ULTRASÓNICA

ENTREVISTAS 2003

La Buena Vida, caminito del cielo

Cambio de sello, de manager y entrada al número 1 de la lista de ventas. Hoy en día, sólo Los Planetas se les puede comparar en cuanto a repercusión en el mundo independiente. Este fin de semana presentan su nueva etapa con el disco Álbum en el Santi-Rock. Al habla con Pablo, el bajista.

¿Qué objetivos había cuando La Buena Vida se propone cambiar de sello discográfico?
– Digamos que pensábamos que la etapa con Siesta había terminado y que cada uno debía seguir su camino. Necesitábamos una inyección de aire fresco. Sinnamon nos propuso un proyecto que nos interesó y decidimos que era lo mejor para el grupo.

¿De verdad hay tanta diferencia de ventas entre vuestros discos anteriores y éste como para ahora aparecer en listas y antes no? ¿No tendrá que ver bastante con la distribución y con los métodos que se emplean para saber cuáles son los discos más vendidos?
No controlo mucho la industria, ni estoy demasiado interesado en eso. Creo que es una pregunta más para la compañía que para nosotros. Lo nuestro es hacer discos y tocar. Del resto se encargan ellos. Si alguien se piensa que dejamos Siesta para buscar sólo vender más, está muy equivocado.

¿Semanas después de haberse publicado el disco, ya deja de parecer una anécdota la repercusión que ha tenido?
– Pues eso es bueno. Sería un poco como la confirmación de que es una situación normal. Es decir, que sea normal que el disco tenga mucha repercusión. Ojalá siempre sea así. De todas formas hay condicionantes para que eso haya ocurrido. Como bien citabas tú, antes ha existido un cambio de sello y, al parecer, un cambio a nivel de distribución. Promoción y ventas.

Siempre habéis hablado de que os gustaría profesionalizaros. ¿Qué tendría que suceder para dar ese paso?
– Muchísimas cosas que por ahora no ocurren. Para empezar, debería ocurrir que este país cambiase por completo y que grupos como Chucho o Astrud fueran los número 1 de las listas. Cosa que se merecen… El resto vendría por añadidura.

¿Seguís pensando que lo vuestro es reciclar ideas de los anteriores discos y añadirles nuevos matices?
– Es bastante cierto, aunque digamos que lo que más me preocupa son los nuevos matices, que para mí son más que eso. Intentamos darle a cada disco un sonido propio e introducir novedades. En este caso, hay muchos más vientos que cuerdas y las guitarras están mucho más presentes. Por no decir que la base rítmica es más contundente y que hemos sustituido el piano por más órganos.

¿Hay una vuelta a los discos del principio en determinadas canciones del disco?
– Podría verse de esa forma por lo que comentaba antes de las bases, las guitarras y los órganos, pero está también claro que han pasado 10 años desde la grabación de esos discos y el espíritu del grupo ha cambiado, porque nosotros como personas también hemos cambiado. Lo que sí me quedo de todo eso es que hemos tratado de hacer un disco dinámico tal y como los hacíamos entonces; por así decirlo, un disco más pop.

¿Había la intención también de hacer un disco más sencillo y variado?
– Sí, sí, me quedo más con lo de sencillo, como ya he dicho antes. En cuanto a lo de más variado, te diría que sí en el sentido que éste es un disco menos conceptual y más de canciones. Más heterogéneo y menos homogéneo. Sí, muy de acuerdo en eso.

¿Y algún descubrimiento reciente que haya tenido su influencia sobre el sonido?
– Pues supongo que cada uno le damos un toque personal a los discos. Yo en este momento estoy escuchando música más mod y también música americana. No sé si esas influencias se habrán dejado notar o no…

Aunque los textos siguen hablando de relaciones personales, hay también alguna novedad, como en “Un actor mejicano” o “Los Planetas”. ¿Es así?
– Sí, son letras que te posicionan más como narrador de una historia que como locutor de algo personal, a pesar de que, a veces, creo que intentamos meter un mensaje subliminal en esos textos.

Sin embargo, aunque en “Los Planetas” participa J., los textos que no desentonarían en un disco de Los Planetas son los de “hh:mm:ss” o “Lo que dicte el corazón”. ¿Estáis de acuerdo?
– Muy de acuerdo. Reconozco que en “hh:mm:ss” hay influencia de ellos, pero también te citaría a Eddie & The Hot Rods o a Blondie. A lo que me refiero es que también ha ido cambiando un poco el espectro de nuestras influencias y creo que eso se nota en este disco.

¿Se quedan habitualmente canciones en el tintero que no encajan con el sonido del grupo?
– Sí, siempre. Es normal. Cada uno tiene sus etapas y digamos que, después, todo hay que pasarlo por el tamiz de La Buena Vida, el cual es bastante tupido y de pasar pocas cosas… Aunque quizá en este disco hayamos dejado un poco más de manga ancha, ya que buscábamos algo menos conceptual.

¿Qué sorpresas aguardan en vuestra web a los compradores del disco?
– Se podrán descargar una canción inédita y el vídeo de “Un actor mejicano”. De todas formas sabemos que hemos tenido problemas con la web y la compañía está tratando de solventarlos. Es cuestión de tiempo.

¿Ha ganado el grupo confianza en sí mismo con todo lo que está sucediendo?
– Gran pregunta y clara respuesta: sí.

¿Lo mejor que se puede decir hoy de La Buena Vida es que parece como si estuvieran empezando con Álbum y que hay tanta o más ilusión que al principio?
– Joder, es como si me leyeras el pensamiento. Es justamente lo que pienso ante este disco. ¿Nos conocíamos de antes? Ya sé que sí, pero….

Después de quince años como grupo y diez editando discos, ¿dónde está el límite? ¿Se ha hablado en algún momento de hasta dónde podríais o querríais llegar?
– Lo que sí te puedo decir es cuáles son mis objetivos. Otra cosa es si los podremos alcanzar. Como bien dices, Álbum ha supuesto una regeneración, un empezar de nuevo en cierto sentido. Por lo tanto, este disco es para mí como un punto de partida hacia un objetivo que es poder hacer un gran disco en tres o cuatro años que englobe toda esta nueva etapa, y del cual me pueda sentir orgulloso. Sé que será difícil, pero lo vamos a intentar.

¿Va a haber algo especial en el concierto del Santirock? ¿Recuperaréis algo de vuestras canciones electrónicas?
– Sí. Otra vez diana. Vamos a tocar algunas de las canciones de la época de Magnesia y Panorama. Eso sí, junto con muchas otras de Álbum y algunas de Hallelujah.

Xavier Valiño

ENTREVISTAS 2003

Kings Of Leon: “Hay pastores y adictos al crack en nuestra familia”

Esta misma semana está de gira por nuestro Estado la banda revelación del 2003 en cuanto a rock clásico se refiere. Sus canciones remiten a Creedence Clearwater Revival, Allman Brothers y buena parte del rock sureño de los 70. Kings of Leon presentan su primer disco, Youth & Young Manhood y nos cuentan la historia del grupo.

Kings of Leon es una joven banda del estado americano de Tennessee. Son tres hermanos: Caleb (voz y guitarra), Nathan (batería) y Jared (bajo) Followill, además de su primo Matthew Followill en la otra guitarra. Su primer disco Youth & Young Manhood muestra que sus canciones se basan en emociones brutas y ritmos básicos. Kings of Leon (que tienen ese nombre porque tanto su padre como su abuelo se llamaban Leon) es una banda diferente, más clásica.

Ellos mismos cuentan su historia. “Nuestro padre era misionario da iglesia Pentecostal, lo que nos hizo crecer en la carretera entre Oklahoma City y Memphis, para allá y para acá, hasta 1998. Jared y yo nacimos en Memphis, Nathan y Matthew en Oklahoma,” comenta Caleb.

“No teníamos una casa de verdad,” continúa Nathan. “Nos quedábamos con parientes en las dos ciudades. Vivíamos en el asiento de atrás de los coches. Durante cuatro años tuvimos un trailer y, durante otros diez, o la iglesia nos alojaba en un hotel o nos quedábamos en la casa del pastor. Fue lo que hicimos durante toda la vida. Nuestro padre trabajó en una iglesia en Mumford, en Tennessee, de 1986 a 1992. Está a 30 minutos de Memphis. Allí frecuentamos la misma escuela durante unos cuatro años, con los mismos colegas, por primera vez. Además de eso, teníamos clases en casa.”

Su primer contrato estaba al caer. “De allí marchamos para Nashville, hace dos años y medio,” prosigue Caleb. “Comenzamos a componer y, un año después, la RCA nos contrató.”

La actividad de su padre no fue en vano. “Comencé a tocar en la iglesia a los siete años, en la batería,” asegura Nathan. “Mi madre tocaba el piano antes de los sermones de mi padre. Caleb comenzó a tocar, al verme, también en la iglesia.” Caleb continúa: “El sonido en la iglesia es bueno, parece blues. Las personas no siempre tocan bien, pero con todos juntos siempre se logra un sonido espectacular.”

Nathan también tiene su versión. “Nuestra música tiene muchos de esos elementos. A la iglesia la gente va por el culto, no por la música. Uno se aproxima mucho a quien toca con él, no existe una presión, nadie va a ser recriminado por equivocarse. Eso hace más fácil nuestro trabajo como banda. No tenemos esa preocupación de equivocarnos. Estamos allí sintiendo la música, en vez de preocuparnos. Era maravilloso tocar en la iglesia: canciones de 15 minutos y las personas juntas, bailando.”

Curioso detalle, el de Kings Of Leon como adeptos a las músicas de color. “Es nuestro tipo de música, el gospel; parece los Rolling Stones con un cantante diferente en cada canción,” apunta Caleb. Nathan insiste: “No desistimos de nuestra música; estaba con nosotros todo el tiempo. Pero que conste que Aretha Franklin era miembro de la Iglesia y Al Green también. No queremos que nos vean como una banda de iglesia, pero no tenemos miedo de admitir que nuestras influencias tienen mucho que ver con nuestro pasado. Ahí descubrimos la libertad de ver la religión de la manera que nos pareció mejor. Fue cuando profundizamos más en Led Zeppelin, los Stones, Tom Petty… Cuando oigo a los White Stripes me sorprendo porque pienso que podemos hacer eso, y, tal vez, hacerlo bien.”

No todo es religiosidad. También hay experiencias mucho más terrenas en su música. “Molly’s Chambers” trata de una joven de las que, si aparece en tu vida, no puedes dejarla pasar. Ellas pueden complicar tu vida, mas vale la pena. La música intenta reproducir el sentimiento de como ella te puede,” dice Nathan. “Wasted Time” habla de las personas que intentan ser lo que no son, y “Wicker Chair” va de ver a alguien autodestruirse, sabiendo que no se puede hacer nada al respecto. Es algo melancólico. “Holly Roller Novocaine” es nuestra canción más personal.”

¿Y cuál es su interés al componer o grabar discos? “No pensamos en lo que va quedar en el oído de las personas,” dice Nathan. “No es eso. Nos preguntamos cuál es la mejor manera de poner lo que sentimos en la canción.” Caleb añade: “Nuestro interés es grabar discos. Si ves una buena película, oyes canciones lentas y rápidas. Si la película es mala, todas las canciones serán rápidas. Si la película es exagerada, todas serán lentas. Quiero que nuestros discos sean como buenas bandas sonoras: quiero que esté todo allí, todas las partes de la vida.”

Además de serlo, se sienten diferentes. “Hoy en día, muchos artistas muestran su alegría durante todo el disco o lloran todo el tiempo. No somos así. Nos gustan las variaciones,” asegura Nathan. Caleb lo corrobora: “Somos diferentes de la mayoría de las personas. Éramos muy pobres, nunca tuvimos nada. No somos nada arrogantes, somos normales, con los pies en el suelo. Hay pastores y adictos al crack en nuestra familia.”

Xavier Valiño

ENTREVISTAS 2003

Junkie XL, desde la cabina del infierno

Junkie Xpander Of Limits -antes, Junkie Extra Large-. Un alquimista maestro, un demonio de la electrónica y rompedor de la barrera de sonido, Junkie XL es el científico que electrificó al Rey haciéndole cantar y mover la pelvis más allá de la tumba. Es un moldeador; un ingeniero híbrido que puede fusionar los ritmos agitados del house con el rugido del rock, abriendo los espacios de los ritmos y con un nervio que le permite alcanzar las consideradas inalcanzables barreras de la música house. Mejor conocido por su remix de “A Little Less Conversation” de Elvis, que llegó al nº 1 en 24 países, su carrera abarca mucho más.

“Me llamé a mí mismo Junkie X desde el punto de vista que una vez que estás agotado por el trabajo no quieres volver allí,” explica cuando se le recuerda su laborioso pasado. “XL significa ‘(e)xpanding limits’ (límites que se expanden), extender y abrir más tu visión.”

Radio Xl: A Broadcast From The Computerhell Cabin es el impresionante nuevo trabajo del holandés Junkie XL. Pero eso no es todo. Un concepto nacido en la era digital, también constituye la mezcla radical de Tom de audio y ciberespacio, creando simultáneamente un disco doble y una emisora de radio virtual que retransmite desde www.radiojxl.com, la nueva página web interactiva de Tom.

El primer CD, llamado 3pm, simula la experiencia radiofónica durante el día. Desde su introducción demoledora hasta su cierre digital, Tom ha invitado a varios de sus héroes musicales a su emisora, entre los cuales están Chuck D de Public Enemy, Gary Numan, Terry Hall, la leyenda del soul Solomon Burke, Saffron de Republica, Grant Nicholas de Feeder, Anouk, los eléctricos Infusion y el fallecido artista reggae Peter Tosh.

El segundo CD, 3am, se adentra en la personalidad nocturna de Junkie XL, una odisea que se construye lentamente demostrando las cualidades de productor de Tom que le han hecho uno de los artistas de la música electrónica de baile más importantes. Hay un tercer disco que sólo se consigue en su web. Pero ahora escuchemos que tiene que decir de sus invitados y las canciones que cada uno interpreta.

DAVE GAHAN: “Reload”. El cantante de Depeche Mode es, desde siempre, uno de los héroes de Tom. “Es un tipo de canción que Dave normalmente no cantaría y eso, creo yo, es lo bonito de “Reload”. Es una canción muy funky, con unas guitarras más funkies todavía y un coro en el que todo termina explotando. En resumen, una canción de contrastes, donde la voz de Dave da una atmósfera realmente oscura y sombría a un tema muy animado… Depeche Mode fueron totalmente determinantes para crear lo que, en mi opinión, debería significar la electrónica en el pop”.

ROBERT SMITH: “Perfect Blue Sky”. “Es un tema electro con ligeras variaciones de ritmo y sentimiento. Fue divertido; cuando la escribí, se la hice escuchar a unas 10 personas diferentes y todas dijeron que era un tema que Robert Smith de The Cure debería cantar. Es una canción de amor al estilo Robert Smith. Su voz es increíble, cuando empieza a cantar no hay manera de meter nada más, es su voz y nada más. ¡Dios Mío, Robert Smith ha cantado esta canción!”

SAFFRON: “Crusher”, “Spirits”, “Beauty Never Fades”. Saffron fue la voz de Republica y mantiene un carácter bastante punk. “Crusher” nos muestra a esta dama del rock lista para comenzar un bombardeo de ritmos electrizados. “Spirit” endurece las cosas en un modo de reggae macarra mientras que el éxito discotequero “Beauty Never Fades” muestra sus encantos oscuros en un balance sutil de oscuridad, drama y gracia.”

PETER TOSH: “Sleepy Policeman”. Aunque fue asesinado trágicamente en 1987, Peter Tosh sigue siendo una de las voces más poderosas del reggae. “Un amigo mío grabó una vez en Jamaica en los años 70. Me dijo que podía echar un vistazo en su estudio porque aún tenía varias sesiones en multi-pista junto a Peter Tosh, Sly Dumbar y Robbie Shakespeare. Yo pensé que estaba bromeando. Realmente quería hacer un tema veraniego con ritmo relajado y acabó saliendo naturalmente. Casi parece que grabó la voz explícitamente para la canción.”

GARY NUMAN: “Angels”. El innovador de electro-pop reinventado como dios del rock, Gary Numan es una leyenda. “Comprar Are Friends Electric? en 1978 cambió mi vida. Tenerle en el estudio trabajando conmigo fue una experiencia abrumadora. ¡Joder, trabajé junto a Gary Numan! Gary Numan admite que “Angels” es su mejor grabación vocal en años. Sus tonos inimitables se envuelven muy bien con la base electrónica, la atmósfera gótica y las melodías oscuras.”

CHUCK D: “Access To The Excess”. Pionero del hip-hop y estandarte político descrito por Spike Lee como “uno de los artistas que más tiene conciencia social y política de cualquier generación”, Chuck D es inspirador. “Access To The Excess” sigue mostrándonos al líder de Public Enemy diciéndole al mundo qué hora es. Chuck critica la carencia cultural del hip-hop de hoy en día mediante una llamada a la acción sobre ritmos pesados y digitales del Computerhell Cabin.”

SOLOMON BURKE: “Catch Up To My Step”. “Uno de las cuatro o cinco personas en América que realmente inventaron la música soul. Solomon Burke es el auténtico Rey del Rock‘n’Soul, una montaña humana y un coloso siempre fresco que sigue callando a los que pretenden serlo. “Catch Up To My Step” es una canción construida sobre toques blues y ritmos de rock bastante movidos, combinando la presencia enorme de la voz de Burke, que sigue demostrando por qué sigue siendo una gran fuerza.”

TERRY HALL: “Never Alone”. El héroe original de 2 Tone vuelve a sus raíces de ska por primera vez desde sus tiempos junto a The Specials. “Me pareció que con Terry sería genial hacer algo que mezclase el dance con el ska. La primera vez que escuchó la canción le costó mucho no empezar a cantar el “Gangsters” de The Specials. Luego vino a Ámsterdam y empezó a cantarlo de nuevo diciendo: ‘¡Mierda lo he vuelto a hacer!’.”

INFUSION: “Nightmares”, “Aqua Man”. La sensación de la música dance de Australia. “Nightmares” es un viaje electrónico excitante, una mezcla experta de dinámicas dance con sensibilidad en las melodías. “Aqua Man” se mete en aguas más tranquilas, fusionado tiempos tranquilos y elementos acústicos alrededor de fantasías sobre súper-héroes.”

ANOUK: “Between These Walls”. “La cantante holandesa Anouk es bien conocida por su libertad con su música y su imagen, siendo la personalidad principal del rock holandés. En “Between These Walls” sus cadencias poderosas aferran su enfoque emocional alrededor de una base tranquila y esparcida. Es un tema de pop emotivo con un mensaje que nos implora.”

SHELLEY HARLAND: “Rivers”. “Nacida en Inglaterra y residente en Nueva York, Shelley Harland ha obtenido buena reputación en la escena del dance habiendo colaborado en temas de Joshua Ryan y Pete Fólder, además de haber grabado un disco que saldrá dentro de poco. También es una artista de sensibilidad emotiva y gran profundidad, como demuestra aquí, en “Rivers”, una mezcla preciosa y casi sin ritmo de ambientes glaciales y voces etéreas.”

GRANT NICHOLAS: “Broken”. “Cantante del grupo Feeder, Grant Nicholas tiene un buen pedigrí por haber inspirado composiciones emotivas. Con la canción que cierra el disco 3pm, “Broken”, Grant se muestra más pensativo y algo distinto a cómo suele ser en su grupo de rock, cantando tiernamente sobre otra base melódica con poder emotivo.”

Xavier Valiño

ENTREVISTAS 2003

Johnny Cash, anillo de fuego

Johnny Cash no tiene la menor duda de que The Man Comes Around, su cuarta colaboración con el productor Rick Rubin, está a la misma altura que sus tres predecesores, que fueron recompensados con premios Grammy. “Creo firmemente que es el mejor disco que hemos hecho,” dice. “Va más allá que los anteriores, en múltiples direcciones, pero todos ellos tienen en común que he hecho esas canciones como algo mío. Ésa es su unidad: son mis canciones.”

Al igual que los tres discos anteriores de la serie de Johnny Cash y Rick Rubin, American Recordings, The Man Comes Around fue grabado casi enteramente en el salón de la casa de Rick Rubin en Los Angeles. De todas formas, esta vez parte de las sesiones se hicieron en los estudios de Johnny Cash en Tennessee y Jamaica, mientras que la emocionante versión del clásico “Danny Boy” fue grabada en dos horas en la catedral episcopal de Los Angeles. Una vez más, el cantante, el productor y sus amigos y familiares contribuyeron con muchas ideas a la grabación; además, las quince canciones seleccionadas finalmente para el disco representan uno de los discos más sorprendentes en las casi cinco décadas de carrera de esta leyenda de la música americana.

Desde el “Hurt” de Nine Inch Nails al “I’m So Lonesome I Could Cry” de Hank Williams, desde el “In My Life” de los Beatles hasta el “Personal Jesus” de Depeche Mode, desde el “Bridge Over Troubled Waters” de Paul Simon hasta “Give My Love To Rose” del propio Cash, es difícil presentar una colección que cubra más épocas y estilos. Los invitados -Don Henley, Fiona Apple o Nick Cave- sólo acaban de darle forma al conjunto.

Encontrar un sentido emocional al todo es algo que sólo Johnny Cash puede hacer. “El tema del disco es el espíritu,” dice. “El espíritu humano, más que el espíritu de Dios; en concreto, el espíritu humano luchando por sobrevivir. Probablemente refleja algo de la madurez que he experimentado con el dolor que he sufrido por la enfermedad que me llevó a casi morir.”

Durante años, su enfermedad ha sido mal diagnosticada: primero como el mal de Parkinson, después como el síndrome de Shy-Drager. “Ahora dicen que es neuropatía autonómica,” comenta. “No tengo ni idea qué significa, salvo que me estoy haciendo viejo. Me he sobrepuesto con voluntad. He encontrado las fuerzas para hacer este disco sólo para alejar el mal de mí. A veces iba al estudio sin voz, cuando podía haberme quedado en casa, pero no quería que fuera así. Llegaba, abría la boca e intentaba que saliera algo. Grababa cuando era la última cosa en el mundo que podía hacer. Y éstas son las canciones que tenían el fuego, el sentimiento, el fervor y la pasión. Hay mucha fuerza que sale de esa debilidad.”

Cash afirma que su versión del “Hung My Head” de Sting es un ejemplo de una interpretación que salió en un día especialmente difícil. “Al buscar en lo más profundo, fui capaz de trascender no sólo mi dolor, sino también mis expectativas. Es la clase de canción que tanto me gusta. Una historia trágica, lúgubre. Las canciones de mi gente son canciones de desastre y tragedia, muerte, asesinatos y relaciones rotas, y esta canción encajaba perfectamente ahí.”

Lo más sorprendente es que Johnny Cash revela una predilección especial por las dos canciones que, en principio, están más lejos de él: las versiones de los himnos industriales “Hurt”, de Nine Inch Nails, y “Personal Jesus”, de Depeche Mode. Fue el productor Rick Rubin quien le propuso cantarlas. “Creo que “Hurt” es la mejor canción en contra de las drogas que he escuchado nunca,” asegura. “Habla del dolor de un hombre y de lo que nos podemos hacer a nosotros mismos y de la posibilidad de no volver a hacerlo más. Me sentí identificado desde el principio. En cuanto a “Personal Jesus”, se trata simplemente de la canción gospel más evangélica que haya grabado. No sé cuál era la intención del autor, pero eso es lo que es.”

Esa pasión y esa entrega definen por entero The Man Comes Around. Ocho años después de que Rick Rubin –conocido por su trabajo con Beastie Boys, Red Hot Chili Peppers o Tom Petty- le propusiera a Cash grabar un disco con únicamente él y su guitarra acústica, Johnny Cash es consciente de que los cuatro álbumes de la serie American Recordings representan una fase especial de su carrera, un trabajo que ha mantenido su base en el poder y la integridad de su voz y sus canciones. “Lo protegemos con toda nuestra fuerza,” comenta. “Prestamos atención a todo. Grabamos lo que queremos y traemos a quien queremos, y no aceptamos ninguna intromisión. Lo hacemos justo como queremos.”

En febrero del año pasado, Johnny Cash celebró su 70 cumpleaños. “Recibí llamadas de todo el mundo,” dice. “Tuve un día muy agradable con todos mis amigos y la gente que quiero, y pensaba que todo el mundo parecía estar celebrando una fiesta en mi honor mientras que yo me iba a acostar temprano.” De hecho, el 2002 fue un año lleno de fechas señaladas en su vida: el 50 aniversario de Sun Records, el sello que lo lanzó, y el 25 aniversario de la muerte de su amigo Elvis Presley, además de la edición de varios discos de tributo y la reedición de su interminable catálogo. Pero el entrañable Johnny Cash se enfrenta a todo de la misma manera. “No vamos a parar,” afirma. “Ya estamos pensando en el siguiente: el año 51, el año 71. Estamos ansiosos por empezar a trabajar de nuevo.”

Xavier Valiño

ENTREVISTAS 2003

Jet Lag, cicatrices brillantes

Jet Lag acreditan con su nuevo álbum Beautiful Scars ser más que una promesa del pop independiente español, mostrando una evolución impensable desde su anterior disco, Amplifier, también editado por Bittersweet Recordings.

Bittersweet Recordings acaba de publicar vuestro segundo álbum, Beautiful Scars. ¿Qué diferencias sustanciales hay con vuestro anterior trabajo, Amplifier?

– Las diferencias entre ambos álbumes son muchas y grandes. La primera de todo es la formación. Desde que Amplifier terminó de ser grabado hasta ahora ha habido varias incorporaciones. Nada más grabar este primer disco, Josema, que ya venía de trabajar con Juan en Vancouvers, dejó libre el puesto de batería, que ocupó Ramiro. Más tarde, ya con el disco en la calle y unos cuantos conciertos, surgió la idea de reclutar un teclista, no solo para llevar al directo el primer disco de una forma más completa, sino ya pensando en la composición y grabación de la continuación de Amplifier. A partir de este hecho y de que en la composición de los nuevos temas hemos participado los cinco componentes, el resultado ha sido un disco en sustancia diferente a su predecesor. El disco resultante está mucho más elaborado, tanto en arreglos como en sonido. A esto ha ayudado el hecho de tener más tiempo para grabar y que a la hora de componer y arreglar hemos colaborado los cinco. Llegamos a dar muchas vueltas a los temas hasta que nos convencían. Se grabaron unos 18 temas, excluyéndose finalmente los que nos hacían dudar. Todo ello sin peder la visión de álbum como un todo unitario. Con un principio y un fin, donde cada canción tendría su lugar y su función.

¿Cuál va a ser el single del disco?

– Después de Shine On no sabemos todavía cuál puede ser el siguiente single. Lo que sí que tenemos claro es que queremos dar a la gente una muestra más de la diversidad de la que está compuesta el álbum.

La producción, de nuevo, ha corrido a cargo de Paco Loco… Me parece que ha hecho un gran trabajo. ¿Satisfechos? Además ha tocado la guitarra también en un par de temas.

– Sí, la verdad es que sí. Muy satisfechos. Después de haber grabado Amplifier también con él, nos planteamos la posibilidad de grabarlo fuera. Gracias a amigos habíamos establecido contactos con gente en NY. Sin embargo, el hecho de un presupuesto ajustado y el ver que, aunque en directo el grupo funcionaba a las mil maravillas, en estudio aún no habíamos hecho nada juntos, nos llevó a la conclusión de que quedarnos en la península nos beneficiaría y que la opción de Paco, por haber trabajado ya con él y por saber que tenía un nuevo estudio mucho más grande y con más y mejores aparatos, que nos daría opción a volver a grabar en caso de que lo necesitáramos, fue lo que hizo que repitiéramos. ¿Satisfechos? Sí, a la vista está. Creo que es de lo mejor que ha grabado últimamente Paco. Es lo más parecido a una producción americana que se puede encontrar en España ahora mismo. Y, sinceramente, no creo pecar de prepotencia. Obviamente, a ello ha ayudado, y bastante, la masterización Jeff Lipton. En cuanto a lo de las guitarras de Paco, no creo que haya un álbum grabado por Paco en el que no aparezca alguna guitarra -o algún otro artilugio- suyo.

Hablando de colaboraciones, Muni Camón presta su voz a "Rain". ¿Cómo surgió la colaboración?

– Es otra suerte de grabar con Paco. El que siempre está por allí cerca la maravillosa voz de Muni. Muni es increíble. Además de cocinar alucinantemente, canta como los ángeles. Siempre ha habido muy buen rollo con ella: a ella la gustamos, a nosotros nos encanta. Así que cuando decidimos que debía grabar un tema a dúo con Pablo -a mí personalmente me encantan los dúos hombre-mujer, eso sí, siempre bien entendidos- no puso ningún reparo. Además en Amplifier ya grabó un par de estrofas de "Baby" (canción que por otra parte se volvió a grabar, esta vez a solas, en clave country rock para el single de adelanto "Don’t Forget The Clock". Hace poco en un acústico en Madrid la hicimos venir para que cantara tanto "Baby" como "Rain" con nosotros y fue increíble. Tiene una voz y una presencia privilegiadas. Creo, y pienso que no soy el único, que Mrs. Camón debería volver al ruedo del rock & roll.

Las letras del disco giran entorno a las relaciones que se rompen, que dejan cicatrices. ¿Son vivencias personales? Lo de hermosas es por los buenos recuerdos que dejan algunas de esas relaciones… ¿no?

– Algunas sí .Otras son figuradas, pero siempre sabiendo que pueden ocurrir. Siempre con un alto grado de realidad. Lo de hermosas es más por lo que puedes aprender de esa cicatriz que por el buen recuerdo que tengas de ella. Una herida siempre duele y una cicatriz no es más que lo que el paso del tiempo le hace a esa herida. La cicatriz te señala esa herida, ese recuerdo, pero el paso del tiempo suaviza el dolor hasta a veces hacerlo prácticamente imperceptible. Es ahí donde aparece la belleza, lo bonito, cuando al verte la cicatriz, cuando al recordar la herida, ésta ya no duele y puedes sonreír. Bellas cicatrices que enseñan, nunca dejes de aprender.

Se dice que Jet Lag es una banda que puede funcionar muy bien fuera de España. Vuestro disco anterior se vendió en Japón. Not Lame os ha pedido un tema para el tributo a Teenage Fanclub. Puede que con Beatiful Scars se produzca esa explosión de la banda en el extranjero.

– Eso espero. Tenemos ganas de salir fuera. Hemos pulido mucho, mucho, las letras y la pronunciación para que fuera no nos pongan peros. Además contamos con un sonido de calidad que espero nos abra puertas más allá de los Pirineos. Bueno, de hecho ya tenemos cuatro fechas en Portugal, un terreno aún por explotar por los grupos españoles y donde me consta que se le da cancha a la música alternativa.

En algunas crónicas de los conciertos de vuestra gira de presentación del disco anterior se decía que adolecían de fuerza. ¿Habéis madurado también en directo?

– Bueno, que comenten eso referente a la grabación, donde la posibilidad de controlar volúmenes y meter arreglos más complejos hacen que los temas sean más intensos que potentes, lo puedo aceptar. Pero si de algo andamos sobrados en directo es de fuerza, de intensidad, de decibelios. De hecho lo que estamos trabajando ahora mismo de cara a los próximos conciertos, es el controlar el volumen, la intensidad, el poder de nuestro sonido para, una vez domesticado, darle salida cuando el concierto lo requiera. A veces hace más daño una acústica que una torre Marshall. Recuerda lo que ponía en la guitarra de Guthrie: This machine kills fascits.

Toño Crespo