Categoría: Entrevistas 2003

ENTREVISTAS 2003

Elbow, almas divagantes

Tras el éxito de Asleep In The Back, Elbow regresan con un segundo disco, Cast Of Thousands, tan interesante como su debut y que presentarán en el Santi Rock. El interrogante a estas alturas es si se traerán a sus grandes mascotas, El y Bow.

– Empecemos hablando de Jimi Goodwin de Doves y su participación en el disco.

– Estaba en Liverpool esperando por su pasaporte y nos telefoneó para saber si podía pasar a ver lo que estábamos haciendo. Vino para un día, lo llevamos a comer en un restaurante que nos invitó -creo que ni sabían quiénes éramos- y le preguntamos si quería cantar en una canción que habíamos compuesto titulada “Grace Under Pressure”. Lo hizo y después salimos a emborracharnos. Fue un buen día.

– La otra participación curiosa en el disco de la del coro de gospel de la London Community. ¿Que hicieron exactamente?

– Probablemente son el coro de gospel más conocido que tenemos por aquí. Tocaron en “Tender” de Blur y en Ladies And Gentlemen We’re Floating In Space de Spiritualized. La idea era hacer un álbum menos oscuro que Asleep In The Back. Estos dos últimos años fueron maravillosos, así que no podíamos engañar a nadie. Tenía que ser más optimista y lo que ellos hacen eleva el espíritu con su sonido. Queríamos que estuvieran en el disco, y “Grace Under Pressure” era la elección obvia. Tiene una estructura simple y queríamos darle más profundidad. También había una línea en “Ribcage” -“when the sun shines” (“cuando el sol brilla”)- que trajo Guy Garvey y que pensamos que era también perfecta para el coro.

– En “Grace Under Pressure” habéis acreditado a 15.000 personas.

– Eso fue en el festival de Glastonbury. La tocamos allí y Guy preguntó al público quién quería estar en nuestro próximo disco, así que les hizo cantar aquello de “we still believe in love, fuck you” (“todavía creemos en el amor, que te jodan”). Cuando estábamos en el estudio nos pasaron la grabación de la BBC, porque ellos registran todos los festivales. Estaba en la línea de la canción. Pusimos una sección de cuerda para introducir la línea. Nos gusta mucho que estén ahí. Nos gusta escuchar el sonido de las multitudes. Habitualmente están en todos los discos en directo, pero nunca en uno de estudio.

– ¿Y cómo fue lo de utilizar vuestra página web para saber quién estuvo allí?

– Fue una idea que tuvimos. Ahí estaba toda esa gente cantando y no sabíamos quiénes eran esas 15.000 personas. Así que enviamos un correo electrónico a nuestros fans diciendo que íbamos a acreditar a todos los que estuvieron en Glastonbury. Al final aparecieron como unos 4.500. Es interesante coger la carpeta y ver los nombres de toda esa gente que nunca has conocido pero que saben de tu música y se preocupan para que su nombre esté en el disco. Y queda muy bien.

– Obviamente, ese hecho ha inspirado el título del disco.

– Sí, Cast Of Thousands -Un reparto de miles-. Queríamos involucrar a la gente. Mucha gente participó en él, lo que es una sensación estimulante. Además parecía encajar con dónde nos encontrábamos como grupo. Así que fue algo lógico.

– ¿Y qué me dices de la idea de colgar “Ribcage” gratis en Internet?

– Fue una forma de dar a conocer el álbum, para que, incluso la gente que no lo puede comprar, tenga una idea. Además, aunque nos gustaba, no podía ser el single, ya que dura seis minutos y medio, algo que sólo se pueden permitir Radiohead. La verdad no tenemos nada en contra de que la gente se descargue la música: lo van a hacer de todas formas. Personalmente, me gusta más ver la carpeta y tocar el disco. Pero en lo que un músico saca el dinero es tocando en vivo, así que todas los medios de promoción son buenos para que la gente vaya a verte.

– A veces os comparan con Doves o con Coldplay.

– No nos importa la comparación con Doves. En Manchester casi todos buscamos inspiración en los demás grupos. Es interesante ver cómo llevan las cosas. Mientras tomes algo de los demás y lo conviertas en algo tuyo, no está mal tener influencias. Además, nos gusta que nos influencien los amigos, como Doves. Con Coldplay no lo veo tanto. Si nos comparan a Doves, Radiohead o King Crimson, puedo ver la semejanza en la forma en la que experimentamos con los sonidos y los instrumentos. Eso no lo veo en Coldplay, que son buenos compositores, pero de una forma más tradicional.

– ¿Existe entonces una unión entre los artistas de Manchester?

– Sí, hay un bar al que vamos todos, llamado Big Hand. Doves pasan por allí, Alfie también, la gente de Twisted Nerve, Mani de Primal Scream… Aunque todos nos movemos en niveles diferentes, no hay jerarquías. Es como una comunidad. La gente está orgullosa de ser de Manchester. Cuando salgo fuera, no digo que soy de Inglaterra, sino de Manchester, y la gente sabe dónde está. Es una gran ciudad. Nos ayudamos unos a otros, incluso antes de tener un contrato discográfico.

– ¿Viste la película 24 Hour Party People? ¿Cuál es tu opinión de Tony Wilson?

– Sí, nos gustó mucho. Tony Wilson era un capullo, pero realmente intentó algo que fuera importante para él. Y lo cierto es que hizo algo grande con Factory Records y la sala Hacienda. Fue una pena que todo saliera mal al final. Era algo de lo que sentirse muy orgulloso siendo de Manchester. Después de la película, muchos mejoramos la opinión que teníamos de él.

– Las mascotas que aparecen en la portada, El y Bow, de las que habéis hecho reproducciones a gran tamaño, tuvieron un encontronazo con la policía, ¿no?

– Estaban al lado de la autopista, en un descampado. La gente reducía la velocidad para verlas, porque pensaban que se trataba de alienígenas, y había verdaderos atascos. La policía tuvo bastantes llamadas, así que tuvimos que sacarlas. De todas formas, hemos hecho una sesión de fotos allí, con ellas. Han estado con nosotros en todos los festivales. Son dos miembros más del grupo.

Xavier Valiño

ENTREVISTAS 2003

Junkie XL, desde la cabina del infierno

Junkie Xpander Of Limits -antes, Junkie Extra Large-. Un alquimista maestro, un demonio de la electrónica y rompedor de la barrera de sonido, Junkie XL es el científico que electrificó al Rey haciéndole cantar y mover la pelvis más allá de la tumba. Es un moldeador; un ingeniero híbrido que puede fusionar los ritmos agitados del house con el rugido del rock, abriendo los espacios de los ritmos y con un nervio que le permite alcanzar las consideradas inalcanzables barreras de la música house. Mejor conocido por su remix de “A Little Less Conversation” de Elvis, que llegó al nº 1 en 24 países, su carrera abarca mucho más.

“Me llamé a mí mismo Junkie X desde el punto de vista que una vez que estás agotado por el trabajo no quieres volver allí,” explica cuando se le recuerda su laborioso pasado. “XL significa ‘(e)xpanding limits’ (límites que se expanden), extender y abrir más tu visión.”

Radio Xl: A Broadcast From The Computerhell Cabin es el impresionante nuevo trabajo del holandés Junkie XL. Pero eso no es todo. Un concepto nacido en la era digital, también constituye la mezcla radical de Tom de audio y ciberespacio, creando simultáneamente un disco doble y una emisora de radio virtual que retransmite desde www.radiojxl.com, la nueva página web interactiva de Tom.

El primer CD, llamado 3pm, simula la experiencia radiofónica durante el día. Desde su introducción demoledora hasta su cierre digital, Tom ha invitado a varios de sus héroes musicales a su emisora, entre los cuales están Chuck D de Public Enemy, Gary Numan, Terry Hall, la leyenda del soul Solomon Burke, Saffron de Republica, Grant Nicholas de Feeder, Anouk, los eléctricos Infusion y el fallecido artista reggae Peter Tosh.

El segundo CD, 3am, se adentra en la personalidad nocturna de Junkie XL, una odisea que se construye lentamente demostrando las cualidades de productor de Tom que le han hecho uno de los artistas de la música electrónica de baile más importantes. Hay un tercer disco que sólo se consigue en su web. Pero ahora escuchemos que tiene que decir de sus invitados y las canciones que cada uno interpreta.

DAVE GAHAN: “Reload”. El cantante de Depeche Mode es, desde siempre, uno de los héroes de Tom. “Es un tipo de canción que Dave normalmente no cantaría y eso, creo yo, es lo bonito de “Reload”. Es una canción muy funky, con unas guitarras más funkies todavía y un coro en el que todo termina explotando. En resumen, una canción de contrastes, donde la voz de Dave da una atmósfera realmente oscura y sombría a un tema muy animado… Depeche Mode fueron totalmente determinantes para crear lo que, en mi opinión, debería significar la electrónica en el pop”.

ROBERT SMITH: “Perfect Blue Sky”. “Es un tema electro con ligeras variaciones de ritmo y sentimiento. Fue divertido; cuando la escribí, se la hice escuchar a unas 10 personas diferentes y todas dijeron que era un tema que Robert Smith de The Cure debería cantar. Es una canción de amor al estilo Robert Smith. Su voz es increíble, cuando empieza a cantar no hay manera de meter nada más, es su voz y nada más. ¡Dios Mío, Robert Smith ha cantado esta canción!”

SAFFRON: “Crusher”, “Spirits”, “Beauty Never Fades”. Saffron fue la voz de Republica y mantiene un carácter bastante punk. “Crusher” nos muestra a esta dama del rock lista para comenzar un bombardeo de ritmos electrizados. “Spirit” endurece las cosas en un modo de reggae macarra mientras que el éxito discotequero “Beauty Never Fades” muestra sus encantos oscuros en un balance sutil de oscuridad, drama y gracia.”

PETER TOSH: “Sleepy Policeman”. Aunque fue asesinado trágicamente en 1987, Peter Tosh sigue siendo una de las voces más poderosas del reggae. “Un amigo mío grabó una vez en Jamaica en los años 70. Me dijo que podía echar un vistazo en su estudio porque aún tenía varias sesiones en multi-pista junto a Peter Tosh, Sly Dumbar y Robbie Shakespeare. Yo pensé que estaba bromeando. Realmente quería hacer un tema veraniego con ritmo relajado y acabó saliendo naturalmente. Casi parece que grabó la voz explícitamente para la canción.”

GARY NUMAN: “Angels”. El innovador de electro-pop reinventado como dios del rock, Gary Numan es una leyenda. “Comprar Are Friends Electric? en 1978 cambió mi vida. Tenerle en el estudio trabajando conmigo fue una experiencia abrumadora. ¡Joder, trabajé junto a Gary Numan! Gary Numan admite que “Angels” es su mejor grabación vocal en años. Sus tonos inimitables se envuelven muy bien con la base electrónica, la atmósfera gótica y las melodías oscuras.”

CHUCK D: “Access To The Excess”. Pionero del hip-hop y estandarte político descrito por Spike Lee como “uno de los artistas que más tiene conciencia social y política de cualquier generación”, Chuck D es inspirador. “Access To The Excess” sigue mostrándonos al líder de Public Enemy diciéndole al mundo qué hora es. Chuck critica la carencia cultural del hip-hop de hoy en día mediante una llamada a la acción sobre ritmos pesados y digitales del Computerhell Cabin.”

SOLOMON BURKE: “Catch Up To My Step”. “Uno de las cuatro o cinco personas en América que realmente inventaron la música soul. Solomon Burke es el auténtico Rey del Rock‘n’Soul, una montaña humana y un coloso siempre fresco que sigue callando a los que pretenden serlo. “Catch Up To My Step” es una canción construida sobre toques blues y ritmos de rock bastante movidos, combinando la presencia enorme de la voz de Burke, que sigue demostrando por qué sigue siendo una gran fuerza.”

TERRY HALL: “Never Alone”. El héroe original de 2 Tone vuelve a sus raíces de ska por primera vez desde sus tiempos junto a The Specials. “Me pareció que con Terry sería genial hacer algo que mezclase el dance con el ska. La primera vez que escuchó la canción le costó mucho no empezar a cantar el “Gangsters” de The Specials. Luego vino a Ámsterdam y empezó a cantarlo de nuevo diciendo: ‘¡Mierda lo he vuelto a hacer!’.”

INFUSION: “Nightmares”, “Aqua Man”. La sensación de la música dance de Australia. “Nightmares” es un viaje electrónico excitante, una mezcla experta de dinámicas dance con sensibilidad en las melodías. “Aqua Man” se mete en aguas más tranquilas, fusionado tiempos tranquilos y elementos acústicos alrededor de fantasías sobre súper-héroes.”

ANOUK: “Between These Walls”. “La cantante holandesa Anouk es bien conocida por su libertad con su música y su imagen, siendo la personalidad principal del rock holandés. En “Between These Walls” sus cadencias poderosas aferran su enfoque emocional alrededor de una base tranquila y esparcida. Es un tema de pop emotivo con un mensaje que nos implora.”

SHELLEY HARLAND: “Rivers”. “Nacida en Inglaterra y residente en Nueva York, Shelley Harland ha obtenido buena reputación en la escena del dance habiendo colaborado en temas de Joshua Ryan y Pete Fólder, además de haber grabado un disco que saldrá dentro de poco. También es una artista de sensibilidad emotiva y gran profundidad, como demuestra aquí, en “Rivers”, una mezcla preciosa y casi sin ritmo de ambientes glaciales y voces etéreas.”

GRANT NICHOLAS: “Broken”. “Cantante del grupo Feeder, Grant Nicholas tiene un buen pedigrí por haber inspirado composiciones emotivas. Con la canción que cierra el disco 3pm, “Broken”, Grant se muestra más pensativo y algo distinto a cómo suele ser en su grupo de rock, cantando tiernamente sobre otra base melódica con poder emotivo.”

Xavier Valiño

ENTREVISTAS 2003

Medusa, amanece

Vigo. Verano del año 2000. Dos amigos componen una canción, “Que estalle una bomba”. Deciden formar una banda. Se llaman Starluxe. El productor Javier Abreu se fija en ellos, se involucra en sus proyectos y los pone en contacto con Dro. Starluxe se convierte en Medusa que, nada más nacer, se enfrenta a una gran prueba de fuego: telonear a Oasis en su concierto de Vigo.

Este año lo empiezan lanzando un EP con cinco canciones. La primera: “Que estalle una bomba”. “Al principio éramos Eladio (Santos) y yo (Javier Lado) en Brandell Mosca. En ese grupo, en el que se componía en inglés, escribimos las primeras canciones y nos dimos cuenta de que teníamos bastante que decir en castellano”.

Y en un estilo muy diferente al que seguía Brandell Mosca. “Sí, es cierto. Predomina esa idea en la música de que si un grupo canta en inglés y decide pasarse al español simplemente tiene que traducir las letras. Y no. De hecho, para mí, pasar a cantar en español es como volver a empezar. Incluso iría más lejos… En algunos casos un idioma marca un género porque no se pueden cantar tangos en inglés y flamenco en alemán”, dice Santos.

“Por eso, de repente, lo que hacíamos era completamente diferente. No sólo estábamos ante una letra en español. A todo el mundo que quiera cambiarse de idioma yo les diría que se olviden de todo lo que han hecho antes y empiecen de cero”.

Medusa cuenta con un padrino mítico, el productor vigués Javier Abreu. “No sólo nos produce. Fue el que recogió un poco la idea del grupo cuando estábamos a punto de tirar la toalla. Nos pusimos en sus manos y todo empezó a funcionar”.

Y ahora buscan el triunfo lejos de las academias televisivas. “Esos chicos tienen su camino y nosotros el nuestro y no se cruzan en ningún momento. En realidad, compiten entre ellos. No nos estorban. Lo que sí apreciamos en este caso es que se ha invertido el proceso. En vez de ser la fama el último paso, aquí es el primero. Después es cuando llegará, si llega, la creación”.

¿Habrá gira de Medusa? “Queremos ir paso a paso, poco a poco. Primero formamos un grupo sólido. Ahora el EP está en las tiendas. Después saldrá un LP. Y luego… gira. Pero cuando empecemos los directos queremos sonarle a la gente. No salir de la nada”.

Repasemos las canciones de un disco “dedicado al azul del mar, hoy teñido de luto”. “Que estalle una bomba”: “Es la primera canción que hicimos. Por eso nos interesaba que fuese la primera del EP. En realidad, fue una canción que se hizo en otro grupo. Fue la excusa para crear una banda nueva, el punto de partida de Medusa. En ese momento decidimos eso, “vamos a hacer canciones como ésta”. La letra también refleja una ruptura con todo lo anterior… y pone de manifiesto nuestras ganas de que pasara algo”.

“Nena”: “A nosotros nos gusta dedicarle esta canción a un hombre. De hecho, en los conciertos solíamos dedicársela a un ministro refiriéndonos a su presunta homosexualidad, ya sabes, eso de “no te cansas de esperar el tren que nunca va a pasar”. Todo lo que es la palabra nos suena un poco antigua, un poco machista. Nena. Es muy aplicable a muchos hombres. Casi todos somos muy nenas. La mayoría”.

“Ponte ciega”: “Es una canción muy antigua. Se compuso antes incluso de que existiese Brandell Mosca. La hemos grabado mil veces en casa. En principio no teníamos mucha intención de meterla en el disco pero… como nos la sabíamos y eso (risas). No, en serio, creemos que es de las que mejor han quedado. Es muy violenta en el sentido de que es dura de oír. Puede chocarle a la gente, pero eso entra dentro de la filosofía del grupo. Queremos chocar, que la canción te provoque cosas, que te haga sentir, que te conmueva”.

“Déjanos en paz”: “También es de las primeras canciones que compusimos. Es muy clara. Se trata de una reacción ante todo lo políticamente correcto. Al principio, en el círculo de amigos, cuando montamos el grupo, nos querían decir cómo teníamos que hacer las cosas. Incluso, muchos de los que ahora son fans, nos decían que el grupo era un paso en falso. Les contestamos eso: déjame buscar en todas las direcciones antes de cortarme el rollo, si ya alcanzaste lo insuperable y estás cansado déjanos en paz”.

“No amanece”: “Es de Nillo. Es la canción diferente, la más atmosférica. Y sin embargo, sigue teniendo un punto de unión con el resto de los temas. Es una canción de amor que fue elegida como fondo musical para unas imágenes sobre la marea negra en Televigo. Fue una buena elección porque es un tema muy gráfico, lleno de imágenes, que tiene un punto surrealista”.

Unos meses más tarde editan su segundo EP. La conversación continúa, por lo tanto, después de un tiempo.

¿Qué hay de nuevo en el segundo EP con respecto al primero?

– ­El primer EP pretendía ser un ejercicio de total y absoluta honestidad. Allí se quería reflejar al grupo tocando. El segundo adelanta lo que puede ser producir al grupo. Tenemos más arreglos. Y para compensarlo, incluimos dos temas en directo. Si algún día el grupo llega a ser famoso e importante, este segundo EP sería una rareza. Es quizás más atractivo que el primero.

Eso se llama saber venderse.

– ­Pero es cierto, aunque las canciones del primero eran canciones más antiguas y estaban más consolidadas. Este segundo es más experimental.

¿Cómo es Medusa en directo?

– ­Debe ser un poco impresionante (risas). No, lo decimos porque estamos vendiendo muchísimos discos. Es cierto. No lo decimos de forma gratuita. Bueno, muchísimos discos… Se entiende, para ser discos vendidos en conciertos. En cada actuación no bajamos de quince copias. De hecho, de uno de los EP no quedan. Bajo nuestro punto de vista eso es bueno porque quiere decir que el grupo convence. Lo habitual, aunque te guste mucho la banda que estás viendo y no sea un disco caro, es que pienses, bueno, ahora me gasto el dinero en copas y ya me lo compraré.

O sea, que debéis salir a morir.

– ­Es que además teníamos muchísimas ganas de salir a tocar. Ésta es una gira muy esperada por parte del grupo. Estuvimos un año componiendo y grabando. Por eso teníamos tantas ganas de tocar en vivo. Y nos va tan bien que incluso pensamos que el grupo se entiende mejor en directo que en los discos. Cuando te ve delante es cuando la gente se da cuenta de lo que ofreces. Un ejemplo es lo que le pasó a nuestro manager. Le gustaba mucho la maqueta que le habíamos mandado pero no se podía plantear cómo aquello se podía llevar al directo. Sin embargo, cuando nos vio, se dio cuenta de todo, alucinó. A veces eso pasa. Tú, ¿cómo te imaginas a los Smiths? Los vas a ver y flipas. Existen. Como nosotros, igual, que somos un grupo real y tangible.

¿Para cuando el LP?

– ­El Long play. Long Play lo llamaremos. Pues en teoría lo empezaríamos a grabar este mes y en septiembre estaría en la calle. Lo prepararemos entre Madrid y Vigo y esperamos tenerlo listo para en Navidad estar metidos ya en campaña de conciertos. Hombre, estaría bien que antes la gente, al conocernos tras esta primera gira, nos lleve a sus bares y eso. ¡Que nos llamen!

Belén López

ENTREVISTAS 2003

Elliott Murphy, haciendo surf por el pasado

EL 2003 marca el treinta aniversario deL primer álbum DE Elliott Murphy, Aquashow (1973), por lo que se puede decir que su carrera y la de Bruce Springsteen, que empezó en la misma época, guardan más de un paralelismo. El año pasado vio la luz su últimos disco, Soul Surfing, el número 22 en su discografía, que cada vez es más confusa.

Mientras Springsteen se hizo con un hueco entre los artistas que llenan grandes estadios, y de los que todos conocen perfectamente su discografía, Elliott Murphy ha permanecido en un discreto segundo plano, editando buenos discos en compañías distintas y viviendo en Paris.

En el año 1982 editó Murph The Surf, disco que nunca estuvo disponible en compacto en España, y que ahora aparece por fin gracias a Dusty Roses, la discográfica que lo apoya incondicionalmente desde hace unos años desde Oviedo. Esta nueva edición aparece, además, con nueva portada y un tema extra.

El propio Elliott Murphy explica lo que significó este disco en su trayectoria: “De alguna forma, éste fue mi álbum de regreso. Después de mis cuatro discos con las multinacionales en los años 70 (Aquashow, Lost Generation, Night Lights y Just A Story From America), me quedé a la deriva en el Océano Independiente”.

“Murph The Surf se grabó en Nueva York en Sundragon Studios con la banda con la que estaba girando en aquella época,” continúa, explicando quien estaba con él en aquellos días, “un grupo que consistía en Ernie Brooks al bajo, Richard Sohl a los teclados y Jesse Chamberlain a la batería. Tony Machine también tocó la batería en algunos temas, pero estaba dividiendo su tiempo entre David Johansen y yo. Y el vanguardista Peter Gordon añadió un poco de saxo y también de teclados. Resulta difícil de creer que ahora tanto Jesse Chamberlain como Richard Sohl hayan fallecido. Conocí a Jesse cuando él tocaba con Ernie y Chris Spedding en The Necessaries, y Richard Sohl venía de The Patti Smith Group, aunque ya lo conocía de antes. Todos hicimos muchas giras juntos y un montón de conciertos en Tramps, que era mi lugar habitual en Nueva York cuando vivía allí a principios de los 80. Tocábamos en Tramps cada jueves por la noche y parece que siempre llovía. Echo de menos a Jesse y Richard, y espero que sus espíritus vivan en este álbum”.

Con relación al disco, parece que está entre el predilecto de mucha gente. “Alguna gente me dice que Murph The Surf es realmente su álbum favorito, y especialmente canciones como “The Fall of Saigon”, “Continental Kinda Girl” y “Dusty Roses”. Aún toco muchas de estas canciones en mis conciertos, y probablemente añada más. “Garden City” trata sobre mi lugar de nacimiento en Long Island y espero llegar a cantar la canción ahí también. La foto de la nueva portada se hizo en Italia durante mi primera gira por allí, en la época de Murph The Surf. La foto se usó en un disco pirata, Live In Italy, y desgraciadamente el Alfa Romeo Spider en el que estoy sentado no es mío”.

Esta reedición incluye un inédito,“In A Minute”. “No estaba en el álbum original y no sé por qué. Me suena mejor hoy en día que antes. “Saigon” sigue siendo mi canción favorita del disco. Recuerdo que mis managers entonces me decían que nadie quería oír canciones sobre la guerra de Vietnam. Pocos años más tarde mi amigo Bruce Springsteen publicó Born In The USA y cambió la perspectiva histórica del rock’n’roll”.

Además, parece que la recuperación de aquel disco tendrá otras consecuencias más prácticas. “El año pasado empecé a hacer surf de nuevo… ¡Espero que la reedición de Murph The Surf me ayude a hacer un “hang 10” una vez más!”

Xavier Valiño

ENTREVISTAS 2003

Kings Of Leon: “Hay pastores y adictos al crack en nuestra familia”

Esta misma semana está de gira por nuestro Estado la banda revelación del 2003 en cuanto a rock clásico se refiere. Sus canciones remiten a Creedence Clearwater Revival, Allman Brothers y buena parte del rock sureño de los 70. Kings of Leon presentan su primer disco, Youth & Young Manhood y nos cuentan la historia del grupo.

Kings of Leon es una joven banda del estado americano de Tennessee. Son tres hermanos: Caleb (voz y guitarra), Nathan (batería) y Jared (bajo) Followill, además de su primo Matthew Followill en la otra guitarra. Su primer disco Youth & Young Manhood muestra que sus canciones se basan en emociones brutas y ritmos básicos. Kings of Leon (que tienen ese nombre porque tanto su padre como su abuelo se llamaban Leon) es una banda diferente, más clásica.

Ellos mismos cuentan su historia. “Nuestro padre era misionario da iglesia Pentecostal, lo que nos hizo crecer en la carretera entre Oklahoma City y Memphis, para allá y para acá, hasta 1998. Jared y yo nacimos en Memphis, Nathan y Matthew en Oklahoma,” comenta Caleb.

“No teníamos una casa de verdad,” continúa Nathan. “Nos quedábamos con parientes en las dos ciudades. Vivíamos en el asiento de atrás de los coches. Durante cuatro años tuvimos un trailer y, durante otros diez, o la iglesia nos alojaba en un hotel o nos quedábamos en la casa del pastor. Fue lo que hicimos durante toda la vida. Nuestro padre trabajó en una iglesia en Mumford, en Tennessee, de 1986 a 1992. Está a 30 minutos de Memphis. Allí frecuentamos la misma escuela durante unos cuatro años, con los mismos colegas, por primera vez. Además de eso, teníamos clases en casa.”

Su primer contrato estaba al caer. “De allí marchamos para Nashville, hace dos años y medio,” prosigue Caleb. “Comenzamos a componer y, un año después, la RCA nos contrató.”

La actividad de su padre no fue en vano. “Comencé a tocar en la iglesia a los siete años, en la batería,” asegura Nathan. “Mi madre tocaba el piano antes de los sermones de mi padre. Caleb comenzó a tocar, al verme, también en la iglesia.” Caleb continúa: “El sonido en la iglesia es bueno, parece blues. Las personas no siempre tocan bien, pero con todos juntos siempre se logra un sonido espectacular.”

Nathan también tiene su versión. “Nuestra música tiene muchos de esos elementos. A la iglesia la gente va por el culto, no por la música. Uno se aproxima mucho a quien toca con él, no existe una presión, nadie va a ser recriminado por equivocarse. Eso hace más fácil nuestro trabajo como banda. No tenemos esa preocupación de equivocarnos. Estamos allí sintiendo la música, en vez de preocuparnos. Era maravilloso tocar en la iglesia: canciones de 15 minutos y las personas juntas, bailando.”

Curioso detalle, el de Kings Of Leon como adeptos a las músicas de color. “Es nuestro tipo de música, el gospel; parece los Rolling Stones con un cantante diferente en cada canción,” apunta Caleb. Nathan insiste: “No desistimos de nuestra música; estaba con nosotros todo el tiempo. Pero que conste que Aretha Franklin era miembro de la Iglesia y Al Green también. No queremos que nos vean como una banda de iglesia, pero no tenemos miedo de admitir que nuestras influencias tienen mucho que ver con nuestro pasado. Ahí descubrimos la libertad de ver la religión de la manera que nos pareció mejor. Fue cuando profundizamos más en Led Zeppelin, los Stones, Tom Petty… Cuando oigo a los White Stripes me sorprendo porque pienso que podemos hacer eso, y, tal vez, hacerlo bien.”

No todo es religiosidad. También hay experiencias mucho más terrenas en su música. “Molly’s Chambers” trata de una joven de las que, si aparece en tu vida, no puedes dejarla pasar. Ellas pueden complicar tu vida, mas vale la pena. La música intenta reproducir el sentimiento de como ella te puede,” dice Nathan. “Wasted Time” habla de las personas que intentan ser lo que no son, y “Wicker Chair” va de ver a alguien autodestruirse, sabiendo que no se puede hacer nada al respecto. Es algo melancólico. “Holly Roller Novocaine” es nuestra canción más personal.”

¿Y cuál es su interés al componer o grabar discos? “No pensamos en lo que va quedar en el oído de las personas,” dice Nathan. “No es eso. Nos preguntamos cuál es la mejor manera de poner lo que sentimos en la canción.” Caleb añade: “Nuestro interés es grabar discos. Si ves una buena película, oyes canciones lentas y rápidas. Si la película es mala, todas las canciones serán rápidas. Si la película es exagerada, todas serán lentas. Quiero que nuestros discos sean como buenas bandas sonoras: quiero que esté todo allí, todas las partes de la vida.”

Además de serlo, se sienten diferentes. “Hoy en día, muchos artistas muestran su alegría durante todo el disco o lloran todo el tiempo. No somos así. Nos gustan las variaciones,” asegura Nathan. Caleb lo corrobora: “Somos diferentes de la mayoría de las personas. Éramos muy pobres, nunca tuvimos nada. No somos nada arrogantes, somos normales, con los pies en el suelo. Hay pastores y adictos al crack en nuestra familia.”

Xavier Valiño