Micah P. Hinson en concierto

 

(Fundación Caixa Galicia, Santiago, 26 de enero de 2007)

 

   

 

            Cuando hablan de esos cables que cruzan los océanos por debajo del mar, todo suena a ciencia-ficción. ¿Cables sumergidos a más de 10.000 metros de profundidad y uniendo orillas que distan 6.000 kms.? Parece difícil creer en ellos, pero hay quien está por la labor de demostrar que existen. Por ejemplo, Micah P. Hinson.

 

            Por difícil que parezca, este nativo de Abilene (Texas, EEUU) tiene más de un punto en común con alguien de Sheffield (Inglaterra), en concreto con Richard Hawley. En esta gira que le acaba de traer por España así lo demostró en la primera media hora de concierto. Con la colaboración de un tímido multiinstrumentista llamado Nick Phelps al pedal-steel, el banjo y algo de percusión, Hinson recordó en su faceta acústica durante un buen rato las maneras de crooner de Richard Hawley, que hunde sus raíces en los ya lejanos años 50.

 

Además, por si quedaba alguna duda, para rematar esa primera parte Hinson se decidió por hacer una versión de Hawley, “Hotel Room”. También, en uno de los escasos momentos en que comentó algo, dijo que Richard Hawley era uno de los mejores tipos que se había encontrado en el negocio y que, aunque creía que la diferencia de edad entre ellos era de menos de diez años, siempre que se encontraban Hawley lo trataba como si fuera su abuelo.

 

Tras esa primera parte, volvimos a ver al Hinson que recordábamos de sus anteriores visitas: un músico que reinterpreta sus canciones en directo con violencia y con arrebato, sumando electricidad para darles una nueva dimensión, y todo ello a pesar de ser presentarse como dúo, puntualmente complementados en escena por Will Johnson, quien antes había hecho valer su propuesta en solitario adelantando que no iba a ser una noche cualquiera.

 

    

 

Micah P. Hinson va sobrado de desparpajo -¡nadie mira así tan de frente a su público!- y de carisma. Con “You’re Only Lonely” parecía que el concierto se cerraba de la mejor forma posible, justo antes de regresar para acabar berreando con su rocosa voz, más que cantando, “Patience” de su primer álbum. En ese momento comprendimos que tardaríamos mucho tiempo en vivir algo igual, si es que alguna vez alguien llega a hacerle sombra en su presentación por estas tierras.

  

Manu Chao y Radio Bemba Soundsystem

 

(Muelle de Trasatlánticos de Vigo, 4 de agosto de 2007)

 

 

 

Se tienen que notar sus raíces gallegas. Por suerte para nosotros, el tercer gallego más conocido en el mundo (tras Julio Iglesias y Franco) es Manu Chao. No puede negar que de pequeño vivió escuchando las orquestas de las fiestas populares. De ahí su vertiente latina. La otra, la punk, le viene del barrio en el que creció en París, adonde su padre gallego y su madre vasca habían emigrado.

 

El rock latino en Europa lo inventaron dos gallegos: Víctor Coyote (éste reivindica en su libro Cruce de perras que Santiago Auserón no hizo más que aprovecharse del camino que él abrió) y Manu Chao, al que siempre se asocia con tantos desafortunados imitadores de su universo único. Y eso está claro en toda la producción del de Vilalba, desde sus tiempos en Joint de Culasse, Hot Pants, Los Carayos y, por supuesto, Mano Negra, hasta sus multitudinarios conciertos de los últimos años.

 

Una vez más quedó claro en su reciente gira que a Manu Chao sólo le interesa revindicar lo popular a través de la fiesta. El guión de los últimos años se volvió a seguir en esta ocasión, aunque con algunos cambios. Para empezar, la extraña ubicación en un muelle en el que no había cabida para tanta gente como en sus anteriores visitas, por lo que era todo un lujo poder disfrutarlo tan próximo.

 

 

 

Además, presentaba un nuevo disco sin publicar, La radiolina que se intuía tan continuista respecto a sus dos exitosos álbumes en solitario como más guitarrero (¡uno de sus músicos se soltaba con solos heavies!). Tal vez lo más novedoso es que su espectáculo, a diferencia de otros presentados en Galicia con anterioridad (en especial, el más recordado, el de la Sala Nasa, con aquella mítica noche que no acababa nunca) ya no era tanto una única canción ininterrumpida en la que van cayendo retazos de sus temas, como las canciones enteras, con momentos para el respiro entre unas y otras.

 

En esta ocasión sonaron todos sus temas emblemáticos, desde “Mala vida” hasta “Desaparecido” o “Clandestino”, pasando por “King Kong Five”, “Rumba de Barcelona” o “Mentira”. Y por si había alguna duda de que no le asusta reivindicar lo popular, cantó a Bob Marley, a Los Chunguitos (“Si me das a elegir”) y presentó una canción nueva dedicada a Maradona que invocaba a ¡Concha Velasco! (“La vida es una tómbola”).

 

Para el fin de fiesta, como en sus últimas visitas a Galicia, tuvo tiempo para ceder protagonismo a las Jarotas de Ribeira (dos vocalistas entre el hip-hop y la regueifa) y la anciana panderetera  Xosefa de Bastabales, de la aldea cercana a Santiago en la que Manu Chao tiene casa. Aunque se haya visto ya un par de veces, no deja de sorprender como el fin de fiesta de un concierto de Manu Chao corresponde a una septuagenaria y sus  canciones tradicionales gallegas que mantienen la atención de una multitud que ha ido a ver algo bien distinto. ¿O no tanto?

 

MAGÍN BLANCO: Realidad (PAI)

 

 

Disco del mes -por lo menos- en casa. El segundo álbum en solitario de Magín Blanco, tras el regreso del año pasado después de cuatro álbumes al frente de La Rosa –La Rosa  (Edigal, 1989), Tren de Azúcar (Edigal, 1990),  El sueño del camaleón (Sons Galiza, 1992) y En el arco iris (Sons Galiza, 1994)- y el parón de 12 años que le siguió, es aquel en el que, al fin, todo suena y parece en su lugar, tal y como siempre debió lucir el de A Rúa.

 

Está la misma melancolía de buena parte de sus composiciones, pero en este caso con una producción que acompaña las melodías, derivando en emoción auténtica. Acompaña la presentación, digna del disco -vale la pena hacerse con él por el libreto y sus dibujos, obra de Iván Prieto, superiores a la portada-.

 

            Y, además, hay un extra. Cada canción viene comparada por su autor con otra de otro artista que no queda claro si le ha servido de inspiración, le ha recordado a ella después de componerla o, simplemente, quería destacarla. Así que “El corazón de los pájaros” remite a “Heart Of Gold” de Neil Young, “Sus cosas” a “Aquellas pequeñas cosas” de Serrat, “Hielo sobre hielo” recuerda -con mención expresa incluida- a “Like A Rolling Stone” de Bob Dylan o la cantada en gallego “Revelación” a su adorada Lucinda Williams. El resto evocan en sus músicas o los preciosos textos escritos para el libreto por Camilo Blanco y Magín Franco a Van Morrison, Badfinger, Peter, Paul & Mary, Tom Waits y Paco de Lucía.

 

Los Brincos: homenaje en directo y nuevo libro

 

 

Cuatro décadas después de su etapa más recordada, parece que Los Brincos vuelven a la actualidad como nunca antes en los últimos años. Y lo hacen por partida doble: por una parte, grupos de ahora homenajearán al grupo en uno de los festivales más importantes del verano en nuestro Estado y, por otra parte, se acaba de editar un libro con su biografía.

 

Será en Alburquerque (Badajoz), en el festival Contempopránea, el evento por excelencia de la escena independiente estatal, donde se homenajeará a Los Brincos en su duodécima edición, a celebrar los días 27 y 28 de julio. Si en años anteriores las bandas que formaban parte del cartel del festival extremeño homenajearon a The Smiths, Carlos Berlanga, Family, El Niño Gusano, Los Flechazos o Surfin’ Bichos, en esta ocasión se fijarán en las canciones de Los Brincos, que marcaron época en plena vorágine de los  años 60, la edad dorada del pop.

 

Por vez primera el festival Contempopránea rendirá así tributo a un grupo de los 60, recordando a quienes para muchos fueron los Beatles españoles por su éxito en aquellos años. Puede que canciones como “Borracho”, “Flamenco”, “Lola”, “Un sorbito de champagne”, “Mejor” y tantas otras, tan vigentes hoy en día como siempre, sean algunas de las escogidas por los grupos que estén finalmente en el cartel de Contempopránea 2007, resonando así en las paredes milenarias del castillo de Alburquerque.

 

 

Casi al mismo tiempo se edita Érase una vez Los Brincos y Juan y Junior, escrito por el periodista César Campoy. Parece mentira pero, desde que el grupo se separó en 1971, nunca se llegó a publicar ninguna monografía sobre el grupo, a pesar de que se pusieron en marcha hasta dos proyectos distintos.

 

En este caso, el autor partió de un extenso artículo que escribió en 1999 para la revista Efe Eme. La contada información existente sobre el devenir del grupo fue completada con numerosas y largas visitas a la hemeroteca, así como con el testimonio directo de varios de los integrantes del grupo, con una disponibilidad absoluta por parte de Juan Pardo, Miguel Morales o Manolo González, el único miembro que aún vive y que permaneció en Los Brincos desde su gestación hasta su disolución.

 

En 173 páginas, divididas en cuatro partes y 18 capítulos, y con 48 fotografías, una buena parte desconocidas para casi todo el mundo, el autor repasa la trayectoria de la banda, desde el final de Los Estudiantes en 1964 hasta la separación de Los Brincos en 1971, sin olvidarse de las posteriores carreras de todos los miembros.

 

JEFF BUCKLEY: In memoriam

         En este 2007 se cumplen diez años de la muerte de Jeff Buckley, ahogado en el Mississipi. El día de su muerte, un 29 de mayo de 1997, Buckley se encontraba en Mud Island, (Memphis, Tenessee) con un amigo. Estaban escuchando música y tocando la guitarra, cuando Jeff decidió bañarse vestido, algo que por lo visto ya había hecho antes. Cerca pasaba un barco presto para atracar, agitando las aguas en la maniobra. Tres días después de que su amigo le perdiera de vista, los pasajeros de otro barco encontraron su cadáver flotando, atrapado entre las ramas. Jeff Buckley tenía entonces 30 años.

Grace (1994), el único disco editado en vida por Jeff Buckley y puede que el gran disco de los 90, ha venido dejando su impronta en buena parte del rock hecho desde entonces. Como homenaje a uno de los compositores más importantes de la historia, le rendimos nuestro más sincero homenaje en tres partes: el recuerdo de su único disco editado en vida, las declaraciones que otros artistas hicieron sobre él y, por último, las canciones que otros le compusieron como tributo.

 

 

JEFF BUCKLEY: Grace (Columbia-Sony, 94)

         ¿Qué pensar de un disco de debut que mezclaba brillantes canciones originales con temas de Nina Simone, Leonard Cohen o Benjamin Britten? Pues, evidentemente, que su responsable no era un cualquiera y que tenía que estar muy seguro de lo que se traía entre manos. No, no hablamos de un desconocido.

        Cuando Jeff Buckley apareció casi por sorpresa en el 94 -antes sólo había editado un EP de cuatro canciones en directo, Live At Sin-é-, se le pudo ubicar fácilmente por ser hijo del atormentado y gran cantautor Tim Buckley, que había fallecido unos cuantos años antes víctima de una sobredosis. No servía de nada: Jeff casi no había conocido a su padre y renegaba de él por haberse fugado de su casa cuando aún era un niño. La mala suerte hizo que Jeff acabara prematuramente su carrera, como su padre, aunque en su caso ahogado en el Mississippi, dos años después de publicar su debut. 

        Grace destaca en una primera escucha, sobre todo, por la brillantez vocal de Jeff Buckley, su instrumentación ambiciosa y un sentimiento de ser fiel y verdadero al espíritu de las canciones, así que poca importancia tiene que tres de ellas sean versiones. Canciones nuevas sin ataduras, versiones insospechadas y una voz tan profunda y inusual como la de su padre son sólo algunos de los elementos de quien se descubrió entonces como un talento único.  

        Su primer y único disco editado en vida es un álbum definido por sus extremos y, ciertamente, no es recomendable para oyentes que no le dan al rock apasionado una segunda oportunidad. Buckley canta con poder y una intensidad perturbadora. El trabajo de guitarra de Buckley desafía cualquier definición: espartano y cristalino en “Lilac Wine” o “Hallelujah”, melancólico y acústico en la maravillosa “Lover, You Should Have Come Over” o como un muro de sonido eléctrico en otras ocasiones.

Si hay que sonar como Led Zeppelin, Buckley lo hace y no pide perdón, como en “Mojo Pin” o “Grace”, ambas coescritas con el antiguo guitarrista de Captain Beefheart, Gary Lucas. Además, cuenta con una gran labor de equipo, gracias a la percusión de Matt Johnson, el bajo de Mick Grohndahl y pinceladas de color de una sección de cuerda, un órgano y tablas. Grace sigue mostrándose fascinante hoy en día y difícil de escuchar por su intensidad. Tal vez sea el único disco imprescindible de los 90. El disco más influyente en la generación de músicos de los últimos años. Nunca lo confundirías con cualquier otro disco.

 

Xavier Valiño

 

       

LAS OPINIONES DE OTROS ARTISTAS SOBRE JEFF BUCKLEY

 

– Bono (U2): “Jeff Buckley era una gota pura en un océano de ruido.”

– Elvis Costello: “Espero que la gente resista la tentación de convertir su vida y muerte en una estúpida fantasía romántica. Él era mucho más que todo eso. Jeff Buckley tomaba cualquier canción y la hacía suya, embelleciéndola, de una forma tan natural que muy poca gente puede hacer.”

– Jimmy Page (guitarrista de Led Zeppelin): “El disco que he escuchado sin parar en los últimos doce meses es Grace. Es un gran cantante. Tiene tanta variedad emocional, tanto en las versiones, como la de Leonard Cohen, como en sus propias canciones. Robert Plant y yo lo vimos en directo en Australia y nos dejó aturdidos. Alguien le gritó que dejara de tocar música tan profunda, y él le dio la respuesta perfecta: “La música debe ser como hacer el amor. Unas veces te apetece suave y tierno y otras quieres que sea fuerte y agresivo.” Creo que a Led Zeppelin nos hacía el mejor de los cumplidos con su música.”

– Elizabeth Fraser (cantante de Cocteau Twins): “Me apasiona cantar con Jeff. Ha escrito una canción llamada “Grace”, que literalmente me pone los pelos de punta. La primera vez que la escuché sudaba como una novia en su día de boda. La música nunca me había provocado esa reacción antes.”

– Nelly Furtado: “Amo a Jeff Buckley. Grace cambió mi vida. Él influyó profundamente en mis canciones, en mi forma de componer y en mi forma de actuar, en todo.”

– Eddie Vedder (líder de Pearl Jam): “Una vez estuve con él. Estuvimos hablando y tocando. Me tocó una versión de “Indifference” para mí sólo. Nunca olvidaré cómo lo hizo… Me quedé sin habla… Uno de los momentos más memorables de mi vida… Ojalá lo hubiera conocido mejor.”

 

– Fran Healy (líder de Travis): “Me contaron que un día Tom Yorke de Radiohead fue a verlo actuar y, a continuación, marchó directo al estudio a grabar “Fake Plastic Trees”. Así que cambió su forma de cantar basándose en lo que le había visto a Jeff Buckley, más o menos cuando a mí me pasó lo mismo. Yo lo vi en otra actuación, en Glasgow, y pensé que su voz no era de este mundo. Era algo que elevaba el espíritu y yo, descaradamente, traté de copiarlo.”

– Alanis Morissette: “Amo a Jeff Buckley. No es que quiera imitar su estilo, pero… Cuando estoy en el estudio, grabando las partes vocales, pienso en él. La prioridad es expresarme de esa forma.” 

– Bernard Butler (primer guitarrista de Suede): “He conocido un buen montón de estúpidos en el mundo de la música. Jeff era el que tenía más talento y, al mismo tiempo, el más agradable. Era el único de quien esperaba con ansiedad escuchar nuevas canciones. Mi mujer y yo hablamos mucho de música, y siempre nos decíamos que, por muy cínicos que fuéramos, sabíamos que Jeff Buckley siempre haría discos enormes. Durante un año toqué una de sus canciones, “Last Goodbye”, todos los días, a pleno volumen. Nadie más me ha hecho sentir sin miedo de ser yo mismo… Me hizo feliz.”

Xavier Valiño

 

 

LAS CANCIONES TRIBUTO ESCRITAS POR OTROS EN HOMENAJE A JEFF BUCKLEY

 

– Cocteau Twins: Rilkean Heart y Half-Gifts (Milk And Kisses, 1996)

         Elizabeth Fraser, una de las voces más embrujadoras del pop, fue una de las mejores amigas de Jeff Buckley y llegó a grabar varias canciones con él que aún permanecen inéditas. En Milk And Kisses le dedicó estas dos canciones. “Busqué en ti experiencias trascendentales que me transportaran lejos de la soledad y la alienación, hacia un sentimiento de conexión, estática y mágica. Me convertí en una adicta en esa búsqueda…”

– Juliana Hatfield: Trying Not To Think About It (En el EP “Please Do Not Disturb”, 1997)

         En este caso, Juliana conocía a Jeff de sus primeros tiempos, cuando éste solía hacer de telonero en sus conciertos. Aunque alcanzó más notoriedad que ella, siguieron siendo amigos. “El Mississippi tiene una fuerte corriente… Dime que estoy soñando, que es una pesadilla.”

– Hole: Boys On The Radio (Celebrity Skin, 1998)

         La ocasión que Jeff estuvo más cerca de ser una figura pública fue después de un breve encuentro con la viuda de Kurt Cobain, Courtney Love. Ésta le dedicó una canción. “Los chicos que suenan en la radio se golpean y queman, se retraen y se desvanecen lentamente en tus interminables noches de verano.”

– Duncan Sheik: A Body Goes Down (Humming, 1998)

         El cantautor estadounidense se toma la tragedia con proporciones bíblicas. “Un cuerpo se ahoga con el peso de una belleza temerosa de su luz. Que avisen a los hombres sagrados. Consolad a vuestros hijos e hijas.”

– Chris Cornell: Wave Goodbye (Euphoria Morning, 1999)

         El que fuera líder de Soundgarden compuso esta canción que apareció en su primer disco en solitario, justo después de la muerte de Jeff. Además de amigos en vida, Cornell ayudó a seleccionar las canciones de su disco póstumo Sketches For My Sweetheart The Drunk. Un verso de la letra: “Cada cosa dolorosa que dijiste resuena en tus oídos cuando echas de menos a alguien.”

– Willie Nile: On The Road To Calvary (Beautiful Wreck Of The World, 1999)

Para muchos, el cantautor estadounidense compuso el mejor tributo posible para Jeff Buckley. “Me llevaste por el río poderoso, me levantaste sobre el mar bravo. Me das todo este amor que tienes para repartir, en mi porche de atrás de camino al calvario.”

– Aimee Mann: Just Like Anyone (Bachelor #2, 2000)

         Llegó a conocer a Jeff, pero no tuvo tiempo para dedicarle toda la atención que hubiera querido. “Eras uno de nosotros y me pregunto, como todo el mundo, si hay algo más que yo hubiera podido hacer.”

– Mark Eitzel: To The Sea (The Invisible Man, 2001)

         En uno de sus discos en solitario, el que fuera líder de American Music Club se lamenta de no haber conocido lo suficiente a alguien a quien estimaba. “Creías que estaba ocupado, pero sólo estaba ocupado escapando de tu belleza.”

– P. J. Harvey: Memphis (Cara B del single “Good Fortune”, 2001)

         P. J. Harvey compartió muchos momentos con Jeff Buckley. La que iba a ser una canción más de su disco Stories From The City, Stories From The Sea acabó como cara B. “Tú respirando en mi boca… Lo tomo, lo tomo, lo tomo.”

OTRAS:

– Heather Nova: Valley Of Sound (Siren, 1998)

– The Frames; ‘Neath The Beeches (Dance With The Devil, 1999)

– Ron Sexmith: In A Flash (Whereabouts, 1999)

– Zita Swoon: Song For A Dead Singer (Paint Pictures On A Wedding Dress, 1999).

– Those Bastard Souls: The Last Thing I Ever Wanted Was To Show Up And Blow Your Mind (Debt And Departure, 1999)

– Amy Fairchild: Jeff Buckley Song (Demographic, 2000)

– Kashmir: Gorgeous (The Good Life, 2000)

– Angelou: Little Sister (While You Were Sleeping, 2001)

– Rebecca Moore: Live In Blue Sparks (Home Wreckordings, 2001)