Categoría: Entrevistas

CAMPUS GALICIA ENTREVISTA CON JOHNNY CASH

Deja un comentario

ENTREVISTAS 2003

Johnny Cash, anillo de fuego

Johnny Cash no tiene la menor duda de que The Man Comes Around, su cuarta colaboración con el productor Rick Rubin, está a la misma altura que sus tres predecesores, que fueron recompensados con premios Grammy. “Creo firmemente que es el mejor disco que hemos hecho,” dice. “Va más allá que los anteriores, en múltiples direcciones, pero todos ellos tienen en común que he hecho esas canciones como algo mío. Ésa es su unidad: son mis canciones.”

Al igual que los tres discos anteriores de la serie de Johnny Cash y Rick Rubin, American Recordings, The Man Comes Around fue grabado casi enteramente en el salón de la casa de Rick Rubin en Los Angeles. De todas formas, esta vez parte de las sesiones se hicieron en los estudios de Johnny Cash en Tennessee y Jamaica, mientras que la emocionante versión del clásico “Danny Boy” fue grabada en dos horas en la catedral episcopal de Los Angeles. Una vez más, el cantante, el productor y sus amigos y familiares contribuyeron con muchas ideas a la grabación; además, las quince canciones seleccionadas finalmente para el disco representan uno de los discos más sorprendentes en las casi cinco décadas de carrera de esta leyenda de la música americana.

Desde el “Hurt” de Nine Inch Nails al “I’m So Lonesome I Could Cry” de Hank Williams, desde el “In My Life” de los Beatles hasta el “Personal Jesus” de Depeche Mode, desde el “Bridge Over Troubled Waters” de Paul Simon hasta “Give My Love To Rose” del propio Cash, es difícil presentar una colección que cubra más épocas y estilos. Los invitados -Don Henley, Fiona Apple o Nick Cave- sólo acaban de darle forma al conjunto.

Encontrar un sentido emocional al todo es algo que sólo Johnny Cash puede hacer. “El tema del disco es el espíritu,” dice. “El espíritu humano, más que el espíritu de Dios; en concreto, el espíritu humano luchando por sobrevivir. Probablemente refleja algo de la madurez que he experimentado con el dolor que he sufrido por la enfermedad que me llevó a casi morir.”

Durante años, su enfermedad ha sido mal diagnosticada: primero como el mal de Parkinson, después como el síndrome de Shy-Drager. “Ahora dicen que es neuropatía autonómica,” comenta. “No tengo ni idea qué significa, salvo que me estoy haciendo viejo. Me he sobrepuesto con voluntad. He encontrado las fuerzas para hacer este disco sólo para alejar el mal de mí. A veces iba al estudio sin voz, cuando podía haberme quedado en casa, pero no quería que fuera así. Llegaba, abría la boca e intentaba que saliera algo. Grababa cuando era la última cosa en el mundo que podía hacer. Y éstas son las canciones que tenían el fuego, el sentimiento, el fervor y la pasión. Hay mucha fuerza que sale de esa debilidad.”

Cash afirma que su versión del “Hung My Head” de Sting es un ejemplo de una interpretación que salió en un día especialmente difícil. “Al buscar en lo más profundo, fui capaz de trascender no sólo mi dolor, sino también mis expectativas. Es la clase de canción que tanto me gusta. Una historia trágica, lúgubre. Las canciones de mi gente son canciones de desastre y tragedia, muerte, asesinatos y relaciones rotas, y esta canción encajaba perfectamente ahí.”

Lo más sorprendente es que Johnny Cash revela una predilección especial por las dos canciones que, en principio, están más lejos de él: las versiones de los himnos industriales “Hurt”, de Nine Inch Nails, y “Personal Jesus”, de Depeche Mode. Fue el productor Rick Rubin quien le propuso cantarlas. “Creo que “Hurt” es la mejor canción en contra de las drogas que he escuchado nunca,” asegura. “Habla del dolor de un hombre y de lo que nos podemos hacer a nosotros mismos y de la posibilidad de no volver a hacerlo más. Me sentí identificado desde el principio. En cuanto a “Personal Jesus”, se trata simplemente de la canción gospel más evangélica que haya grabado. No sé cuál era la intención del autor, pero eso es lo que es.”

Esa pasión y esa entrega definen por entero The Man Comes Around. Ocho años después de que Rick Rubin –conocido por su trabajo con Beastie Boys, Red Hot Chili Peppers o Tom Petty- le propusiera a Cash grabar un disco con únicamente él y su guitarra acústica, Johnny Cash es consciente de que los cuatro álbumes de la serie American Recordings representan una fase especial de su carrera, un trabajo que ha mantenido su base en el poder y la integridad de su voz y sus canciones. “Lo protegemos con toda nuestra fuerza,” comenta. “Prestamos atención a todo. Grabamos lo que queremos y traemos a quien queremos, y no aceptamos ninguna intromisión. Lo hacemos justo como queremos.”

En febrero del año pasado, Johnny Cash celebró su 70 cumpleaños. “Recibí llamadas de todo el mundo,” dice. “Tuve un día muy agradable con todos mis amigos y la gente que quiero, y pensaba que todo el mundo parecía estar celebrando una fiesta en mi honor mientras que yo me iba a acostar temprano.” De hecho, el 2002 fue un año lleno de fechas señaladas en su vida: el 50 aniversario de Sun Records, el sello que lo lanzó, y el 25 aniversario de la muerte de su amigo Elvis Presley, además de la edición de varios discos de tributo y la reedición de su interminable catálogo. Pero el entrañable Johnny Cash se enfrenta a todo de la misma manera. “No vamos a parar,” afirma. “Ya estamos pensando en el siguiente: el año 51, el año 71. Estamos ansiosos por empezar a trabajar de nuevo.”

Xavier Valiño

CAMPUS GALICIA ENTREVISTA CON MCALMONT & BUTLER

Deja un comentario

ENTREVISTAS 2003

McAlmont & Butler, dos en la carretera

La hipotética idea de unir sentimentalmente a Steffi Graf y Andre Agassi no sólo es muy romántica, sino que además resulta bastante práctica. Al fin y al cabo, a nadie le apetece irse de vacaciones para descubrir que su pareja juega muchísimo mejor al tenis que él / ella. Un descubrimiento de tal magnitud podría dar al traste con la noche más apasionante del mundo.

Algo parecido ocurrió cuando Bernard Butler empezó a componer sus nuevas canciones hace dos años. Desde el principio se dio cuenta de que tan sólo existía una voz capaz de igualar su personal estilo pop. Desde que Bernard Butler vivió su época dorada con Suede, tan sólo DavidMcAlmonthabía sido capaz de ofrecer un nivel de calidad suficiente para igualarse al talento de Butler como guitarrista.

Eso ocurrió en el tema “Yes”, de 1995, y en el apasionante single “YouDo”.Tras la recopilación de temas de estudio que se publicó posteriormente The Sound Of McAlmont & Butler,ambosvieron como sus respectivas carreras tomaban caminos separados. Así transcurrieron varios años, hasta que llegó el día en que BernardButlersupo, sin ninguna duda, que el único que podía interpretar sus nuevas canciones era DavidMcAlmont.

Sin embargo, la colaboración resultaba bastante difícil de realizar, sobre todo teniendo en cuenta que ninguno de los dos había mantenido el contacto, y Butler ni siquiera tenía el número de teléfono de David.“No tenía ni idea de lo que podía hacer,” recuerda Bernard, “así que acudí a GeoffTravis,que fue quien nos presentó a los dos por primera vez, y le expliqué el problema. Le dije que siempre había tenido la seguridad de que alguna vez volvería a trabajar con David, y tenía muchas ganas de volver a hacerlo”. Afortunadamente, Travis le pasó el teléfono de David, y de ese modo la colaboración entre ambos empezó a desarrollarse una vez más, lo que se ha traducido en el nuevo álbum del dúo, Bring It Back.

“Empecé pensando que la mayoría de la gente del mundo del pop está intentando crear discos lo más comerciales y vacíos posible, mientras que los artistas que están inmersos en la música alternativa dirigen sus esfuerzos en la dirección contraria,” afirma Bernard.

“Sin embargo, había un espacio en medio de ambas posturas en el que no había nadie intentando crear rock o soul con un toque de inteligencia. Me parecía que era una auténtica pena. Crecí escuchando la música de grupos como T-Rex o Los Beatles, por eso acabé formando parte de un grupo como Suede. Me pasé más de un año intentando aclarar mis ideas acerca de si debía trabajar con David. Había pasado prácticamente dos años desarrollando varias cosas por mi cuenta, y me encontraba ante la necesidad de crear buena música de nuevo. Me daba igual el papel que acabara teniendo en el proyecto, no me importaba lo que hiciera, lo único que sabía era que quería formar parte de ese proceso, quería participar en la creación algo que rebosara calidad por todas partes.”

“En aquel momento no tenía ningún contrato en vigor, y lo mismo le pasaba a Bernard,” añade David. “Me sentía como la primera vez que trabajamos juntos, cuando el grupo Thieves se acaba de separar y Bernard acababa de abandonar Suede. En aquel momento se daban las mejores circunstancias posibles para que ocurriera algo interesante.”

“Es un tipo lleno de inspiración. En cuanto se pone a cantar, su voz suena como si fuera un pájaro, como un auténtico ángel. Es como si hubiera vendido su alma a cambio de la voz más impresionante que puedas imaginar.”

“La idea de grabar un álbum en solitario siempre me llevaba a pensar en el caso de Phil Collins,” recuerda Bernard. “La posibilidad de crear un grupo como McAlmontyButlerme hacía imaginarme a dos personajes muy concretos que no tenían por qué parecerse a nosotros mismos, y por eso nos gustó la idea de incluir un tema que tuviera esa imagen de sintonía de los personajes protagonistas.” Se refiere al tema que abre el disco, “The Theme From McAlmont & Butler”.

Las primeras maquetas, grabadas en casa de Bernard, salieron tan bien que al final acabaron por grabar la mayor parte del álbum en el mismo lugar. Por otra parte, decidieron no firmar ningún contrato discográfico antes de que el álbum estuviera totalmente terminado. Esa libertad, tanto de tiempo como de concepto, les dio la oportunidad de tomarse las cosas con calma. En algunos temas contaron con la colaboración del compositor David Arnold en los arreglos. Arnold fue el creador del álbum de nuevas versiones de canciones basadas en las películas de James Bond, en el cual DavidMcAlmontparticipó con el tema “DiamondsAreForever”.

Además de disfrutar con la mezcla de buen soul y pop que nos ofrece Bring It Back, los fans de temas como “Yes” se alegrarán de saber que McAlmont y Butler no se han olvidado del estilo con influencias de Phil Spector. De hecho, el título del álbum supone un claro homenaje al pasado. “Hemos trabajando teniendo muy claro que nadie se sentaría a ver Tiburón II antes de haber visto la primera parte, por ejemplo,” afirma Bernard.

Por otra parte, uno de los temas más explosivos del disco, “Falling”, destaca como una referencia intencionada hacia aquel recordado éxito. “La última vez que escuché “Yes” fue durante el lanzamiento de unos fuegos artificiales,” nos dice Bernard. “Estaban usando la música de Prokofiev durante todo el rato, y justo antes de lanzar la traca final pusieron la canción. Creo que ése fue el momento más agradable de mi carrera musical. Fue mejor que alcanzar el número uno: estaba allí, viendo cómo la canción impresionaba a toda aquella gente. A pesar de todo, pienso que cuando grabamos “Yes” no nos encontrábamos en nuestro mejor momento. Ahora veo que hemos necesitado varios años para superar aquella etapa y para tener las cosas mucho más claras, pero en aquel entonces sentíamos que estábamos rodeados de demasiada expectación por parte de mucha gente. Después, personalmente pasé por un momento muy especial en el que tuve que decidir si iba a dedicarme a la música en serio o si por el contrario prefería convertirme en conductor de autobús o algo así.”

Cuando se separaron, la prensa musical empezó a especular acerca de las razones que les llevaron a tomar caminos separados. Ahora, los dos componen y asisten juntos a alguna que otra fiesta de vez en cuando. “Recuerdo que cuando Bernard me llamó y me dijo que quería que quedásemos para charlar un rato, pensé: “Bueno, al menos se ha molestado bastante para llamarme”, así que será mejor que nos veamos,” recuerda David. “Charlamos, me pasó un compacto y me pidió que lo escuchara. Le dije: “¿Es que no quieres hablar acerca del pasado?,” y él me contestó: “Lo que quiero es volver a trabajar contigo”. Fue así de directo.”

“Pensé que resultaba curioso, con todo lo que nos había ocurrido tiempo atrás,” sonríe Bernard. “Soy capaz de trabajar con cualquiera que tenga el talento suficiente para crear un buen disco. En el mundo de la música no hay demasiada honestidad, y por eso recuerdo que los dos pensamos: “¿Y a quién le importa lo que ocurrió en el pasado?”

Después de haber grabado dos álbumes en solitario para el sello Creation, BernardButlerha pasado los últimos años bastante ocupado. Si a ello le unimos una serie de demandas judiciales por parte de un antiguo contable que trabajó para él, el resultado ha sido un período de tiempo especialmente complicado para Butler. Sin embargo, la mayor experiencia y el mayor talento que ha desarrollado como músico han aportado una serie de interesantes sorpresas a este álbum.

Por su parte, David McAlmont formó parte de la compañía discográfica independiente Thieves, tras lo cual publicó el álbum ALittleCommunication(a través del sello Hut)en 1998. Aquel año supuso el inicio de una nueva etapa en su carrera como compositor e intérprete.

“Hay algo muy extraño en el hecho de que dos jóvenes londinenses de clase obrera hayan acabado creando música con un estilo que recuerda a un judío independiente en Nueva York, a los negros que viven en Detroit o incluso a un grupo de estudiantes de arte de la zona del CrouchEnd,” afirma David. “Sin embargo, Bring It Backes, ante todo, nuestro propio sonido, una música ligada a nuestras vidas. Aparte de la batería y las guitarras, lo único que hay en el disco en nuestra propia inspiración. Pienso que se debe al hecho de haber estado siempre entusiasmados por la música: estamos siempre muy abiertos acerca de la manera en que debe evolucionar nuestro estilo. Ofrecemos un toque del sonido de la Costa Oeste norteamericana, y un poco del sonido Motown… El resultado es una breve historia del fanatismo que ofrece el pop más clásico. Yo lo llamo sopa de Rock and Roll.”

Xavier Valiño

CAMPUS GALICIA ENTREVISTA ELBOW

Deja un comentario

ENTREVISTAS 2003

Elbow, almas divagantes

Tras el éxito de Asleep In The Back, Elbow regresan con un segundo disco, Cast Of Thousands, tan interesante como su debut y que presentarán en el Santi Rock. El interrogante a estas alturas es si se traerán a sus grandes mascotas, El y Bow.

– Empecemos hablando de Jimi Goodwin de Doves y su participación en el disco.

– Estaba en Liverpool esperando por su pasaporte y nos telefoneó para saber si podía pasar a ver lo que estábamos haciendo. Vino para un día, lo llevamos a comer en un restaurante que nos invitó -creo que ni sabían quiénes éramos- y le preguntamos si quería cantar en una canción que habíamos compuesto titulada “Grace Under Pressure”. Lo hizo y después salimos a emborracharnos. Fue un buen día.

– La otra participación curiosa en el disco de la del coro de gospel de la London Community. ¿Que hicieron exactamente?

– Probablemente son el coro de gospel más conocido que tenemos por aquí. Tocaron en “Tender” de Blur y en Ladies And Gentlemen We’re Floating In Space de Spiritualized. La idea era hacer un álbum menos oscuro que Asleep In The Back. Estos dos últimos años fueron maravillosos, así que no podíamos engañar a nadie. Tenía que ser más optimista y lo que ellos hacen eleva el espíritu con su sonido. Queríamos que estuvieran en el disco, y “Grace Under Pressure” era la elección obvia. Tiene una estructura simple y queríamos darle más profundidad. También había una línea en “Ribcage” -“when the sun shines” (“cuando el sol brilla”)- que trajo Guy Garvey y que pensamos que era también perfecta para el coro.

– En “Grace Under Pressure” habéis acreditado a 15.000 personas.

– Eso fue en el festival de Glastonbury. La tocamos allí y Guy preguntó al público quién quería estar en nuestro próximo disco, así que les hizo cantar aquello de “we still believe in love, fuck you” (“todavía creemos en el amor, que te jodan”). Cuando estábamos en el estudio nos pasaron la grabación de la BBC, porque ellos registran todos los festivales. Estaba en la línea de la canción. Pusimos una sección de cuerda para introducir la línea. Nos gusta mucho que estén ahí. Nos gusta escuchar el sonido de las multitudes. Habitualmente están en todos los discos en directo, pero nunca en uno de estudio.

– ¿Y cómo fue lo de utilizar vuestra página web para saber quién estuvo allí?

– Fue una idea que tuvimos. Ahí estaba toda esa gente cantando y no sabíamos quiénes eran esas 15.000 personas. Así que enviamos un correo electrónico a nuestros fans diciendo que íbamos a acreditar a todos los que estuvieron en Glastonbury. Al final aparecieron como unos 4.500. Es interesante coger la carpeta y ver los nombres de toda esa gente que nunca has conocido pero que saben de tu música y se preocupan para que su nombre esté en el disco. Y queda muy bien.

– Obviamente, ese hecho ha inspirado el título del disco.

– Sí, Cast Of Thousands -Un reparto de miles-. Queríamos involucrar a la gente. Mucha gente participó en él, lo que es una sensación estimulante. Además parecía encajar con dónde nos encontrábamos como grupo. Así que fue algo lógico.

– ¿Y qué me dices de la idea de colgar “Ribcage” gratis en Internet?

– Fue una forma de dar a conocer el álbum, para que, incluso la gente que no lo puede comprar, tenga una idea. Además, aunque nos gustaba, no podía ser el single, ya que dura seis minutos y medio, algo que sólo se pueden permitir Radiohead. La verdad no tenemos nada en contra de que la gente se descargue la música: lo van a hacer de todas formas. Personalmente, me gusta más ver la carpeta y tocar el disco. Pero en lo que un músico saca el dinero es tocando en vivo, así que todas los medios de promoción son buenos para que la gente vaya a verte.

– A veces os comparan con Doves o con Coldplay.

– No nos importa la comparación con Doves. En Manchester casi todos buscamos inspiración en los demás grupos. Es interesante ver cómo llevan las cosas. Mientras tomes algo de los demás y lo conviertas en algo tuyo, no está mal tener influencias. Además, nos gusta que nos influencien los amigos, como Doves. Con Coldplay no lo veo tanto. Si nos comparan a Doves, Radiohead o King Crimson, puedo ver la semejanza en la forma en la que experimentamos con los sonidos y los instrumentos. Eso no lo veo en Coldplay, que son buenos compositores, pero de una forma más tradicional.

– ¿Existe entonces una unión entre los artistas de Manchester?

– Sí, hay un bar al que vamos todos, llamado Big Hand. Doves pasan por allí, Alfie también, la gente de Twisted Nerve, Mani de Primal Scream… Aunque todos nos movemos en niveles diferentes, no hay jerarquías. Es como una comunidad. La gente está orgullosa de ser de Manchester. Cuando salgo fuera, no digo que soy de Inglaterra, sino de Manchester, y la gente sabe dónde está. Es una gran ciudad. Nos ayudamos unos a otros, incluso antes de tener un contrato discográfico.

– ¿Viste la película 24 Hour Party People? ¿Cuál es tu opinión de Tony Wilson?

– Sí, nos gustó mucho. Tony Wilson era un capullo, pero realmente intentó algo que fuera importante para él. Y lo cierto es que hizo algo grande con Factory Records y la sala Hacienda. Fue una pena que todo saliera mal al final. Era algo de lo que sentirse muy orgulloso siendo de Manchester. Después de la película, muchos mejoramos la opinión que teníamos de él.

– Las mascotas que aparecen en la portada, El y Bow, de las que habéis hecho reproducciones a gran tamaño, tuvieron un encontronazo con la policía, ¿no?

– Estaban al lado de la autopista, en un descampado. La gente reducía la velocidad para verlas, porque pensaban que se trataba de alienígenas, y había verdaderos atascos. La policía tuvo bastantes llamadas, así que tuvimos que sacarlas. De todas formas, hemos hecho una sesión de fotos allí, con ellas. Han estado con nosotros en todos los festivales. Son dos miembros más del grupo.

Xavier Valiño

CAMPUS GALICIA ENTREVISTA CON JUNKIE XL

Deja un comentario

ENTREVISTAS 2003

Junkie XL, desde la cabina del infierno

Junkie Xpander Of Limits -antes, Junkie Extra Large-. Un alquimista maestro, un demonio de la electrónica y rompedor de la barrera de sonido, Junkie XL es el científico que electrificó al Rey haciéndole cantar y mover la pelvis más allá de la tumba. Es un moldeador; un ingeniero híbrido que puede fusionar los ritmos agitados del house con el rugido del rock, abriendo los espacios de los ritmos y con un nervio que le permite alcanzar las consideradas inalcanzables barreras de la música house. Mejor conocido por su remix de “A Little Less Conversation” de Elvis, que llegó al nº 1 en 24 países, su carrera abarca mucho más.

“Me llamé a mí mismo Junkie X desde el punto de vista que una vez que estás agotado por el trabajo no quieres volver allí,” explica cuando se le recuerda su laborioso pasado. “XL significa ‘(e)xpanding limits’ (límites que se expanden), extender y abrir más tu visión.”

Radio Xl: A Broadcast From The Computerhell Cabin es el impresionante nuevo trabajo del holandés Junkie XL. Pero eso no es todo. Un concepto nacido en la era digital, también constituye la mezcla radical de Tom de audio y ciberespacio, creando simultáneamente un disco doble y una emisora de radio virtual que retransmite desde www.radiojxl.com, la nueva página web interactiva de Tom.

El primer CD, llamado 3pm, simula la experiencia radiofónica durante el día. Desde su introducción demoledora hasta su cierre digital, Tom ha invitado a varios de sus héroes musicales a su emisora, entre los cuales están Chuck D de Public Enemy, Gary Numan, Terry Hall, la leyenda del soul Solomon Burke, Saffron de Republica, Grant Nicholas de Feeder, Anouk, los eléctricos Infusion y el fallecido artista reggae Peter Tosh.

El segundo CD, 3am, se adentra en la personalidad nocturna de Junkie XL, una odisea que se construye lentamente demostrando las cualidades de productor de Tom que le han hecho uno de los artistas de la música electrónica de baile más importantes. Hay un tercer disco que sólo se consigue en su web. Pero ahora escuchemos que tiene que decir de sus invitados y las canciones que cada uno interpreta.

DAVE GAHAN: “Reload”. El cantante de Depeche Mode es, desde siempre, uno de los héroes de Tom. “Es un tipo de canción que Dave normalmente no cantaría y eso, creo yo, es lo bonito de “Reload”. Es una canción muy funky, con unas guitarras más funkies todavía y un coro en el que todo termina explotando. En resumen, una canción de contrastes, donde la voz de Dave da una atmósfera realmente oscura y sombría a un tema muy animado… Depeche Mode fueron totalmente determinantes para crear lo que, en mi opinión, debería significar la electrónica en el pop”.

ROBERT SMITH: “Perfect Blue Sky”. “Es un tema electro con ligeras variaciones de ritmo y sentimiento. Fue divertido; cuando la escribí, se la hice escuchar a unas 10 personas diferentes y todas dijeron que era un tema que Robert Smith de The Cure debería cantar. Es una canción de amor al estilo Robert Smith. Su voz es increíble, cuando empieza a cantar no hay manera de meter nada más, es su voz y nada más. ¡Dios Mío, Robert Smith ha cantado esta canción!”

SAFFRON: “Crusher”, “Spirits”, “Beauty Never Fades”. Saffron fue la voz de Republica y mantiene un carácter bastante punk. “Crusher” nos muestra a esta dama del rock lista para comenzar un bombardeo de ritmos electrizados. “Spirit” endurece las cosas en un modo de reggae macarra mientras que el éxito discotequero “Beauty Never Fades” muestra sus encantos oscuros en un balance sutil de oscuridad, drama y gracia.”

PETER TOSH: “Sleepy Policeman”. Aunque fue asesinado trágicamente en 1987, Peter Tosh sigue siendo una de las voces más poderosas del reggae. “Un amigo mío grabó una vez en Jamaica en los años 70. Me dijo que podía echar un vistazo en su estudio porque aún tenía varias sesiones en multi-pista junto a Peter Tosh, Sly Dumbar y Robbie Shakespeare. Yo pensé que estaba bromeando. Realmente quería hacer un tema veraniego con ritmo relajado y acabó saliendo naturalmente. Casi parece que grabó la voz explícitamente para la canción.”

GARY NUMAN: “Angels”. El innovador de electro-pop reinventado como dios del rock, Gary Numan es una leyenda. “Comprar Are Friends Electric? en 1978 cambió mi vida. Tenerle en el estudio trabajando conmigo fue una experiencia abrumadora. ¡Joder, trabajé junto a Gary Numan! Gary Numan admite que “Angels” es su mejor grabación vocal en años. Sus tonos inimitables se envuelven muy bien con la base electrónica, la atmósfera gótica y las melodías oscuras.”

CHUCK D: “Access To The Excess”. Pionero del hip-hop y estandarte político descrito por Spike Lee como “uno de los artistas que más tiene conciencia social y política de cualquier generación”, Chuck D es inspirador. “Access To The Excess” sigue mostrándonos al líder de Public Enemy diciéndole al mundo qué hora es. Chuck critica la carencia cultural del hip-hop de hoy en día mediante una llamada a la acción sobre ritmos pesados y digitales del Computerhell Cabin.”

SOLOMON BURKE: “Catch Up To My Step”. “Uno de las cuatro o cinco personas en América que realmente inventaron la música soul. Solomon Burke es el auténtico Rey del Rock‘n’Soul, una montaña humana y un coloso siempre fresco que sigue callando a los que pretenden serlo. “Catch Up To My Step” es una canción construida sobre toques blues y ritmos de rock bastante movidos, combinando la presencia enorme de la voz de Burke, que sigue demostrando por qué sigue siendo una gran fuerza.”

TERRY HALL: “Never Alone”. El héroe original de 2 Tone vuelve a sus raíces de ska por primera vez desde sus tiempos junto a The Specials. “Me pareció que con Terry sería genial hacer algo que mezclase el dance con el ska. La primera vez que escuchó la canción le costó mucho no empezar a cantar el “Gangsters” de The Specials. Luego vino a Ámsterdam y empezó a cantarlo de nuevo diciendo: ‘¡Mierda lo he vuelto a hacer!’.”

INFUSION: “Nightmares”, “Aqua Man”. La sensación de la música dance de Australia. “Nightmares” es un viaje electrónico excitante, una mezcla experta de dinámicas dance con sensibilidad en las melodías. “Aqua Man” se mete en aguas más tranquilas, fusionado tiempos tranquilos y elementos acústicos alrededor de fantasías sobre súper-héroes.”

ANOUK: “Between These Walls”. “La cantante holandesa Anouk es bien conocida por su libertad con su música y su imagen, siendo la personalidad principal del rock holandés. En “Between These Walls” sus cadencias poderosas aferran su enfoque emocional alrededor de una base tranquila y esparcida. Es un tema de pop emotivo con un mensaje que nos implora.”

SHELLEY HARLAND: “Rivers”. “Nacida en Inglaterra y residente en Nueva York, Shelley Harland ha obtenido buena reputación en la escena del dance habiendo colaborado en temas de Joshua Ryan y Pete Fólder, además de haber grabado un disco que saldrá dentro de poco. También es una artista de sensibilidad emotiva y gran profundidad, como demuestra aquí, en “Rivers”, una mezcla preciosa y casi sin ritmo de ambientes glaciales y voces etéreas.”

GRANT NICHOLAS: “Broken”. “Cantante del grupo Feeder, Grant Nicholas tiene un buen pedigrí por haber inspirado composiciones emotivas. Con la canción que cierra el disco 3pm, “Broken”, Grant se muestra más pensativo y algo distinto a cómo suele ser en su grupo de rock, cantando tiernamente sobre otra base melódica con poder emotivo.”

Xavier Valiño

CAMPUS GALICIA ENTREVISTA CON MEDUSA

Deja un comentario

ENTREVISTAS 2003

Medusa, amanece

Vigo. Verano del año 2000. Dos amigos componen una canción, “Que estalle una bomba”. Deciden formar una banda. Se llaman Starluxe. El productor Javier Abreu se fija en ellos, se involucra en sus proyectos y los pone en contacto con Dro. Starluxe se convierte en Medusa que, nada más nacer, se enfrenta a una gran prueba de fuego: telonear a Oasis en su concierto de Vigo.

Este año lo empiezan lanzando un EP con cinco canciones. La primera: “Que estalle una bomba”. “Al principio éramos Eladio (Santos) y yo (Javier Lado) en Brandell Mosca. En ese grupo, en el que se componía en inglés, escribimos las primeras canciones y nos dimos cuenta de que teníamos bastante que decir en castellano”.

Y en un estilo muy diferente al que seguía Brandell Mosca. “Sí, es cierto. Predomina esa idea en la música de que si un grupo canta en inglés y decide pasarse al español simplemente tiene que traducir las letras. Y no. De hecho, para mí, pasar a cantar en español es como volver a empezar. Incluso iría más lejos… En algunos casos un idioma marca un género porque no se pueden cantar tangos en inglés y flamenco en alemán”, dice Santos.

“Por eso, de repente, lo que hacíamos era completamente diferente. No sólo estábamos ante una letra en español. A todo el mundo que quiera cambiarse de idioma yo les diría que se olviden de todo lo que han hecho antes y empiecen de cero”.

Medusa cuenta con un padrino mítico, el productor vigués Javier Abreu. “No sólo nos produce. Fue el que recogió un poco la idea del grupo cuando estábamos a punto de tirar la toalla. Nos pusimos en sus manos y todo empezó a funcionar”.

Y ahora buscan el triunfo lejos de las academias televisivas. “Esos chicos tienen su camino y nosotros el nuestro y no se cruzan en ningún momento. En realidad, compiten entre ellos. No nos estorban. Lo que sí apreciamos en este caso es que se ha invertido el proceso. En vez de ser la fama el último paso, aquí es el primero. Después es cuando llegará, si llega, la creación”.

¿Habrá gira de Medusa? “Queremos ir paso a paso, poco a poco. Primero formamos un grupo sólido. Ahora el EP está en las tiendas. Después saldrá un LP. Y luego… gira. Pero cuando empecemos los directos queremos sonarle a la gente. No salir de la nada”.

Repasemos las canciones de un disco “dedicado al azul del mar, hoy teñido de luto”. “Que estalle una bomba”: “Es la primera canción que hicimos. Por eso nos interesaba que fuese la primera del EP. En realidad, fue una canción que se hizo en otro grupo. Fue la excusa para crear una banda nueva, el punto de partida de Medusa. En ese momento decidimos eso, “vamos a hacer canciones como ésta”. La letra también refleja una ruptura con todo lo anterior… y pone de manifiesto nuestras ganas de que pasara algo”.

“Nena”: “A nosotros nos gusta dedicarle esta canción a un hombre. De hecho, en los conciertos solíamos dedicársela a un ministro refiriéndonos a su presunta homosexualidad, ya sabes, eso de “no te cansas de esperar el tren que nunca va a pasar”. Todo lo que es la palabra nos suena un poco antigua, un poco machista. Nena. Es muy aplicable a muchos hombres. Casi todos somos muy nenas. La mayoría”.

“Ponte ciega”: “Es una canción muy antigua. Se compuso antes incluso de que existiese Brandell Mosca. La hemos grabado mil veces en casa. En principio no teníamos mucha intención de meterla en el disco pero… como nos la sabíamos y eso (risas). No, en serio, creemos que es de las que mejor han quedado. Es muy violenta en el sentido de que es dura de oír. Puede chocarle a la gente, pero eso entra dentro de la filosofía del grupo. Queremos chocar, que la canción te provoque cosas, que te haga sentir, que te conmueva”.

“Déjanos en paz”: “También es de las primeras canciones que compusimos. Es muy clara. Se trata de una reacción ante todo lo políticamente correcto. Al principio, en el círculo de amigos, cuando montamos el grupo, nos querían decir cómo teníamos que hacer las cosas. Incluso, muchos de los que ahora son fans, nos decían que el grupo era un paso en falso. Les contestamos eso: déjame buscar en todas las direcciones antes de cortarme el rollo, si ya alcanzaste lo insuperable y estás cansado déjanos en paz”.

“No amanece”: “Es de Nillo. Es la canción diferente, la más atmosférica. Y sin embargo, sigue teniendo un punto de unión con el resto de los temas. Es una canción de amor que fue elegida como fondo musical para unas imágenes sobre la marea negra en Televigo. Fue una buena elección porque es un tema muy gráfico, lleno de imágenes, que tiene un punto surrealista”.

Unos meses más tarde editan su segundo EP. La conversación continúa, por lo tanto, después de un tiempo.

¿Qué hay de nuevo en el segundo EP con respecto al primero?

– ­El primer EP pretendía ser un ejercicio de total y absoluta honestidad. Allí se quería reflejar al grupo tocando. El segundo adelanta lo que puede ser producir al grupo. Tenemos más arreglos. Y para compensarlo, incluimos dos temas en directo. Si algún día el grupo llega a ser famoso e importante, este segundo EP sería una rareza. Es quizás más atractivo que el primero.

Eso se llama saber venderse.

– ­Pero es cierto, aunque las canciones del primero eran canciones más antiguas y estaban más consolidadas. Este segundo es más experimental.

¿Cómo es Medusa en directo?

– ­Debe ser un poco impresionante (risas). No, lo decimos porque estamos vendiendo muchísimos discos. Es cierto. No lo decimos de forma gratuita. Bueno, muchísimos discos… Se entiende, para ser discos vendidos en conciertos. En cada actuación no bajamos de quince copias. De hecho, de uno de los EP no quedan. Bajo nuestro punto de vista eso es bueno porque quiere decir que el grupo convence. Lo habitual, aunque te guste mucho la banda que estás viendo y no sea un disco caro, es que pienses, bueno, ahora me gasto el dinero en copas y ya me lo compraré.

O sea, que debéis salir a morir.

– ­Es que además teníamos muchísimas ganas de salir a tocar. Ésta es una gira muy esperada por parte del grupo. Estuvimos un año componiendo y grabando. Por eso teníamos tantas ganas de tocar en vivo. Y nos va tan bien que incluso pensamos que el grupo se entiende mejor en directo que en los discos. Cuando te ve delante es cuando la gente se da cuenta de lo que ofreces. Un ejemplo es lo que le pasó a nuestro manager. Le gustaba mucho la maqueta que le habíamos mandado pero no se podía plantear cómo aquello se podía llevar al directo. Sin embargo, cuando nos vio, se dio cuenta de todo, alucinó. A veces eso pasa. Tú, ¿cómo te imaginas a los Smiths? Los vas a ver y flipas. Existen. Como nosotros, igual, que somos un grupo real y tangible.

¿Para cuando el LP?

– ­El Long play. Long Play lo llamaremos. Pues en teoría lo empezaríamos a grabar este mes y en septiembre estaría en la calle. Lo prepararemos entre Madrid y Vigo y esperamos tenerlo listo para en Navidad estar metidos ya en campaña de conciertos. Hombre, estaría bien que antes la gente, al conocernos tras esta primera gira, nos lleve a sus bares y eso. ¡Que nos llamen!

Belén López

1 … 206 207 208 209 210 … 314