Categoría: Entrevistas

CAMPUS GALICIA ENTREVISTA CON CERYS MATTHEWS

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ENTREVISTAS 2003

Cerys Matthews, paisajes bucólicos

Inesperado cambio. Tras encabezar Catatonia durante unos años, y facturar discos de pop británico, la galesa Cerys Matthews decidió dar un giro radical a su obra. Pensaba grabar canciones folk tradicionales, pero acabó buscando su inspiración en el paisaje del country.

El pasado 3 de junio Cerys Matthews publicó Cockahoop, su álbum de debut en solitario, que, curiosamente, fue a grabar al otro lado del Atlántico. “El disco lo grabé en Whites Creek, (Nashville), con el productor Bucky Baxter, más conocido como guitarrista de Bob Dylan, Ryan Adams y Steve Earle,” comenta Cerys sobre lo que significa un inspirado cambio de dirección en la trayectoria de la que fuera cantante de Catatonia.

“Originalmente quería que Cockahoop fuera un álbum de canciones folk tradicionales, para lo cual elaboré una lista de 76 posibles temas. Decidí que quería grabar en Nashville, y, siguiendo la recomendación de un amigo, que me aconsejó conocer el estudio de Baxter, me embarque para América en junio del año pasado.” Allí llamó a su productor elegido cuando ya estaba en Nueva York, avisándole de su llegada con muy pocos días de antelación.

“Baxter sólo me conocía por una maqueta, y no estaba preparado para mi llegada. De hecho, todavía estaba construyendo su estudio. Me instaló en una cabaña de madera que no tenía ni agua corriente, ni baño ni cocina. Mientras hacía horas extras para terminar el estudio, me animaba para que dedicase el tiempo a escribir canciones,” recuerda Cerys.

“Fue entonces cuando mis planes se fueron al traste. Inspirada por el bucólico paisaje y por el entusiasmo del propio Baxter, dejé fluir libremente su escritura.” Así fue como surgieron canciones como “Caught In The Middle”, “Only A Fool” y “The Good In Goodbye” entre algunas de las que se quedaron en la grabación final. “Escribió “The Good In Goodbye” a la mañana siguiente de acudir a un concierto de Bob Dylan,” reconoce la cantante y compositora galesa.

Y después están las versiones, cuidadosamente seleccionadas y tiernamente interpretadas para reflejar su pasión de coleccionista de canciones antiguas y modernas. “El tema que abre el álbum, “Chardonnay” fue escrito por Roger Cook (que escribió “Talking In Your Sleep” para Crystal Gale) y se graba ahora por primera vez. También encontré en una recopilación de música americana un tema misterioso titulado “Weightless Again”, interpretado por The Handsome Family, viejos inconformistas del country. “Arglwydd Dyma Fi” es un viejo himno galés que recuerdo haber oído cantar a mi abuela.”

La interpretación es tan vívida y tan potente como cabe esperar de músicos de la categoría del guitarrita Richard Bennett (Travis Tritt, Emmylou Harris), el batería Ken Coomer (antiguo miembro de Wilco y Uncle Tupelo) y el multiinstrumentista Jim Hoke (Confederate Railroad). Pero se trata sobre todo de un disco que se apoya en las canciones y en la voz de Cerys, que ha alcanzado una riqueza de matices que nunca habíamos escuchado antes. En este álbum hay rastros de folk, de country, de soul, de pop y mucho más. Pero Cockahoop es a la vez todos esos estilos y ninguno, pues su inteligente variedad no entra en ninguna categoría musical.

Xavier Valiño

ULTRASÓNICA ARTÍCULO GECKO TURNER

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ULTRASÓNICA ARTÍCULO GECKO TURNER

ULTRASÓNICA

ARTÍCULOS 2003 

Gecko Turner, una agradable anomalía

 

            El Sr. Turner es un personaje único en estos días. Un creador independiente que juega con las palabras y los géneros. Un extremeño con mucha guasa, afortunadamente, y mucha cabeza e intención en sus canciones. Creador de “The Real Soul Afromeño Experience”, un festival que toma lugar en cada uno de sus directos, o de algo que él mismo ha bautizado como soniquete. Difícil en cualquier caso definir su música sin escucharla. 

            Gecko Turner es, en definitiva, un aglutinador de influencias que traduce en algo que suena muy cercano. Que hace popular lo que de otra forma parecería música para iniciados en sesudas disciplinas.  

            En su nada despreciable trayectoria, ha liderado bandas como The Animal Crackers, The Reverendoes y los aplaudidos Perroflauta. Éste disco representa el principio de su proyecto en solitario. 

            En esta ocasión, se orienta hacia las músicas surgidas de la diáspora africana (soul, reggae, bossanova, samba, funk) y las combina con estilos característicos del sur de España (flamenco) o con sones africanos que han regresado al continente negro después de viajar a las Américas (afro-beat) sin olvidarse por supuesto del be bop, del cool y en definitiva del jazz con mayúsculas. Esquivando cualquier tipo de clasificación, Gecko Turner logra tamizar estas influencias a partir de un sonido personal. 

            Guapapasea! son 70 minutos de música con mucho ritmo contenido y mucha energía positiva en nada menos que diecisiete cortes entre los que encontrarás once temas inéditos de Gecko, una adaptación del maestro Bob Dylan, otra versión de otro Bob, en este caso Marley, y cuatro jodiuras varias como dice el mismo Gecko. 

            Gecko, dylaniano hasta la médula, se atreve con uno de los trabalenguas más complejos de Dylan “Subterranean Homesick Blues” y lo fusiona con una música original en una de las adaptaciones locales más acertadas. En el caso de “Rainbow Country”,  de Bob Marley, se lo lleva a un aire de tanguillos extremeños con mucho desparpajo también. 

            De su primer single “Un limón en la cabeza”, de aires brasileños y verbeneros, el álbum se desliza hacia lo que será su segundo single, “Te estás equivocando”, cuyo estribillo a ritmo de reggae se nos antoja que pudiera estar dedicado a un montón de personajes públicos de los que no queremos acordarnos -pero no deja de ser una delicada canción de amor y esperanza-. Es, también, un disco de amor. Escucha, si no, la amable “Sabes quién te quiere” o la más espiritual“ Niña del Guadiana”. 

            Seguimos deshojando el disco y nos encontramos con “Dime que te quea”, filosofía doméstica del Sr. Turner,  una de las mejores letras del disco, o los ritmos infecciosos de “How Can You Do Me Like You Do Me” o “Did Ya Black Up Today?”. Hacia el final, una de las sorpresas sin duda más agradables del disco es “Dizzie”, una composición de Gecko interpretada por Gene García, un viejo amigo de Badajoz, y grabada en casa de Mr. Turner en una tarde del tórrido verano del 2003. Pasaría desapercibida si nos la encontráramos en un grandes éxitos de los 70 junto a alguna grabación de Gil Scott Heron -nos acordamos, por ejemplo, de “Winter In America”-.  

            Finalmente, Gecko nos regala como canciones extras / Jodiuras Varias un puñado de canciones por las que ya merecería la pena hacerse con el disco. En primer lugar, Gecko homenajea a Thelonius Monk con esa especie de rumba que es “Monka Mongas”. Rubén “Watch TV” García convierte el “Guapa Pasea” en una mezcla de afrobeat con broken beats y free jazz.

            El inglés Will Holland, más conocido como Quantic, se quedó fascinado al escuchar “Un limón en la cabeza” y sacó tiempo para deleitarnos con un divertido experimento en clave de hip hop dubby breaks. Quantic ha estado haciendo remezclas últimamente para los  sellos Verve y Compost, y para  Nitin Shawney, entre otros.  

            El mexicano Camilo Lara, líder de IMS, al acabar la remezcla de Rainbow Country, afirmó: “Sabes que amo el reggae y pensé hacer algo dub, pero no me salió… ¡Demonios! ¡Siempre por más que le hago todo suena a Herp Albert! ¡Es una maldición!” A nosotros su remezcla nos parece una fiesta.  

            Por último, el peruano Pelo Madueño vuelve a tomar “Un limón en la cabeza” y la sube de tempo acentuando ese lado carnavalesco de la canción. Su remezcla “Guisao remix” es todo un despliegue de exhuberancia para el disfrute en la pista de baile.

Xavier Valiño

CAMPUS GALICIA ENTREVISTA CON LOU REED «NYC MAN»

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ENTREVISTAS 2003

Lou Reed, el hombre de Nueva York

Lou Reed acaba de editar un nuevo recopilatorio de su obra, NYC Man, sólo que esta vez se ha involucrado en la selección y cuenta con su total beneplácito. “Cualquiera que sea admirador de mis canciones o de los discos de The Velvet Underground se sentirá encantado de escuchar este nuevo álbum, que además suena tal como siempre debió sonar.”

Poco antes de dar su opinión sobre cada una de las canciones, Lou Reed reconoce que esta vez sí esta satisfecho. “A la hora de dar forma a una recopilación de grandes éxitos, normalmente el artista suele ser la última persona en dar su opinión. Muchas veces, las compañías esperan a que éste haya fallecido para que no interrumpa el proyecto, pero en este caso decidieron ponerse en contacto conmigo para ayudarles a seleccionar las canciones, a elegir el orden de los temas en el disco y a buscar a las personas más adecuadas para dar forma al álbum. El resultado es un disco del que todos nos sentimos realmente orgullosos”

WHO AM I? (TRIPITENA’S SONG)

– Hemos intentado dar forma a este doble CD desde el punto de vista de intentar elegir las canciones que mejor se ajustan unas a otras, más que seleccionarlas cronológicamente. Cuando lo hicimos pensamos que estaría bien empezar el álbum con la canción más moderna, antes de sumergirnos de lleno en un clásico. Esta mezcla en concreto es una de las dos versiones que existen del mismo tema. La que hemos incluido en este disco es mi favorita, porque la produje con Hal Willner, también con mi grupo. La verdad es que tuvimos mucha suerte de poder grabar dos versiones de este tema. La otra versión es la de Ric Wake, un productor de primera, que grabamos en primer para el álbum The Raven. Ésta es algo más dura, y también tiene su merecido hueco en el recuerdo de nuestros fans.

ROCK ‘N’ ROLL

– El álbum Loaded está lleno de buenas canciones. Cualquiera que sea aficionado a mis canciones o a las de Velvet Underground estará encantado de escuchar estos temas de la forma en que siempre debieron haber sonado. Cuando trabajábamos con vinilo la posibilidad de reprocesar las grabaciones realizadas en estéreo resultaba algo bastante complicado. Ahora, con los medios de que disponemos actualmente, hemos podido por fin hacer las cosas como siempre quisimos hacerlas.

I’M WAITING PARA THE MAN

– En este tema destaca muy especialmente la fuerza de John Cale en el piano. Recuerdo muy bien lo fuerte que tocaba las teclas, la potencia que ponía en su interpretación, aunque al principio era fácil distinguirlo en el disco. Ahora, sin embargo, puedo sentirlo de principio a fin.

WHITE LIGHT/WHITE HEAT

– Rock And Roll Animal supone el estilo de Lou Reed rememorando a Velvet Underground. De alguna manera fue como si tres años después aún siguiera haciendo el mismo tipo de música que hacía con Velvet Underground, sólo que esta vez estaba todo centrado en el álbum Rock And Roll Animal. Ésta es una de las mejores grabaciones realizadas en directo, pero también en este caso se podía mejorar el sonido que teníamos disponible, aunque ya de por sí la calidad que conseguimos en su momento era bastante alta. Sin embargo, hemos conseguido mejorar aún más el nivel. Si alguien lo duda, sólo tiene que fijarse en la parte final del tema.

STREET HASSLE

– “Street Hassle” se grabó en el antiguo estudio Record Plant. Allí estaba yo, junto a Patti Smith y Bruce Springsteen, cada uno en un estudio distinto. Conocía a Steve Van Zandt, y decidimos preguntarle si pensaba que Bruce aceptaría grabar un monólogo para nuestra canción. Bruce dijo que por supuesto lo haría, pero que no queríamos que mencionáramos su nombre. Me hubiera gustado que todos los fans de Bruce hubieran comprado el disco, pero como no podíamos utilizar su nombre, muchos pensaron que aquella voz era la mía tratando de imitarle. “Street Hassle” se divide en tres movimientos, e incluye diferentes personajes hablando, mientras que “Walk On The Wild Side”, con la que “Street Hassle” ha sido comparada en ocasiones, es más bien un vistazo acerca de cuatro o cinco personas en forma de viñetas de cuatro a ocho líneas. Esta vez hay mucho texto. Al final, el discurso que ofrece el personaje protagonista de la canción me recuerda un monólogo de Tennessee Williams.

THE KIDS

– Cuando compuse Berlin nunca había visitado la ciudad alemana, la canción se centraba en un viaje imaginario. Y es que ni siquiera podía permitirme pagar un billete en clase turista. Es curioso, porque ahora se ha convertido en todo un clásico, a pesar de que cuando se publicó por primera vez la canción fue maltratada por la crítica. Todos mis discos han recibido pésimas críticas en el momento de publicarse y, en cambio, veinte años más tarde, cuando se vuelven a reeditar, resulta que todo el mundo los considera auténticos clásicos. Es curioso. Metal Machine Music, que marcó el final de una etapa, se publicó para celebrar el 25 aniversario, con una presentación muy cuidada. Yo mismo me encargué de las mezclas, así que puse especial cuidado en que sonara lo mejor posible. El grupo alemán Ensemble Zeitkratzer lo interpretó en directo en Berlín y en Venecia. Tuvieron que pasar 25 años para poder escucharlo en directo, pero el resultado fue impresionante.

WALK ON THE WILD SIDE

– “Walk On The Wild Side” era una de las 12 canciones incluidas en el álbum Transformer, y en ningún momento le di más importancia a esta que a ninguna de las demás. De hecho, la que más me gustaba era “Hangin’ Around”, así que quizá por eso casi nadie me hace caso cuando les comento mis preferencias. También hay otro tema en el mismo álbum que también me encanta, “New York Telephone Conversation”, que interpreto junto a David Bowie; es una composición de tan sólo un minuto de duración. La verdad es que ese disco tiene muchas cosas interesantes en su interior. Otro ejemplo: 25 años después de su lanzamiento, “Perfect Day” se convirtió en un tema mucho más importante de lo que nunca fue “Wild Side”. Para que veas…

KILL YOUR SONS

– Estaba revisando un montón de grabaciones y este tema del álbum Live In Italy parecía estar esperando tranquilamente a que lo descubriera de nuevo. Al escucharlo pensé que la parte de guitarra es excelente, interpretada por Robert Quine, por no hablar de la genial interpretación de Fred Maher en la batería. Me encanta la forma de tocar la batería de Fred. La calidad de la grabación no era demasiado buena, así que la hemos arreglado un poco para este disco.

VICIOUS

– Durante las sesiones de grabación del álbum Transformer nos divertimos muchísimo. Trabajamos en un estudio genial con un maravilloso ingeniero. David Bowie y Mick Ronson participaron en las sesiones y se ocuparon de traer a los músicos. No tuve que preocuparme de nada de eso. Poco antes había grabado el álbum Lou Reed en Londres, en el que me llevaron a varios técnicos de estudio con los que no me llevaba demasiado bien. Sin embargo, la creación de Transformer fue muy divertida. Siempre es interesante trabajar con gente que está llena de buenas ideas. En concreto, David tiene muchísimas, y en el caso de Ronson era un gran arreglista. Teníamos todos los elementos necesarios para que la experiencia resultara perfecta.

THE BLUE MASK

– Este tema de la “oscuridad” de la vida… La vida está hecha de muchas cosas. Por ejemplo, te podrías pasar todo el tiempo escribiendo acerca de cosas románticas o pequeños detalles sencillos, aunque la verdad es que no entiendo muy bien por qué nadie debería hacerlo. En cambio, si además de las cosas bonitas hablas de elementos más negativos, enseguida te califican como negativo y oscuro, me parece algo increíble. Por ejemplo, es lo que pasa con The Raven. No conozco a nadie que no haya sufrido un mínimo de ansiedad en algún momento, no existe nadie que sea feliz todo el tiempo. En todas las cosas hay siempre un equilibrio, un yin y un yang, instantes buenos y malos. Yo no diría que son canciones oscuras, prefiero verlas como parte de la vida real.

I’LL BE YOUR MIRROR

– Me gusta mucho esta versión de “I’ll Be Your Mirror” que toqué en una guitarra acústica eléctrica conectada a un amplificador especial. Lo utilizamos en Londres, en el Festival Meltdown. “I’ll Be Your Mirror” es una canción clásica de Velvet Underground, uno de mis temas favoritos de todos los tiempos.

MAGIC AND LOSS – THE SUMMATION

– “Magic and Loss” habla acerca de la pérdida de mi amigo Doc Pomus, que murió tras una grave enfermedad. Pensé que la gente suele escribir discursos póstumos, misas e incluso hay piezas de música creadas especialmente para estas ocasiones, ya sea u nacimiento o la transformación del alma pero, ¿qué nos ofrece la música actual para homenajear a un amigo que ha muerto? ¿Cómo puedes expresar las emociones de ese momento? ¿Cómo consigues sobrevivir a algo tan terrible que sucede en la vida real? ¿Cómo consigues llegar al otro lado, a ese lado más alegre? “Magic and Loss” viene a ser una afirmación positiva de la vida, en vez de limitarse a destacar como un lamento negativo sobre la muerte.

ECSTASY

– Lo más interesante acerca de “Ecstasy” es que incluye un punteo de guitarra genial. Cuando pienso en ello me recuerda al riff de guitarra de “Sweet Jane”. De vez en cuando, sin esperarlo, surge una buena inspiración de guitarra. A veces voy por la calle y me sorprendo al escuchar a algún chico que está aprendiendo a tocar, y está practicando con “Sweet Jane”. Me encanta cuando eso ocurre. Es lo mismo que ocurre con Chuck Berry: todo el mundo practica con su música, lo mismo que practican con “Sweet Jane”. En el caso de “Ecstasy”, debo reconocer que es un poco más complicado, pero una vez que has aprendido a tocar “Sweet Jane”, el siguiente paso es practicar con “Ecstasy” hasta que la domines por completo.

I WANNA BE BLACK

– En una ocasión fui a Alemania para profundizar en un sistema de sonido llamado Binaural. Su creación se remonta a la Exposición Universal de 1942, el año en que nací. Se trata de una forma de crear sonido en tres dimensiones, en 360 grados. Ahora tenemos el 5.1, pero el sonido Binaural hace que el 5.1 parezca 1.3. Sin embargo, surgieron ciertos problemas técnicos con el álbum Take No Prisoners que siempre me habían molestado. Afortunadamente, ahora hemos podido recuperar aquellas cintas para solucionar algunos de los problemas que surgieron durante su grabación. En concreto, este tema procede de una de las cintas que conseguimos recuperar de la época anti-Binaural, aunque finalmente hemos conseguido dejarlo tal como siempre habíamos deseado. Ahora suena como si estuvieras en una sala rodeado de espectadores por todas partes. Al fondo se escucha el sonido de los vasos, los comentarios de la gente y el ruido de las sillas crujiendo o arrastrándose. Es algo muy emocionante. Se trata de una “mezcla de auriculares”, es decir, que si la escuchas con auriculares te darás cuenta realmente de la auténtica maravilla que hemos conseguido en lo que a sonido se refiere. El objetivo de un tema como “I Wanna Be Black” era animar un poco a todo el que lo escuchase. Ésa fue nuestra intención desde el principio, en un momento en el que la gente necesitaba un poco de optimismo, y creo que lo conseguimos.

TEMPORARY THING

– Una de mis canciones favoritas, que incluye la famosa frase: “Estoy seguro de que ni tu madre, tu padre ni tu hermano estarían de acuerdo conmigo, pero me da igual, porque ninguno de ellos es mejor que yo”. Fue un tema totalmente hardcore antes de que ese estilo surgiera con entidad propia.

SHOOTING STAR

– Algunos de los temas incluidos en el álbum Street Hassle se grabaron en directo. Después, sobre el tema original, añadí algunas otras cosas, no sólo en el tema que daba título al disco, “Street Hassle”, sino también en este caso, en “Shooting Star”.

LEGENDARY HEARTS

– Me gusta la idea que ofrece “Legendary Hearts”. Es como ver de cerca la historia de Romeo y Julieta en versión idealizada de West Side Story y después ver la versión que puedes encontrar en el Lower East Side de Nueva York, lo cual supone, por cierto, un gran cambio respecto a los personajes que aparecen en Berlin.

HEROIN

– Con dos guitarras, bajo y batería, cualquiera podría tocar una canción así, y ésa es una de las cosas que más me gustan de mi música. Aunque tengas el coeficiente intelectual de una tortuga puedes tocar cualquier canción de Lou Reed, de verdad… Para mí, los ritmos de tres cuerdas son suficientes, no me interesa aprender a componer con más cuerdas, prefiero dominar el sonido de tres. Si para John Lee Hooker era suficiente, también lo es para mí. Sin embargo, eso no quiere decir que no me guste la música de Miles Davis o Little Jimmy Scott, con los que he trabajado anteriormente (en Magic And Loss) o las canciones de Don Cherry, que participa en el tema “The Bells”. Disfrútala aderezada con un poco de sal.

CONEY ISLY BABY

– Creo que algunos sentimientos son algo universal. De vez en cuando, cuando tengo suerte, consigo sumergirme de lleno en esas sensaciones que casi todo el mundo comparte. No hay demasiados compositores a los que les guste escribir acerca de esos sentimientos para el público se identifique con ellos. A veces preferimos vincularnos a otras cosas que no sean sensaciones incómodas o poco agradables. No hay nada malo en esa actitud, pero de vez en cuando es interesante poder identificarse con una mayor variedad de situaciones y sentimientos.

THE BELLS

– En un principio, esta canción iba a ser una pequeña sinfonía con ritmo de rock. Cada canal, el izquierdo y el derecho, nos permite escuchar mundos totalmente distintos unos de otros. El resultado es una composición que está destinada a despertar una determinada emoción en todo el que la escuche. Cuando llega el momento en que empieza a sonar mi voz, suena como algo externo e impactante, y eso siempre me ha impresionado. Muchas veces, cuando estoy en el estudio, me pongo a escribir nuevas letras y surgen casi de repente, a la primera, y así es como surgen ciertas canciones, en tan sólo una toma. No grabo una segunda toma porque no soy capaz de volver a grabarlas. Ésta fue una de esas canciones. La grabé en directo, rodeado de un montón de gente y de micrófonos binaurales a mi alrededor. Tenía los cascos puestos de tal forma que podía escuchar exactamente el sonido que estaban recogiendo en ese momento los micros, y así podía ajustar mucho mejor mi interpretación. No dejes de escucharla, te gustará.

PERFECT DAY

– Si la gente se fijara atentamente en muchas de mis canciones no podrían evitar llevarse una enorme sorpresa. Este tema en concreto se hizo famoso gracias al éxito de la película Trainspotting. De repente descubrí que en ciertos momentos de mi carrera había compuesto algunos temas muy buenos, con un ambiente enfrentado al lado oscuro del auténtico príncipe de Nueva York.

SALLY CAN’T DANCE

– “Sally Can’t Dance” se centra en algo que ocurrió en el Lower East Side de Nueva York. En líneas generales lo que pasó fue que unos tipos mataron a una chica y metieron el cadáver en el maletero de un coche, donde la llevaron mientras ellos iban de fiesta en fiesta. La canción menciona los nombres de todas las discotecas y clubes que estaban de moda en aquella época. Fue la única vez que hice algo parecido, algo que se identificaba con un período concreto de tiempo. Incorporé lo que se llevaba entonces, las discotecas, el diseñador de moda más famoso del momento; en definitiva, todo lo que significaba estar a la última. El resultado es como un paseo por el ambiente nocturno neoyorquino, incluyendo el asesinato. Ésa es la razón por la que Sally no puede bailar, porque la encontraron metida en el maletero de un coche.

SATELLITE OF LOVE

– Me encantan los coros que realiza David Bowie en este tema. Desde luego, no es la clase de música que yo habría compuesto de haber tenido la oportunidad de trabajar durante un año con un programa de ordenador, pero David borda la interpretación. Además, posee una voz impresionante que es capaz de elevar hasta tonos increíbles. El resultado es un tema precioso en el que nos demuestra lo buen cantante que es.

NYC MAN

– La música de “NYC Man” es un sonido típicamente neoyorquino, yo diría incluso que destaca como un aire romántico y muy atractivo. Éste es el sonido que me viene a la mente cuando pienso en Manhattan.

DIRTY BLVD.

– “Dirty Blvd.” representa otro punto de vista diferente de Nueva York en un período diferente de la historia. Se trata de una de las canciones más difíciles que he compuesto, a pesar de que parece incluir un ritmo muy sencillo. En realidad es uno de los proyectos más complicados que he afrontado en toda mi carrera. Sólo tiene un ritmo de tres cuerdas y un estilo muy difícil de desarrollar.

ROCK MINUET

– Se trata de una canción muy sencilla acerca de un hombre y su padre. Me gusta la idea de volver a echar un vistazo a Edipo Rey. “Rock Minuet” es, al menos es como yo lo veo, una de las mejores canciones que he compuesto de esa clase, junto con “Street Hassle”. La veo como un examen muy serio de los sentimientos que muchos tienen hacia sus padres. Sé que mucha gente la comprenderá, aunque otros se sentirán molestos con ella. Por cierto, “Rock Minuet” incluye una parte de violín preciosa interpretada por la magnífica Laurie Anderson.

PALE BLUE EYES

– Existían dos mezclas, la japonesa y la norteamericana. Hemos podido volver a examinar ambas, para conseguir que esta versión sonara mejor que la que se incluyó en el álbum original, lo cual nos lleva hasta 1968… La verdad es que estuvo muy bien poder grabar este tema en 1968 y “Sweet Jane” un año más tarde, en 1969, ¿no te parece?

Xavier Valiño

CAMPUS GALICIA ENTREVISTA CON CHICO CESAR

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ENTREVISTAS 2003

Chico César, concertos máxicos

Explican dende a oficina que lle leva a prensa en España que non hai problema en entrevistar a Chico César porque con el hai “muy buena onda”. O músico brasileiro, que deslumbrara na praza da Ferrería de Pontevedra no pasado mes de agosto, está de novo en España ofrecendo concertos acústicos.

Volve a Galicia Chico César con só uns meses de diferencia. ¿Gustoulle a experiencia de tocar en Pontevedra?

– Si, moito. Foi un momento moi especial o de poder realizar aquela experiencia de convivencia nun escenario con diversos músicos de diversos lugares nunha actuación ao aire libre, nunha praza tan especial para a cidade… Foi moi importante para min.

Todos os que tiveron a sorte de asistir a aquel concerto falan de que non o esquecerán. ¿Que foi o que pasou niso que se chamou Cantos na maré?

– O que pasou foi que o concerto aconteceu xusto no momento no que os músicos subimos ao escenario. Antes diso non había absolutamente nada e, de súpeto, vivimos todos un momento máxico. Os músicos tocabamos, o público estaba moi atento… Non foi só entretemento o que alí se viviu. Eu creo que aquela noite vai ficar na memoria de todos os que estivemos alí durante moito tempo.

¿Que é o que ofrecerá desta vez Chico César?

­Desta vez é un concerto que forma parte dunha xira que estou realizando por toda Europa. Preséntome só cunha guitarra e interpreto cancións dos meus discos e tamén algunhas cousas inéditas.

¿Que lle parece a vostede o proxecto que está a liderar Lula no Brasil?

– Non creo que o que está a pasar no Brasil agora mesmo poida dicirse que é un proxecto de Lula. É un proxecto dos líderes do mundo, do Fondo Monetario Internacional, que é aplicado en Alemania, en Francia, en Portugal, en España… e en Brasil. Ese é o proxecto que hai, o proxecto que impón o capitalismo.

¿Que opina do boom que vive a música brasileira en todo o mundo? Parece exercer entre o público unha auténtica fascinación.

­Eu creo que iso de falar dun boom da música brasileira é cousa de alguén que a vive dende fóra. Eu que me criei oíndo música brasileira todo o tempo non podo ter esa percepción.

¿Non pensa que actualmente está máis de moda?

– É certo que se di moito iso de que a música brasileira está de moda e tamén é certo que podes atopar nunha praza de Roma a un rapaz do Xapón tocando un son brasileiro, ao mellor composto hai corenta anos. Neste sentido, está claro que a música brasileira ten hai tempo unha penetración moi forte no mundo enteiro. Pero tanto as xeracións que foron diante de min, a de Carmen Miranda e Antonio Carlos Jobim, como a seguinte, Caetano Veloso e Gilberto Gil, como incluso a miña xeración, atoparon un público e case sempre un público que xa disfrutara antes a nosa música a través de xeracións anteriores. Non é novo.

Belén López

CAMPUS GALICIA ENTREVISTA CON GORE GORE GIRLS

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ENTREVISTAS 2003

Gore Gore Girls, las chicas son guerreras

Después de su debut discográfico en el sello Get-Hip con Strange Girls, este trío femenino de Detroit vuelve con un nuevo disco Up All Night que presentan estos días en gira por España.

Habéis sacado dos discos con el sello Get Hip. ¿Cómo os ponéis en contacto con ellos?

– Amy: Les envié una grabación cuando nuestro trato con un pequeño sello discográfico en Detroit fracasó. Nosotras grabamos primero para Charles Records fuera de Detroit, pero el tío se echó atrás a mitad de camino. Yo estaba coordinando todo, ya que el tío era nuevo en el negocio. Así que todas las facturas estaban a mi nombre. De repente, este tío desaparece, no se sabe dónde está, no se encuentra en ningún sitio, no contesta a las llamadas, y las facturas estaban amontonándose. Get Hip mostró interés, estaban en nuestra honda, vinieron a por nosotras y lanzaron nuestro primer disco Strange Girls, y ahora el segundo, Up All Night. Get Hip ha sido de una ayuda increíble para el grupo, y han estado muy involucrados con nosotras. Ellos nos organizaron conciertos e hicieron bastante publicidad; además, son muy enrollados.

¿Cómo ha ido la grabación de “Up All Night” en los Ghetto estudios de Detroit con Jim Diamond? ¿Ha sabido captar el sonido y el espíritu de la banda?

– Amy: Jim es un estupendo ingeniero de grabación porque es simple, directo, y de verdad parece saber lo que tú quieres obtener. Ser un músico con talento también ayuda. Él organizó quién debía cantar en algunas de las partes armónicas que para nosotras eran difíciles de pillar por primera vez. Jim te deja hacer lo que quieres y tiene un amplio conocimiento de música. ¡Y él es rock!

Escuchando el disco, las canciones recuerdan a grupos femeninos de los 60. ¿Son esas vuestras principales influencias?

– Amy: Gore Gore Girls es un grupo de chicas moderno. No somos heavy metal o alternativas o nada aún no inventado, sólo somos las siguientes en la línea de los grupos de chicas de los sesenta de Detroit. The Marvelettes, The Shangri-Las, The Ronettes son algunos de mis favoritos grupos de chicas; añádele a The Kinks, The Gories y algo de Stooges, y tienes todo a lo que sonamos.

En el diseño de la portada del disco predomina el color blanco. ¿Es por alguna razón en especial?

– Amy: No, mi concepto para el disco era más estilizado que en Strange Girls. Me gusta el blanco para este disco. Estoy segura de que cambiará para el siguiente.

– Melody: Todo comenzó con las botas…

¿Qué lugar ocupa la imagen en el grupo? ¿Es realmente importante?

– Amy: Cada una de nosotras tenemos nuestra propia imagen, todas somos músicas y tenemos nuestras propias influencias. El talento y la habilidad juegan el papel más importante.

¿Que tipo de imagen proyectáis o os gustaría proyectar con vuestra música y en vuestros conciertos?

– Amy: Un grupo de chicas de rock con estilo, unidas, felices y alegres. Nosotras hacemos canciones que se pueden bailar y rockear también. Nosotras intentamos pasarlo bien, ser nosotras mismas.

– Melody: Cuando veo a la gente en la audiencia bailando y cantando mientras tocamos, no podría ser más feliz. También me gusta proyectar la idea de que somos mujeres fuertes, pero que podemos hacer rock y que tenemos talento. No putillas o demasiado directas en cuando a sexo, aunque, bueno, a veces quizás un poco…

¿Cómo serán vuestros directos en España?

– Amy: Más salvajes que el disco, más rockanrolero, menos pulido, eso seguro. Nos encanta tocar en vivo, ahí es donde esta nuestro punto fuerte.

¿Sentís que es más fácil o más duro ser un grupo de chicas para ser tratadas seriamente por los promotores y los medios de comunicación?

– Amy: Las chicas no son tratadas como artistas y músicas seriamente por los hombres y promotores. Son vistas como objetos o instrumentos que ellos pueden usar. Siendo chicas es más fácil conseguir un contrato para un concierto o para un disco, pero no el respeto que los hombres tienen. Eso cambiará. Nosotras estamos aquí, después de todo….

– Melody: Cuando la gente pare de hacernos esta pregunta, ahí es cuando realmente las cosas habrán cambiado.

¿A las chicas les interesa el rock and roll en EE.UU?

– Amy: Yo creo que en los Estados Unidos esta mezclado. Sí que hay más tíos interesados por el rock and roll, pero en general a la juventud americana le gusta más la música de baile y el techno. Aún así, viene más gente a los conciertos y esto suena a cliché y estúpido, pero el rock and roll nunca morirá: es honesto, no es basura, sigue adelante, es música que siempre tendrá un lugar en nuestra cultura.

– Melody: Pienso que en los EEUU hay un millón de diversas clases de chicas. Hay más chicas que están más metidas en el rock que hace 20 años, pero pienso que, en general, el amor por el rock and roll en los EEUU está muriendo. Esperemos que la creciente popularidad de bandas como Queens OF The Stone Age, Andrew W.K, Foo Fighers, Fu Manchu, White Stripes y otros haga espabilar a la gente y les hagan darse cuenta de que hay algo más que hip-hop, rap-rock y nu-metal.

Al final del disco aparece un corte en plan sorpresa, que no viene en los créditos. ¿Podéis explicarnos qué canción es?

– Amy: La canción se llama “King Kong Cock”. Es sobre tener al tío a tu disposición para sexo y sólo sexo. Pero no es el tamaño de la polla, es el agujero de la tía lo que importa, los detalles son basura. Es sucio, muy sucio… Pero si está dedicado a alguien que conozcas… ¡Házmelo saber!

Xavier Valiño/ Lilymunster

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