CAMPUS GALICIA ENTREVISTA CON ANGELIQUE KIDJO

ENTREVISTAS 2002

Angelique Kidjo, el África brasileño

En su sexto disco, Black Ivory Soul, la cantante de la República africana de Benin Angelique Kidjo explora las relaciones entre la música de África y Brasil, concretamente entre su país de origen y la ciudad del nordeste brasileño Bahía.

Este sexto disco incluye un serie de ritmos africanos y brasileños interpretados por algunos de los mejores músicos de ambas procedencias. El álbum incluye, entre otras, colaboraciones de Daniela Mercury, Carlinhos Brown o Vinicius Cantuaria, así como una canción de Gilberto Gil y una versión del francés Serge Gainsbourg. Como ya viene siendo habitual, canta en inglés, francés y los idiomas africanos yoruba y fon.

Respecto al concepto que late detrás del álbum, Angelique Kidjo explica que “la música no es sólo emoción y ritmo. Es algo que habla de una cultura y su gente. No sólo cura el dolor y une a la gente. Es un lenguaje que va más allá del color de la piel, el país o la cultura. Quiero inspirar a la gente para que piense en la pobreza, la libertad y la familia a un nivel más profundo.”

La génesis de este disco tiene bastante que ver con la ciudad de Ouidah en Benin, en la que nació. “Crecí rodeada de niños de Benin y de Brasil,” explica, recordando que el lugar es conocido por su mezcla cultural.

Parte de sus antepasados son portugueses e ingleses, lo que la convierte en una ciudadana del mundo. “Escuchaba la música tradicional que los descendientes de Bahía tocan en Benin. Se le llama bouniyan y su ritmo es muy cercano al samba. De hecho, cuando llegué a Francia en 1983, escuché música de Gilberto Gil y Caetano Veloso y me dije que aquella era la música de donde venía.”

La cantante visitó Brasil por primera vez en 1996, cuando estaba de gira con el guitarrista y vocalista de Mali Ali Farka Touré. En 1999 visitó Bahía por primera vez. “Aterricé allí y me sentí como en casa. Nunca había sentido algo igual excepto cuando vuelvo a mi ciudad. Los olores eran los mismos, el color de la vegetación era el mismo, la comida era la misma.” Todas estas similitudes le impulsaron a trabajar en un disco que explorara las conexiones entre las músicas exuberantes y basadas en la percusión de Brasil y Benin.

Excepto algunos retoques en las voces, es la primera vez que Angelique Kidjo graba un disco totalmente en directo. “Era muy importante grabarlo así,” comenta. “Hicimos algunos ensayos y después nos metimos en el estudio. Me gustó mucho más así porque suena mucho más orgánico.”

El tema que da título al disco, “Black Ivory Soul”, tiene un ritmo de afro-funk y parte de una afirmación en la que alguien comparó el ritmo de makossa que hace Manu Dibango con el alma negra de marfil. “Es una canción que trata de ser fiel a ti mismo. También de dar las gracias por cada día que vives.”

La tranquila “Okanbale” está dedicada a su padres, hermanos y hermanas. “No estaría aquí si mi familia no me respaldase,” dice, recordando que su carrera se inició en medio de una fuerte controversia en su país. “En Benin, las mujeres que cantan son consideradas putas o drogadictas. Pero mis padres se convirtieron en mis críticos, mis mánagers y mis productores. Fue una bendición que me apoyasen incluso en contra del resto de la sociedad. Me dieron el coraje suficiente para seguir adelante.”

La banda que la acompaña no ofrece un respiro a lo largo del disco. Una de las primeras canciones que escribió fue, precisamente, “Bahía”, aquella que forma el núcleo conceptual de Black Ivory Soul. Se abre con su voz, estalla en ritmos bailables y está cantada en yoruba. “Hablo de que todos somos amigos y de que ya es tiempo de volver a casa y ocuparnos de amarnos unos a los otros. Esta canción representa el tema del disco de unirse en el goce y el amor.”

La versión de Gilberto Gil, “Refavela”, es otro de los momentos destacados del disco. “Grabé esa canción porque describe lo que Gilberto Gil escribió justo después de visitar Benin. Trata de rediseñar las favelas, que, como sabes, son los barrios en los que vive la gente pobre.”

Xavier Valiño

CAMPUS GALICIA ENTREVISTA CON EL PUTO LA FAMILIA

ENTREVISTAS 2002

El Puto / La Familia, rap con sol

El Puto Coke es ya una referencia del rap en Galicia. Ahora presenta su tercer disco en solitario, Un rayo de soul, y el primero con su grupo La Familia.

¿Tu tercer disco, Un rayo de soul, está más cercano al soul?

– A lo que el soul como estilo musical se refiere, no. Las influencias que el mismo rap ya tiene de por sí del soul, en mayor o menor medida, están ahí. Pero no es por eso lo de un rayo de soul: el título se refiere a que es un disco en el que puse el alma de una forma contundente.

Esa canción es, precisamente, la más oscura. ¿Por qué le da título al disco?

– Fue la primera que hice del disco, y mi vida, que es lo que reflejo en mis raps, estaba en ese punto: tenía mis ralladas y ahí las expreso. El resto del disco es lo que se desencadeno después: fiesta y más fiesta para olvidar. De ahí que sea una canción distinta al resto del disco, pero, a la vez, la más representativa a mi parecer.

¿Qué otras diferencias hay con los dos discos anteriores?

– Antes era más existencialista, más oscuro. Eso fue cambiando hasta hacer un rap más fresco. Pero lo que sucede es que lo que ahora hago se parece más a las primeras cosas que grabé. Son etapas por las que paso y que me dan que pensar que el futuro puede deparar muchos más cambios. Y es que hay grupos que llevan una línea y yo no. Por lo menos hasta ahora.

¿Es "Con acento" una canción en la que se adelanta por donde va a ir tu música en un futuro?

– No necesariamente, porque rapear con acento no lo voy a hacer todo el rato. Y en cuanto al estilo de las producciones, es algo que varía con el tiempo.

¿Por qué no cuentas con un productor?

– Responderé con otra pregunta: ¿Para qué? Me gusta más el producto que hago si es lo más cien por cien mío que pueda, ya que es lo que me gusta y sé cómo hacerlo. Contar con peña está guay también, pero para mí no es necesario.

¿Cómo te gusta que sea el sonido?

– Depende, porque hay discos con sonido guarro que molan y discos que alucinas al escuchar el sonido. Pero, al margen de esto, me gustan las mezclas duras normalmente.

¿Por qué te decidiste a grabar en Londres?

– Porque me salía más barato el viaje y grabar allí que hacerlo en España.

¿Cómo surgió el contacto con DJ Vadim?

– Vino a actuar en el mismo concierto que yo en Redondela y, luego,Roty340 se fue a vivir a Londres, donde se consagró la amistad con él y con Yara Bravo, su mujer.

¿Por qué ahora el cambio de El Puto Coke a El Coke en tu tercer discos?

– Ahora me llamo El Puto artísticamente y Coke me lo reservo como nombre personal. Fue porque no me gustaba ya el nombre de El Puto Coke, como no me gustaba mi melena y me la corté, como no me gustaba mi situación personal y la cambié. Fue un cambio general.

¿Cómo está la escena en Galicia? ¿Qué grupos destacarías?

– Pues en primer lugar está la peña que lleva tiempo, como El Seis o El Rack, y que tarde o temprano saldrán a la luz por su peso. Después está la peña que lleva menos, pero que no hay que tomar a coña, porque evolucionan muy rápido, y en Vigo por lo menos estoy viendo que abundan y alguno le pega bastante.

¿Cuándo fue compuesto el disco de La Familia?

– Del 2000 al 2002. Son temas hechos una tarde. Los hemos editado para que, antes de que salga el disco bien trabajado, la peña escuche lo que estuvimos haciendo a nivel de maqueta.

¿Qué diferencia hay a la hora de trabajar en grupo?

– Nosotros estamos muy compenetraos y, a la vez, nos hemos acostumbrado a hacer temas rápido. Por eso cuando nos ponemos mola, pero el caso también es ponerse. Y contar con cuatro personas es depender de ellos. No sé: eso es relativo. También está claro que tres voces se agradecen.

¿Has quedado contento con ese disco?

Mucho, lógicamente. Le saco defectos, pero viendo lo que hay por ahí, lo mío es cojonudo.

Por último, ¿qué se puede encontrar quien vaya a ver un concierto de El Puto o de La Familia?

– Potencia, alma, risas, makarreo…

Xavier Valiño

CAMPUS GALICIA ENTREVISTA MAXWELL

ENTREVISTAS 2001

Maxwell, sensualidad a flor de piel

Con el malicioso y chisporroteante funk de "Get To Know Ya" el primer single de Now, Maxwell anuncia su vuelta de forma sensual. Mientras que una sección de vientos entremezcla balanceándose, Maxwell aclara que para él la atracción sexual implica comprender a una mujer y no convertirla en un objeto. Este tipo de actitud romántica anticuada se funde con un sonido totalmente moderno que es lo que ha contribuido a que Maxwell se destaque entre un buen número de artistas de soul. Y eso es lo que hace que Now, su tercer disco en estudio, sea el más sofisticado y el más sexy.

Después del éxito de Urban Hang Suite en 1996 y Embrya en 1998, así como el directo MTV Unplugged de 1997, Now es conceptualmente más simple aunque, al mismo tiempo, representa un salto hacia la conciencia. "Now se refiere a la energía de un momento a otro", dice el cantante y letrista. "Y en sí mismo puede ser una idea compacta así como un disco de concepto. Mientras que mi primer disco trataba sobre un concepto específico, las relaciones de amor, este disco trata más de tener experiencias y escribir sobre ellas más que sobre seguir consejos maravillosos. Se aferra a la idea de que hay que dejar que las cosas ocurran en vez de ser precavidos o artificiales".

Maxwell, quien casi anunció sin ayuda de nadie una nueva era dorada del soul cuando lanzó Urban Hang Suite en 1996, no es un hombre que se quede quieto mucho tiempo, ni que se repita mucho. "Lo he llamado Now porque, mientras que Urban Hang Suite hacía referencia al pasado, Embrya al futuro, a la conciencia y a la energía eufórica, surrealista e intangible de la música, este disco hace referencia al momento, abarcando el pasado y el futuro al mismo tiempo. Hay una combinación de todo en este disco."

"Trata del azar y de ser realmente sinceros, de cómo uno se siente sexy en un momento y luego estúpido y feliz y atolondrado. Es como cuando yo le digo a una chica "a veces sólo desearía hablar contigo". Trata también sobre ser un adulto y no actuar como si tuviera 21 años, porque no los tengo. Hay mucho funk en él, hay temas lentos, está lleno de altibajos. Algunos temas tienen estructuras muy definidas como canciones otros no", explica Maxwell.

Los temas de Now, marcados por su cadencia lenta, abarcan un amplio número de temáticas. "Lifetime", según Maxwell, "trata de hacerse responsable, de coger experiencia a partir del presente, sacar el propio el karma y limpiarlo. Y pasar a un nivel más elevado de vida. A veces es fácil vivir con lo que se sabe. Así que "Lifetime" hace referencia al crecimiento y a cómo se dejan atrás las patrañas y se observa sinceramente lo que le sirve a uno y lo que no."

Eso no tiene por qué sugerir que la visión de Maxwell del romance está desprovista de fantasías sexuales. "Temporary Nite" puede recordar al Prince de final de los 80 con el funk y el rock fusionándose, mientras que yo hablo de una relación que podría ser un terremoto en sí misma pero sin sustancia: eso no cambia una tarde solitaria."

"Was My Girl" es una balada que cuenta con una pedal steel guitar. "Stuart (Matthewman, su mano derecha) tiene un amigo que la toca y cuando oí cómo sonaba me derretí", dice Maxwell. "La mayoría de las baladas country que se oyen llevan una pedal steel guitar. Es igual que cuando los violines te ponen triste, la pedal steel guitar tiene ese toque".

"Changed" es un recordatorio del apogeo del soul de los 60, con su groove espasmódico y sus voces con matices de gospel. Maxwell utiliza el tema para examinar las acciones de otro que quiere una segunda oportunidad. "Trata sobre el tira y afloja del amor", explica. "Todos pasamos por esto. Nos gusta la persona a quien no le gustamos. Queremos a quien no nos quiere. "Changed" hace referencia a la persona que vuelve a tu vida y cuando te das cuenta de que, aunque sigues sintiendo lo mismo, se trata de una relación de igual a igual y no de salvar a nadie".

Now también incluye una versión en estudio del "This Woman’s Work" de Kate Bush, uno de los temas en directos más populares de Maxwell del que también hizo una versión en el MTV Unplugged. "Lo hice como un homenaje a esta niña que vino a un concierto mío en Los Angeles como parte de la Fundación Make-A-Wish en el verano del 99", explica. "Su deseo era conocerme y murió seis meses después de cáncer. Así que he regrabado el tema para ella".

Así que no hay novedades en su sonido que trae a la memoria la edad de oro del soul en los 60. "Nací en Brooklyn con las tradiciones de la música india del oeste en mi casa, mientras que fuera el hip-hop y el soul de principios de los 80 eran los sonidos en boga. Más que otra cosa, lo que hice fue buscar y encontrar los sonidos que me gustaban", recuerda. "No estaba necesariamente influenciado por todo lo que estaba a mi alrededor cuando crecía, pero tener una familia procedente de cuatro islas caribeñas supone una riqueza de influencias".

Al crecer en un barrio duro y pobre del este de Nueva York, Maxwell solía ser un solitario y pasaba horas en su habitación componiendo un catálogo cada vez mayor de canciones. "La música llenaba mi tiempo y me trasladaba a un lugar donde podía esperar un futuro mejor. Me encantó crecer dentro de ese elemento y lo que eso significó".

La sensualidad sigue siendo el elemento más evidente en sus canciones. "Al final del día", dice, "si es sensual, es intemporal. La sexualidad tiene muchas tendencias y esencialmente si estás centrado en lo que haces y no te preocupas de lo que los demás piensan de ti, si no pretendes ser otro que no eres, la gente gravitará hacia eso. Yo no siempre estoy a la altura pero lo único que se puede hacer es intentarlo".

Xavier Valiño

CAMPUS GALICIA ENTREVISTA

ENTREVISTAS 2002

Apeiron, el origen del mundo

Muy pocos grupos suenan distintos al resto. Muy pocos grupos parecen especiales. Muy pocos grupos hacen música al margen del resto en el planeta pop y, menos aún, en Galicia. Apeiron, desde Ribadavia, son la honrosa excepción. Esta semana empiezan a dar a conocer su primer disco, Todo sigue intacto.

¿Cuándo aparece el grupo?

– No es posible establecer una fecha exacta, pero podemos decir que, aunque llevamos tocando toda la vida juntos (Álvaro y Emilio), fue a partir de la incorporación de Belén, más o menos en abril del año pasado, cuando Apeiron tomó su actual forma.

¿Cómo ha sido vuestra evolución hasta ahora?

– Empezamos como un grupo de rock-nada-duro y, eso; como ya dijimos, fue más o menos desde la llegada de Belén. En ese momento comprendimos que para la búsqueda de un sonido Apeiron era necesaria una "exploración musical previa a la creación de la música" -o algo así- que acabó al encontrar la música que hacemos ahora, que es, hoy por hoy, lo mejor que podemos componer. Pero no creemos que hayamos concluido la búsqueda de nuestro auténtico sonido. Esperamos llegar al punto de hacer canciones y música totalmente únicas, inéditas -ya sabemos que suena pretencioso, pero no lo es en absoluto; más bien es una actitud de incertidumbre ante lo desconocido- lo más pronto posible. Y, mientras tanto, queremos que las personas que escuchen nuestro disco, aún sabiendo que no se trata de nada realmente rompedor, sientan que las canciones les pertenecen por completo, que se olviden de que existe Apeiron y que tengan la sensación de que no escucharán algo exactamente igual en ese mismo momento. Si lo conseguimos o no, no lo sabemos. Quien nos escuche decidirá…

¿Cómo surge el contacto con el sello Foehn?

– Pablo G. Polite es el encargado de las maquetas en Rockdelux y, al mismo tiempo, es miembro de la discográfica. Se interesó por nosotros al escuchar la maqueta que mandamos a la revista, que salió comentada en el número 190 de la revista Rockdelux.

¿Creéis que estáis en la onda del resto de los grupos: Ursula, Balago o Tan Low?

– Musicalmente no; pero lo que está claro es que los cuatro intentamos hacer discos con características propias. Es lo que te decíamos de la "auténtica música nuestra".

¿Sois de Ourense?¿Qué otros grupos conocéis en la provincia que hagan música en estos momentos?

– Bueno, en realidad somos, generalizando, de Rivadavia; más en concreto, de Quins, que es donde grabamos. En Ribadavia hay, básicamente, grupos de metal, siendo los más destacables, para nosotros, Trut 69. No tenemos demasiados contactos en el resto de la provincia.

¿Y en Galicia: no sois como un oasis?

– Sí, es posible: como tú sabrás también, aquí, en Galiza lo que predomina es folk y metal. Aparte de Dar Ful Ful no conocemos ningún grupo que no sea folk o metal.

¿Es precisamente vuestra juventud lo que os empuja a grabar
un disco de planteamiento absolutamente inédito?

– Tampoco creemos que el planteamiento sea tan inédito, aunque nos parece bien que a ti te lo parezca. De todas formas, no sabemos qué fue lo que nos empujó a hacer este disco así, además de nuestro aburrimiento por la mayor parte de la música actual y del propósito de hacer discos totalmente originales.

¿Cómo se componen unas canciones tan especiales? ¿Qué sampleados tiene el disco?

– A pesar de que de suene a chiste, con mucho cuidado. No tendría sentido extendernos más sobre la cuestión porque, entre otras cosas, ni nosotros mismos sabemos cómo las hacemos al no seguir ningún método determinado. Lo que podemos decirte es que sólo intentamos el equilibrio general: las letras parten de Emilio, pero son revisadas y modificadas, en su caso, por todos en cuanto a la música. Y en cuanto a los sampleados, hay demasiados como para que hagamos aquí una lista. Por cierto; algunos sonidos no los reconocerás en tu vida, aunque te digamos cuáles son.

¿Que os influye más: la literatura o el cine? ¿Qué autores en concreto?

– Conscientemente, intentamos que no nos influya nada externo, tan sólo nuestro lado irracional. Evidentemente, en Todo sigue intacto no lo hemos conseguido -eso lleva tiempo-, pero tampoco creemos ser capaces de analizar nuestros propios tics. De todas formas, si hay una película relacionable con el disco, tal y como se puede comprobar si se observa la contraportada del compacto, ésa es Taxi driver.

¿Conocéis a los asturianos Mus? ¿Os dice algo su música

– Sí, pero no es que creen demasiado interés en nosotros. Tienen buenas canciones, pero no es para morirse.

De cara al concierto de Ribadavia y los que vengan después, ¿cómo se plantea Apeiron un concierto y cómo se traducen los sonidos del disco?

– Hemos dado varios conciertos, aunque todavía ninguno como el del día 11 de mayo. Será un concierto de prueba, a la vez extraño para el público, pero seguro que al final acaba todo el mundo contento y sonriente, que es lo que queremos.

¿De dónde viene el nombre del grupo?

– Es de un filósofo griego presocrático, Anaximandro, que decía que el apeiron -pronúnciese ápeiron-, era algo indescriptible, algo así como una hendidura en el espacio, el origen del mundo. No te asustes: no tenemos pretensiones filosóficas con el nombre; simplemente, nos parece bonito y suena bien.

Xavier Valiño

CAMPUS GALICIA ENTREVISTA CON EMINEM

ENTREVISTAS 2002

Eminem, chico del barrio

El 2002 fue un buen año par Eminem, al menos en ediciones discográficas y rendimientos para su cuenta corriente. Al empezar el año publicó The Eminem Show, que, a pesar de vender unos cuantos millones de discos en todo el mundo, gran parte de la crítica entendió inferior a sus dos discos precedentes.

A finales de año llegó la banda sonora de 8 Mile, la película que el rapero protagoniza a las órdenes del oscarizado Curtis Hanson. Aquí ya no se trata exclusivamente de sus canciones, sino que cuenta con una corte de amigos y artistas que él respeta. Vamos, que se ha convertido en la persona que selecciona qué música debe ir en la banda sonora y, por extensión, en la película.

La película, dirigida por Curtis Hanson (L.A. Confidential), se estrenó el pasado 8 de noviembre en Norteamérica y a principios de este año 2003 se estrenará en el resto del mundo. La banda sonora de 8 Mile está editada por Shady Records/Interscope Records y contiene tres canciones nuevas de Eminem, además de canciones de artistas consagrados y otros desconocidos para el gran público.

Nas, Jay-Z, Gang Starr y Rakim son algunos de los nombres familiares para los entendidos del hip hop, pero Eminem también ha querido añadir nuevos talentos aún por descubrir. 50 Cent, de Queens (Nueva York), quien recientemente ha firmado por el sello Shady Records y Aftermath Entertainment, de Dr. Dre y Eminem, interpreta tres canciones de la banda sonora. “Sí, 50 Cent es un nombre familiar para los aficionados de hip hop, ya que hace bien poco revolucionaron las calles con los ataques verbales de sus cintas y su éxito underground, “Wanksta”, que está incluido en este álbum.”

“Obie Trice, de Detroit y también reciente fichaje de nuestro sello Shady Records, aparece en dos canciones del álbum después de que se diera a conocer en América con el disco de debut de D-12, Devil´s Night,” comenta Eminem. A Obie también le podemos escuchar en “Drips”, una canción que rapea junto a Eminem en The Eminem Show.

El álbum incluye una edición limitada de un sampler de Shady Records con material previamente inédito de Eminem, 50 Cent y muchos más. “Este sampler de edición limitada incluye rarezas como caras b mías, además de material de Obie Trice y de 50 Cent. Los que lo compren también podrán descubrir material de nuevos artistas como Joe Beast, Brooklyn, y Shaunta, todos ellos del sello Aftermath Entertainment.”

El primer single de la banda sonora de 8 Mile es “Lose Yourself” de Eminem, una canción publicada recientemente y que ya se ha convertido en éxito, como todos sus singles anteriores. ““Lose Yourself” también puede ser escuchado como la música de fondo para el trailer de la película.”

Eminem está actualmente rodando un vídeo clip para el single en su ciudad natal Detroit, donde se rodó la película. De nuevo, “Lose Yourself” conserva intacta la fuerza y el increíble flow que caracteriza al rapero de Detroit.

“Hacer la banda sonora de 8 Mile ha sido diferente ya que me ha forzado a convertirme en Rabbit, el personaje que interpreto en la película, y escribo desde su punto de vista,” comenta Eminem. “Ha sido todo un reto. Además, el proyecto me ha dado la oportunidad no sólo de hacer un álbum con una lista de mis interpretes favoritos, sino además presentar lo que va a ser el futuro de Shady Records.”

Xavier Valiño

1 217 218 219 220 221 314