamente lo que yo quería hacer”.  

Para Walsh, fue la revelación tanto tiempo esperada. Obsesionado por la música y un tanto solitario, creció sintiéndose apartado de las actitudes más masculinas de sus compañeros del colegio y de su grupo social inmediato. “Siempre buscaba algo más. En el colegio me veían como un bicho raro”, confiesa. “La gente pensaba que era demasiado sensible, pero simplemente me cuestionaba las cosas. Todo el mundo parecía estar envuelto en un cinismo que yo nunca tuve y sigo sin tener.”  

Para canalizar sus sentimientos, empezó a tocar el piano a los 12, y a los 14 ya estaba componiendo temas y se pasaba todo el día devorando cualquier cosa de la prensa musical. Pero hasta que no llegó al conservatorio de música de Wigan y conoció a James Stelfox (bajo) y Ben Byrne (batería) sus canciones no empezaron a cobrar fondo y forma. “Simplemente quería hacer algo que fuera realmente natural y dijera algo acerca de quién eres y de cómo te sientes, que no fuera sólo ruido. Hay gente que va de bares y se emborracha y otra que escribe libros; ésta es mi forma de expresarme.”  

La última pieza del rompecabezas quedó colocada con la llegada del teclista Barry Westhead a principios del 2000. Con un sonido más sobrio y una visión clara del enfoque del grupo, señaló el comienzo de un ascenso meteórico. “En abril del 2000 dimos nuestro primer concierto en el Heavenly Social de Londres. Cuando regresamos a principios de julio, unos días después de Glastonbury, las discográficas ya estaban intentando hacerse con nosotros. Tres meses después, nos decidimos por una de esas compañías –EMI Chrysalis, en concreto- y fue entonces cuando comenzó la verdadera locura.”  

“Después de unos primeros meses del 2001 frenéticos, nos sentimos aliviados cuando por fin llegó el momento de empezar a grabar nuestro debut”. El trabajo comenzó en mayo, cuando la banda se encerró durante seis semanas junto al productor Steve Osborne, que ya había trabajado con ellos en “Good Souls”. Esta experiencia les hizo recordar por qué habían formado el grupo. “Estábamos como en una cápsula”, sonríe Walsh echando la vista atrás. “Somos tal como éramos cuando tocábamos en Warrington, no nos hemos contaminado por todo lo que ha pasado. Trabajar en los estudios Rockfield fue un poco como cuando The Band grababa en Woodstock. Se aislaron de la música moderna y lograron algo con lo que se veía que todos disfrutaban tocando. Lo mismo nos ha ocurrido a nosotros…”  

El resultado de su esfuerzo es Love Is Here, un sensacional álbum de debut que desarrolla el sonido de Starsailor considerablemente. “En cuanto a la visión global del disco”, explica Walsh, “queríamos que fuera algo entre Grace de Jeff Buckley y Harvest de Neil Young, un disco con un sonido muy vivo, pero con sutiles toques acústicos por encima. Hemos hecho algunos experimentos raros en el disco: en algunos temas aparecen guitarras de extraños sonidos y atmósferas a lo Potishead. No queríamos hacer nada demasiado retro.”  

“Love Is Here” es el tema central del disco. Es una canción animada y positiva. Queríamos hacer algo que se percibiera como hippioso porque parece que todo lo que circula últimamente tiene un toque de cinismo. Es nuestra forma de ver las cosas.” Y es precisamente su honradez y franqueza lo que diferencia a Starsailor de sus coetáneos. Love Is Here es ya un disco para el recuerdo.  

Xavier Valiño

 

CAMPUS GALICIA ENTREVISTA LENNY KRAVITZ

CAMPUS GALICIA ENTREVISTA LENNY KRAVITZ

ULTRASÓNICA

ENTREVISTAS 2001 


Lenny Kravitz, el éxito de lo retro

 

         Tiempo de recapitulación y repaso. El de Lenny Kravitz pasa por la edición de un disco de grandes éxitos que le dé tiempo a plantearse su sexto disco, en el que volverá tan imprevisible como siempre, cuando menos.

¿Crees que el hecho de publicar una recopilación de grandes éxitos te va a permitir tomarte un poco de tiempo libre para pensar?

         – Bueno, siempre me gusta pensar en lo que hago o, en su lugar, en lo que he hecho, aunque no con demasiada frecuencia. Normalmente, antes de empezar a preparar un nuevo álbum, me gusta escuchar mis discos anteriores sólo para recordar a dónde he llegado con ellos. Para mí, lanzar un disco de grandes éxitos es como hacer un viaje. Es algo en lo que nunca había pensado hasta ahora. He pasado gran parte de mi vida intentando conseguir un contrato discográfico y que la gente escuchara mis canciones. Ahora, el hecho de tener un disco de grandes éxitos once años después es… como un largo viaje. Me impresiona ver la frase Grandes éxitos de Lenny Kravitz en un disco.  

– Has conseguido disfrutar de una carrera discográfica llena de éxitos durante casi once años y, sin duda, eres ahora mucho más famoso que nunca. En estos momentos, cuando muchos artistas se hacen populares y desaparecen en poco tiempo, ¿por qué crees que tú sigues adelante?

         – Lo que más he disfrutado de mi carrera es el hecho de que ha sido un proceso gradual, y pienso que ésa ha sido una de las razones que me han ayudado a mantenerme tanto tiempo en el mundo de la música. Para mí sería una pesadilla publicar un disco, vender más de 20 millones de copias y que después no hubiera nada más. Estoy en este negocio para seguir adelante durante mucho tiempo. Llevo toda mi vida haciendo música, y pienso seguir haciéndola. En ese sentido, en lo que al éxito se refiere, las cosas me han ido siempre muy bien.  

– Supongo que no ha sido un proceso sencillo…

         – Es cierto, siempre he tenido que trabajar mucho, sobre todo porque mi música no encaja en un único estilo, así que cada vez que publico un nuevo disco es como si fuera otra persona distinta. Supongo que en ese sentido mi dosis de lealtad conmigo mismo no es demasiado grande… Podría haber conseguido un gran éxito con un single y publicar otro después con el que nadie me reconociera, y entonces habría tenido que demostrar de nuevo lo que soy capaz de hacer. La verdad es que he tenido que trabajar mucho.  

– ¿Te preocupaba el orden en el que estarían colocadas las canciones en el álbum Greatest Hits?

         Greatest Hits es un disco como cualquier otro, así que he dejado que Henry Hirsch, mi ingeniero de sonido, se ocupara del orden de las canciones. Lo que sí tenía claro es que el primer tema del disco tenía que ser fuerte y con mucho ritmo. Quería que empezara con una buena dosis de energía.  

– ¿Cómo decidiste qué canciones incluirías y cuáles dejarías fuera?

         – Ha sido muy sencillo. Se trata de un álbum de grandes éxitos. No tiene por qué incluir mis canciones favoritas. Virgin tenía una lista con todos los temas que les gustaría encontrar en el disco al público de cada país, y después ha sido sólo cuestión de reunirlas todas y ponernos a trabajar. He disfrutado de una carrera muy internacional, y eso significa que en cada país triunfaron distintos temas, así que hemos creado un disco que pudiera gustar en el mayor número posible de países.  

¿Te gustaría introducirte en otras formas de expresión?

         – Sí. Siempre me ha gustado mucho el cine. Soy un gran admirador del séptimo arte, y pienso que es un medio de expresión excelente, a través del cual puedes contar una historia. Me estoy preparando para trabajar el año que viene en una película que estoy escribiendo. Estoy deseando hacerlo, porque lo veo como una manera distinta de contar algo interesante. Siempre he querido hacer una película. A lo largo de los últimos nueve años me han ofrecido un montón de guiones, pero siempre se trataba de papeles muy estereotipados: gángster, tipo de la calle, chulo o drogadicto, cosas así. Ya sabes, Hollywood tiene una tendencia muy marcada a encasillar cualquier cosa. Vale, soy negro, pero no me peino como ellos piensan. Creen que soy drogadicto, chulo y hasta un asesino, y cuando recibo un guión pienso: "Pero bueno, si yo canto cosas como "Let Love Rule". ¿Cómo voy a hacer de asesino?". Sin embargo, la historia que quiero contar se parece mucho al modo en que crecí realmente, perteneciendo a dos razas, creciendo en una gran ciudad y siendo artista. También hablará de las relaciones familiares. Estoy deseando empezar a rodar.  

– Ahora que se acaba de publicar el álbum Greatest Hits, ¿Cuál va a ser el próximo proyecto de Lenny Kravitz?

                – Me siento como si estuviera empezando mi carrera artística. Sólo he grabado cinco álbumes. No son muchos. Antes la gente solía grabar dos discos al año, incluso tres. Por eso, pienso que mi próximo disco, el sexto, va a ser como volver a empezar. Para mí, 5 fue una especie de álbum de transición, y ahora llega este Greatest Hits. Sin duda, el sexto álbum será como un nuevo comienzo, como otro primer disco. Ahora me siento más hambriento musicalmente hablando que hace once años, lo cual es genial, porque veo a muchos artistas que con el paso del tiempo han perdido la ilusión, y se les ve gordos y… A mí no me pasa eso. Tengo muchas cosas por hacer y por aprender, y un montón de música por crear.

Xavier Valiño

 

CAMPUS GALICIA ENTREVISTA STEVE WYNN

CAMPUS GALICIA ENTREVISTA STEVE WYNN

ULTRASÓNICA

ENTREVISTAS 2001 


Steve Wynn, el amigo americano

 

         Steve Wynn es ya un clásico en vida. Después de encabezar durante los 80 la banda más influyente del nuevo rock americano, The Dream Syndicate, inicio una andadura en solitario que, tras el disco compartido con los asturianos Australian Blonde el año pasado, culmina en el magnífico Here Comes The Miracles recién editado. 

– ¿Dirías que Here Comes The Miracles es un disco sobre -o inspirado por- California?

         – No pensé en él como un disco conceptual cuando componía las canciones pero, sí, resultó que buena parte de los textos y, sobre todo, del ambiente, es californiano. Tal vez fue una reacción contra My Midnight, que me pareció un disco sobre Nueva York. Es sorprendente cubrir mis raíces en ambas costas en dos discos.

– Pones en el disco "Clasificar como Rock". ¿Crees que ahora el rock es más necesario que nunca?

– Me preguntan mucho por la supuesta muerte del rock o la irrelevancia de las guitarras, lo que me resulta divertido, ya que lo vengo oyendo desde que en 1982 comenzaba con The Dream Syndicate y todo el mundo pensaba que el futuro de la música eran Human League y Heaven 17. Bien, todas esas bandas desaparecieron y hoy suenan huecas, mientras que el rock más salvaje de entonces todavía suena bien. Siempre habrá excitación en cuatro individuos que enchufan sus guitarras a sus amplificadores ruidosos y que lo pasan a una cinta o tocan en directo. Se ha dicho antes, pero sigue siendo verdad: el rock and roll nunca morirá.  

– Has compuesto para otros. ¿Qué versión te ha gustado más?

– Sí, a veces directamente para los grupos (The Nomads, Somebody’s Darling, Russ Tolman, etc.) y otras veces son ellos los que hacen versiones de mis canciones (Luna, Concrete Blonde). Las dos cosas son estimulantes. Me tomo el reto de escribir para los demás en serio. Creo que mi favorita es la versión que Concrete Blonde hicieron de "When You Smile".  

– ¿Ves algún grupo que continúe la tradición de The Dream Syndicate?

– Sí, hay un buen número de grupos psicodélicos haciendo ruido y puedo escuchar elementos de lo que hicimos (intencionado o no) en Yo La Tengo, Primal Scream, Eleventh Dream Day, The Cosmic Rough Riders y muchos otros. Puede ser que les gustásemos o que tuviésemos la misma colección de discos. Todo tiene su origen en Bo Diddley.  

– Pasas mucho tiempo viajando. ¿Hay algún lugar en concreto que consideres tu hogar?

– Siempre soñé con Nueva York y, cuando me mudé hace siete años, todo cambió. Me encuentro a gusto aquí y he sido más creativo desde entonces. Es un buen lugar, aunque me puedo imaginar viviendo en Roma, Barcelona o Amsterdam. Últimamente, también me encuentro muy en casa en Gijón.  

– ¿Qué ves en España que no ven otros músicos?

– Bien, he tenido una experiencia muy diferente que la mayoría de los artistas internacionales, y es que he sido MIEMBRO de una banda española durante el último año. Me sorprendió ser considerado un artista local en las listas de lo mejor del año. Ayuda que hablo español, así que tengo más contacto con los fans y los amigos, y también he estado en muchas más ciudades pequeñas que la mayoría de artistas no visitan. Me encanta España y es mi país favorito para ir de gira. 

– Después de grabar con Australian Blonde, ¿hay posibilidad de una gira en conjunto?

– Hemos dado bastantes conciertos juntos en los últimos meses en todo el Estado español y, probablemente, hagamos una gira mundial cuando el disco se edite en el resto del planeta, a finales de año. También dimos un concierto en Nueva York el pasado diciembre, que estuvo muy bien. El público de Nueva York pareció apreciar bien el sonido de Steve Wynn – Australian Blonde  

– Has trabajado con bastante gente. ¿Quién crees que ha sido la mejor contribución a alguno de tus discos y quién sería el colaborador ideal?

– Es difícil decir que uno ha sido mejor que otro. Realmente he disfrutado trabajando con los colaboradores que he tenido en este disco. También a lo largo de los años me ha ayudado gente muy interesante como Linda Pitmon, Chris Brokaw, Robert Lloyd, Chris Cacavas y otros. Me siento feliz por tener amigos con tanto talento y tan creativos. Hace que el tiempo en el estudio sea más divertido e interesante.  

– ¿Qué queda en el Steve Wynn de hoy del chaval que empezó hace veinte años en un grupo llamado Goat Deity?

– Más cosas en común que cosas que nos distancien. Todavía me gusta la música y compongo con pasión. Aún siento lo mismo cada vez que todo conecta de la forma que sólo es posible cuando las fuerzas creativas se alían como deben. La posibilidad de trascender es algo que aún me mantiene en marcha. Y espero que esté haciendo mejores cosas ahora que cuando tocaba con Goat Deity, aunque aquella era una banda más rompedora. Tal vez debería mirar atrás y estudiar aquellas cintas que grabé en su día.  

– ¿Qué sientes si alguien te llama un clásico?

– Halagado y un poco viejo.

 Xavier Valiño

 

CAMPUS GALICIA ENTREVISTA MAXWELL

CAMPUS GALICIA ENTREVISTA MAXWELL

ULTRASÓNICA

ENTREVISTAS 2001 


Maxwell, sensualidad a flor de piel

 

Con el malicioso y chisporroteante funk de "Get To Know Ya" el primer single de Now, Maxwell anuncia su vuelta de forma sensual. Mientras que una sección de vientos entremezcla balanceándose, Maxwell aclara que para él la atracción sexual implica comprender a una mujer y no convertirla en un objeto. Este tipo de actitud romántica anticuada se funde con un sonido totalmente moderno que es lo que ha contribuido a que Maxwell se destaque entre un buen número de artistas de soul. Y eso es lo que hace que Now, su tercer disco en estudio, sea el más sofisticado y el más sexy.

Después del éxito de Urban Hang Suite en 1996 y Embrya en 1998, así como el directo MTV Unplugged de 1997, Now es conceptualmente más simple aunque, al mismo tiempo, representa un salto hacia la conciencia. "Now se refiere a la energía de un momento a otro", dice el cantante y letrista. "Y en sí mismo puede ser una idea compacta así como un disco de concepto. Mientras que mi primer disco trataba sobre un concepto específico, las relaciones de amor, este disco trata más de tener experiencias y escribir sobre ellas más que sobre seguir consejos maravillosos. Se aferra a la idea de que hay que dejar que las cosas ocurran en vez de ser precavidos o artificiales".

Maxwell, quien casi anunció sin ayuda de nadie una nueva era dorada del soul cuando lanzó Urban Hang Suite en 1996, no es un hombre que se quede quieto mucho tiempo, ni que se repita mucho. "Lo he llamado Now porque, mientras que Urban Hang Suite hacía referencia al pasado, Embrya al futuro, a la conciencia y a la energía eufórica, surrealista e intangible de la música, este disco hace referencia al momento, abarcando el pasado y el futuro al mismo tiempo. Hay una combinación de todo en este disco."

"Trata del azar y de ser realmente sinceros, de cómo uno se siente sexy en un momento y luego estúpido y feliz y atolondrado. Es como cuando yo le digo a una chica "a veces sólo desearía hablar contigo". Trata también sobre ser un adulto y no actuar como si tuviera 21 años, porque no los tengo. Hay mucho funk en él, hay temas lentos, está lleno de altibajos. Algunos temas tienen estructuras muy definidas como canciones otros no", explica Maxwell.

Los temas de Now, marcados por su cadencia lenta, abarcan un amplio número de temáticas. "Lifetime", según Maxwell, "trata de hacerse responsable, de coger experiencia a partir del presente, sacar el propio el karma y limpiarlo. Y pasar a un nivel más elevado de vida. A veces es fácil vivir con lo que se sabe. Así que "Lifetime" hace referencia al crecimiento y a cómo se dejan atrás las patrañas y se observa sinceramente lo que le sirve a uno y lo que no."

          Eso no tiene por qué sugerir que la visión de Maxwell del romance está desprovista de fantasías sexuales. "Temporary Nite" puede recordar al Prince de final de los 80 con el funk y el rock fusionándose, mientras que yo hablo de una relación que podría ser un terremoto en sí misma pero sin sustancia: eso no cambia una tarde solitaria."

            "Was My Girl" es una balada que cuenta con una pedal steel guitar. "Stuart (Matthewman, su mano derecha) tiene un amigo que la toca y cuando oí cómo sonaba me derretí", dice Maxwell. "La mayoría de las baladas country que se oyen llevan una pedal steel guitar. Es igual que cuando los violines te ponen triste, la pedal steel guitar tiene ese toque".

            "Changed" es un recordatorio del apogeo del soul de los 60, con su groove espasmódico y sus voces con matices de gospel. Maxwell utiliza el tema para examinar las acciones de otro que quiere una segunda oportunidad. "Trata sobre el tira y afloja del amor", explica. "Todos pasamos por esto. Nos gusta la persona a quien no le gustamos. Queremos a quien no nos quiere. "Changed" hace referencia a la persona que vuelve a tu vida y cuando te das cuenta de que, aunque sigues sintiendo lo mismo, se trata de una relación de igual a igual y no de salvar a nadie".

            Now también incluye una versión en estudio del "This Woman’s Work" de Kate Bush, uno de los temas en directos más populares de Maxwell del que también hizo una versión en el MTV Unplugged. "Lo hice como un homenaje a esta niña que vino a un concierto mío en Los Angeles como parte de la Fundación Make-A-Wish en el verano del 99", explica. "Su deseo era conocerme y murió seis meses después de cáncer. Así que he regrabado el tema para ella".

            Así que no hay novedades en su sonido que trae a la memoria la edad de oro del soul en los 60. "Nací en Brooklyn con las tradiciones de la música india del oeste en mi casa, mientras que fuera el hip-hop y el soul de principios de los 80 eran los sonidos en boga. Más que otra cosa, lo que hice fue buscar y encontrar los sonidos que me gustaban", recuerda. "No estaba necesariamente influenciado por todo lo que estaba a mi alrededor cuando crecía, pero tener una familia procedente de cuatro islas caribeñas supone una riqueza de influencias".

            Al crecer en un barrio duro y pobre del este de Nueva York, Maxwell solía ser un solitario y pasaba horas en su habitación componiendo un catálogo cada vez mayor de canciones. "La música llenaba mi tiempo y me trasladaba a un lugar donde podía esperar un futuro mejor. Me encantó crecer dentro de ese elemento y lo que eso significó".

            La sensualidad sigue siendo el elemento más evidente en sus canciones. "Al final del día", dice, "si es sensual, es intemporal. La sexualidad tiene muchas tendencias y esencialmente si estás centrado en lo que haces y no te preocupas de lo que los demás piensan de ti, si no pretendes ser otro que no eres, la gente gravitará hacia eso. Yo no siempre estoy a la altura pero lo único que se puede hacer es intentarlo".  

Xavier Valiño

 

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