Categoría: Entrevistas 2002

ENTREVISTAS 2002

Badly Drawn Boy, melodía encadenada

“Bob Dylan dice que no puede recordar un solo instante en el que no haya sido famoso, y sé exactamente lo que quiere decir.” Damon Gough, más conocido por su seudónimo Badly Drawn Boy, reflexiona en voz alta sobre la situación en la que se encuentra en la actualidad, justamente después de editar su primera banda sonora, About A Boy, tras un primer disco de éxito insospechado, y cuando publica su tercer disco, Have You Fed The Fish?

“Obviamente, él ha sido famoso desde los sesenta, así que estamos hablando de un nivel de fama completamente diferente, pero los cuatro últimos años de mi vida han sido tan intensos que no puedo recordar lo que era ser yo antes de que todo esto comenzara.”

Damon Gough ya no recuerda aquel tiempo en el que era más conocido por su nombre de pila que por su alter ego. Cuatro años atrás acababa de editar dos singles en su propio sello, Twisted Nerve, aunque ya empezaba a ganarse una reputación por sus composiciones únicas y por sus conciertos distintos a lo habitual.

Por aquel entonces, sólo tenía la ambición de grabar “un disco clásico”, que es justo lo que consiguió con su primer álbum, The Hour Of The Bewilderbeast, la banda sonora definitiva del verano del 2000. En aquel año, allá por septiembre, consiguió el reputado premio Mercury, un hecho que lo cogió por sorpresa. “Las cosas buenas no le suceden normalmente a la gente buena,” dijo entonces. En aquel acto pareció profundamente emocionado y, mientras dejaba caer una lágrima, comenzó con un discurso interminable de siete minutos, poco antes de perder el cheque de 400.000 euros durante la noche de la celebración.

Entre los admiradores que aquel disco tuvo estaba el escritor Nick Hornby, que pensó que Damon Gough sería el compositor perfecto para escribir la banda sonora de la película que se iba a hacer de su tercera novela, About A Boy, una gran producción que iba a protagonizar Hugh Grant.

El ambiente cinematográfico de aquel debut también atrajo la atención de los directores de la película, Chris y Paul Weitz, que le pidieron a Damon Gough que escribiera dos o tres canciones para la banda sonora. Le explicaron que El graduado era el ejemplo perfecto de lo que estaban buscando, aunque éste pensaba más en Trouble Man de Marvin Gaye o Superfly de Curtis Mayfield y estaba decidido a hacer algo tan original como fuera posible. “Les costó bastante hacerse a la idea de que yo podía componer la banda sonora entera, aunque yo entendí inmediatamente lo que me pedían,” dice. “Se trataba menos de la música en sí y más de la forma en la que se dirigieron a mí.”

Después de leer la novela, Damon Gough escribió cuatro canciones, incluyendo los dos singles, la hermosa y desesperada “Silent Sigh” y la irresistible y pop “Something To Talk About”. Durante las sesiones de grabación compuso hasta 70 piezas, incluyendo las diez canciones y los siete instrumentales que al final aparecen en el disco. “Hacer About A Boy ha afectado definitivamente lo que voy a incluir en el próximo disco,” afirma. “Cada disco que haces es una reacción a lo último que publicaste, así que mi segundo disco será inevitablemente diferente a lo que sería de no haber trabajado en esta banda sonora. Básicamente, ha abierto mi forma de escribir a muchas posibilidades, que es como se titulará.”

En estos momentos, All Possibilities se graba en el estudio en el que se grabó Pet Sounds de los Beach Boys. Más que nunca, Damon Gough está abierto a dónde quiera que las canciones le lleven, tanto musicalmente como en los textos. “La parte más importante del disco serán cosas que son relevantes ahora,” aclara. “No podría seguir escribiendo sobre relaciones que se rompen, aunque todavía me atrae lo intrincado de una relación. Quiero escribir sobre las cosas extrañas que te ocurren cuando llegas a la posición en la que estoy ahora.”

Hasta ahora, su éxito se medía por las declaraciones de gente de su ciudad, Manchester, como Oasis o Johnny Marr. En los últimos tiempos, sus seguidores reconocidos son más internacionales: Bono, Meg Ryan o Alan Rickman. Incluso ídolos de adolescentes le han pedido consejos -“No te metas en el mundo de la música”, fueron sus palabras- y Joan Collins estuvo encantada de participar en sus videos -“Me gusta su música y pienso que es un chaval con mucho talento,” dijo-.

Los momentos altos y bajos de la fama son el tema de una nueva canción, “How” que dice que será el centro de su nuevo disco. “Es algo grande. Pasa de un country-folk a una sinfonía religiosa y a un rock. Hay una línea que dice: “¿Cómo podré darte las respuestas que necesitas, cuando todo lo que tengo es una melodía?” Me pregunto qué narices puedo darle a la gente y cómo puedo hacer que mi vida funcione en aquellas cosas en las que quiero trabajar.”

El torear la fama es algo que comienza a preocuparle. “Me gusta pensar que si el éxito continúa, seguiré haciendo música que es un reto para mí y, espero, para el público,” dice. “Me gustaría hacer algo más diverso, no como un saxofonista experimental, pero sí salirme de lo que la gente espera de mí.”

Mientras ese segundo disco llega, la banda sonora de una película de gran presupuesto no es lo que los seguidores de Badly Drawn Boy hubieran sospechado de un ídolo que empezó con singles en una compañía independiente, algo que no le preocupa mucho. “Me preguntaba que pensarían de mí por componer la banda sonora de About A Boy. Seguro que mucha gente lo cuestiona, pero espero que muchos de ellos lo vean como un gran video promocional para mi música. Aún mejor, como una promoción gigante por la que no he pagado nada.”

Xavier Valiño

ENTREVISTAS 2002

Gigolo Aunts, power-pop luminoso

Las canciones de Gigolo Aunts son tan diáfanas como una puesta de sol en el Pacífico, justo lo que pretenden demostrar en Pacific Ocean Blue. Su nuevo disco, después de veinte años en el mundo del pop de guitarras poderosas, les trae por nuestro Estado esta semana.

– ¿Es Pacific Ocean Blue el disco en el que la influencia de California es más evidente?

– Creemos que sí, tanto por el clima, como por el ambiente… Creo que todo eso se refleja perfectamente en el sonido del disco, además de que parte de nosotros ha trasladado su domicilio de Boston a California.

– ¿Y es vuestro disco más tranquilo?

– No sabría decirte. La verdad es que Minor Chords también tenía varias canciones muy relajadas, pero quizás la temática sea más relajada y más optimista.

– ¿Qué tipo de cambios en vuestra vida se reflejaron en este álbum?

– El cambio de ciudad, el encuentro con nuevos amigos, una esperanza… Somos más optimistas ahora. En Boston habíamos quemado una etapa, así que necesitábamos un cambio y ha sido a mejor.

– ¿Cómo os ayudaron Counting Crows con el nuevo disco?

– Ellos siempre nos han apoyado a muerte, especialmente Adam Duritz: nos hanfacilitado muchas cosas, y eso que son un grupo muy grande en los Estados Unidos. Adam canta en algunas canciones y David Immergluck toca la steel guitar. Siempre han estado ahí.

– ¿Algún otro invitado?

– Los teclados los ha tocado Chris Joyner, que es el teclista de Sheryl Crow y Soul Asylum. Chris Horvath también ha tocadoel piano y nuestro amigo Alex Vangellow también nos ha echado una mano.

– “Only You” me recuerda a “Feel A Whole Lot Better” (de los Byrds) con partes de “Kid” (The Pretenders). ¿Puede ser?

– Sí, has ganado el concurso: serás obsequiado con una cerveza cuando nos veas en algún concierto. Efectivamente, esatema respira el aroma de esas dos canciones por los cuatro costados. Tómalo como un homenaje a dos de nuestros compositores favoritos.

– ¿Es “Mr. Tomorrow” la canción más cercana a los discos anteriores de Gigolo Aunts?

– Creo que es la canción más típica de nuestro repertorio, pero no creo que haya un antes y un después. Vamos evolucionando, pero no hay una ruptura radical. Siempre seremos los mismos.

– ¿Fueron los 90 un buen momento para el power-pop?

– Hubo grandes grupos, increíbles canciones, gran actitud. Fue el momento más álgido; quizás ahora el power-pop -aunque no me gusta la definición y nosotros nos queremos desmarcar claramente del término- no esté en su mejor momento en cuanto a ventas, pero hay grupos buenísimos por todos lados.

– ¿Qué hace que la reacción hacia vosotros sea diferente en España frente al resto del mundo?

– Los españoles, en general, son más pasionales, se lo toman todo -para bien o para mal- de una manera muy personal, y eso es bueno para la música: hace que tengas que poner todo tu esfuerzo. Creo, honestamente, que es el público más sincero al que jamás nos hemos enfrentado.

– De alguna forma queda claro que la respuesta en España fue la que permitió al grupo seguir adelante en los malos momentos.

– Por supuesto. Gracias al apoyo que recibimos ahí hemos llenado el depósito de energía. Hay un antes y un después de venir a España.

– ¿En algún momento pensasteis en disolver la banda?

– Siempre hay altibajos, pero somos fuertes y llevamos mucho tiempo juntos, así que no vamos a permitir que sea tan fácil acabar esta aventura.

– ¿Fue el 2001 un buen año para el rock’n’roll con bandas nuevas como Richmond Sluts, The Strokes, The Hives…?

– Bien está claro que el rock´n´roll siempre ha estado ahí, así que sólo depende de los periodistas. Pero ten claro que siempre ha habido bandas buenas.

– ¿Hay algún productor con el que os gustaría trabajar?

– Sí, gente como Don Fleming o el mismo Tom Petty. La verdad es que hay un montón de ellos que nos gustaría conocer y que trabajasen con nosotros.

– ¿Qué versiones habéis tocado durante estos años?

– Canciones de Neil Young -"Cinammon Girl"-, The Smiths -"Ask"-, The Pretenders -"Kid"-, o Nacha Pop -"La chica de ayer"-. También hay un montón de versiones que venimos haciendo últimamente, pero que no queremos desvelar, ya que preferimos que la gente las descubra en los conciertos.

– ¿Qué queda del espíritu original de los Sniper de 1981?

– Las ganas de tocar y la misma pasión por la música. Es increíble tocar ante gente que conoce tus canciones y luego te dicen que tal tema les ha marcado. Es una sensación maravillosa.

Xavier Valiño

ENTREVISTAS 2002

Beth Orton, cielo de cemento

Mientras crecía en Norfolk, Inglaterra, Beth Orton llevaba una vida muy distinta a la de sus hermanos. Al tiempo que ellos asistían a conciertos de grupos punk, ella se mantenía ocupada escribiendo poemas y tocando la guitarra. Poco a poco, las canciones comenzaron a florecer. En el momento en que conoció al pionero de la música electrónica William Orbit -quien acercó a Madonna al futuro en Ray of Light- y a los Chemical Brothers, su composición había madurado definitivamente. Además de colaboraciones en discos de gente como los propios hermanos químicos, sus dos primeros discos son piezas muy especiales de la electrónica folk. Ahora llega Daybreaker, el disco que la acercará al gran público.

¿No te interesaba la música de los años de tu adolescencia?

– No mucho. Lo que a mí me interesaba era Saint Etienne y Primal Scream. Estos últimos consiguieron enervarme; casi me asustaban con sus discos. Uno de los discos que mis padres ponían constantemente mientras crecía era Revolver de los Beatles. También me daba miedo, porque es la clase de música que te hace esconderte detrás del sofá. Te intriga y quieres saber más de ello, pero no estás segura si deberías. Al mismo tiempo, conocí a William Orbit y nos hicimos amigos. No era que siguiera su música, que me parecía demasiado pop, pero me gustaba su compañía.

¿Cómo empezaste a interpretar tus canciones?

– William Orbit me hizo recitar primero y, después de unas copas, empecé a cantar. Así entré en la escena de baile. Los Chemical Brothers oyeron mi colaboración con Red Snapper y me pidieron cantar para ellos. Al mismo tiempo, quería escribir mis propias canciones. Tenía gracia: trabajaba con productores de música de baile y escribía canciones acústicas.

Por lo tanto, lo que llaman folktronica en relación con tu música parece muy natural.

– No era ni una cosa ni la otra cuando crecía. Mis hermanos creían que vivía en cuentos de hadas, escribiendo poesías, alejada del mundo real. Pero yo conocía cosas que ellos no sabían. Vivía otra vida. La gente siempre tiene vidas secretas. Al final se me conocía como la persona a la que siempre le dicen que se calle la boca.

¿Qué te llevó a la música de Ryan Adams y cómo fue vuestro encuentro?

– Pasé una mala etapa y encontré una belleza y una experiencia increíbles en su disco Heartbreaker. Pensé que tendría 40 años. Me enganché a la verdad de su voz. Sus palabras y sus melodías me parecieron muy originales. Más que escucharlo con mi mente, lo escuchaba con mi corazón. Después, cuando lo conocí, pensé que era un gilipollas, un estúpido americano. No pretendo ofenderle, ni creo que él se sienta ofendido porque lo diga. Ya en el estudio me pareció maravilloso. La conexión musical fue muy fuerte, algo obvio cuando escuchas las canciones. Conecté inmediatamente con la canción “This One’s Gonna Bruise.”

Parece escrita por ti, aunque supongo que la escribiría contigo en la cabeza.

– Sí, por eso quería que la cantara yo, aunque creo que la compuso para otra chica.

¿Cómo fue trabajar con Johnny Marr?

– A mediados de los 80, los Smiths estaban en todas partes en Inglaterra. Lo mío con ellos era una relación de amor-odio. A Johnny Marr lo conocí en un hotel. Empezamos a hablar, sin saber quién era. Sólo después de un buen rato me enteré. Pero ya habíamos conectado bien. Acabamos la noche con unas botellas de vino y unas guitarras cantando.

¿Cómo te afectan todos estos concursos musicales televisivos?

– Lo han infectado todo. Es horroroso. La fama por la fama es algo nauseabundo. Quiero que mis ídolos sean como Elvis Presley, que estén ahí por una razón, porque han conseguido algo artísticamente, algo que yo no puedo conseguir. Aunque todo el mundo tiene derecho a experimentar sus 15 minutos de fama. Lo que sucede es que hoy todos quieren estar ahí por las razones equivocadas. A otro nivel, esta expansión de los ídolos pop es algo bueno porque conseguirá que los artistas que trabajan en el underground logren despuntar.

Por el tono del disco se diría que pasas mucho tiempo murmurando en los bosques.

– Una de mis fuentes principales de inspiración es tratar de unir la emoción y el paisaje. Lo veo como la misma cosa. También miro mucho al cielo, y canto. A veces me pregunto qué hay ahí. Cuando eres joven te dicen que Dios está allí, y hubo un tiempo en que no me gustaba demasiado. Parte del disco tiene una conciencia ecológica… Ahora mismo nuestro cielo está muy viciado.

¿Tienes mala suerte en el amor?

– No lo sé. He tenido relaciones muy buenas, pero también creo que espero demasiado. Trato de no experimentar con la gente que conozco, porque es algo personal. Las canciones verdaderas vienen de las experiencias de la vida real, no de orquestar situaciones que lleven a la inspiración. Trato de ser honesta. He vivido mis canciones y mis canciones me viven.

¿Algún malentendido por ello?

– Las relaciones con otras personas son privadas y si revelo cosas en las canciones, sólo yo lo sé. No sé siquiera si la otra persona lo sabría. Tuve un novio que decía que una serie de canciones hablaban de él y que debería de darle derechos de autor. Lo mandé a tomar por saco.

Xavier Valiño

ENTREVISTAS 2002

Hidrogenesse, populismo comprometido

Según ellos mismos -Carlos Ballesteros, voz, y Genís Segarra, teclista-, Hidrogenesse se conocieron en una convención del sector -¿cuál?- hace más de cinco años, y desde entonces han dedicado parte de su tiempo y talento a este grupo de rock arty y conceptual.

Hidrogenesse empezó con un carácter bien definido y, aunque ensayaron varios estilos y abordaron distintos temas, siempre se han mantenido diamantinos respecto a su credo estético y ético, basado en el populismo. Su fascinación por la cultura de masas, el pop, los medios y la sociedad, les han llevado a explotar todo tipo de fórmulas, de géneros y de estilos, intentando construir un vehículo de comunicación directo e infalible. Por eso no se les puede catalogar estilísticamente: han hecho desde balada romántica hasta falso rock and roll, pasando por el italo-disco o la experimentación electrónica.

Ya desde el principio se les acusó de usar elementos kitsch en sus obras. Sin embargo, según ellos, “nunca nos ha interesado lo kitsch. Siempre intentamos imprimir en los espectadores confianza en sí mismos, una base. Para nosotros, nuestras canciones giran más en torno al espectador que a cualquier otra cosa.”

Debutaron en el recopilatorio Lujo y Miseria (1997) con cuatro canciones, entre las cuales estaba “Hidroboy” y una versión de Morrissey traducida al catalán. En el 2000 publicaron el single “Así se baila el siglo XX” y, ya en el 2001, editaron un EP de cinco temas titulado “Eres PC Eres Mac”. Ahora presentan su primer disco, Gimnàstica Passiva.

“El disco es un homenaje al periodo comprendido entre 1987 y 1992: los años que nos marcaron como aficionados a la música. Una época en la que lo único que hacíamos era escuchar música.”

“También hemos intentado explicar en este disco qué coño es esto de tener un grupo, en canciones como “Hidrogenesse Asociados” o “1987”. Esta canción, “1987”, está inspirada por la trayectoria de The KLF / The JAMS / The Timelords. Tenían una ideología inventada y un programa estético basado en la propaganda, y llevaron sus tesis hasta el final: disolvieron la banda después de vender millones de discos, quemar un montón de dinero -literalmente-, y lanzar un ingenuo ultimátum a la humanidad entera: no grabarían más discos hasta que no hubiera paz en el mundo. Música, escapismo, ideología y consumismo anti-capitalista.”

No son las únicas referencias de su debut. “Hay otros homenajes en este disco. Además de “Kurt, Courtney, Frances Bean And Me”, nuestro tributo a las tres personas más importantes de los 90, hemos usado guitarras de los Auteurs, baterías de los Sparks, de T.Rex… Hay guiños a la D.A.F. y a los Smiths, y también hemos usado frases que hemos oído o leído de nuestros artistas favoritos.”

La electrónica no es algo insospechado, pero aquí hay más. “Suponemos que lo que se espera de un disco de Hidrogenesse es que suenen muchas cajas de ritmo, vocoders y guiños a los 80 pero al hacer Gimnàstica Passiva nos hemos fijado más en otro cambio de década: finales de los 70 y principios de los 80, en el que grupos como The Cars, Sparks, Pete Shelley y The Associates recogían la herencia del glam y del punk y empezaban a usar la rudimentaria electrónica del momento. En este disco además de vocoders y sintetizadores hemos grabado guitarras acústicas y eléctricas, armónicas, baterías y bajos.”

El tema que abre el disco, “Hidrogenesse Asociados” es algo así como el himno oficial del grupo y es, a la vez, una autobiografía y un manifiesto. “En la canción, el azar de una calurosa jornada reúne a dos solitarios que son -no tardan en descubrirlo- almas gemelas,” comentan, “perplejas en el caos de la vida moderna. Un vago deseo de hacer algo y un inquebrantable optimismo hará que se abismen en la música, la literatura, el deporte… Pero cada nueva empresa, lejos de lo que esperaban, les llenará de escepticismo, y el desánimo no tardará en aparecer… para ilusionarse de nuevo con otra cosa.” O sea, su historia.

“No hay nada más triste que lo tuyo” es una canción muy especial. “La canción más single del disco la hemos estado tocando en directo desde 1998, y está basada en hechos reales. Cuando la hicimos, pretendíamos componer nuestro Meat Is Murder de los Smiths, y al final creemos que hemos resumido ese legendario LP entero en nuestra canción: con animales, ferias, extrarradio, vidas miserables, gentes desesperadas, etc.”

“Góngora” también sorprende al adaptar versos del poeta. “Otra canción muy especial para nosotros es “Góngora”. Hemos puesto música a unas estrofas de El Polifemo (1613) de Luis de Góngora y hemos contado con la colaboración de Rosa de los Vientos, de Chico y Chica, que la canta a dúo con Carlos. También colabora en el disco Alfonso Melero, batería de Hello Cuca!, que toca dos veces la batería en “A-68” y en “1987” las maracas.”

Gimnàstica Passiva es puro populismo porque es directo y variado, y resulta atractivo desde la primera escucha. Pero también porque los temas se abordan de un modo comprometido, político. Ellos dicen que su disco es “un manual de estrategias personales para combatir el individualismo, la soledad y la alienación del capitalismo”, y resumen estas estrategias en tres acciones: “uno, formar una banda, dos, escapar, y tres, enamorarse. Es obvio que la tercera opción ya incluye las dos primeras.”

Xavier Valiño

Nacho Goberna, minutos que acarician

 

 

¡Quién lo iba a decir! La Dama Se Esconde tiene continuidad. Después de varios años relacionado con otros proyectos, Nacho Goberna, uno de los dos componentes de aquel dúo, regresa con un hermoso disco en solitario de título Transparente.

¿Cómo fue la disolución de La Dama Se Esconde?

– Algo meditado ente Ignacio Valencia y yo. Queríamos vivir otras sensaciones diferentes a las ya vividas.

Para quien no lo sepa, ¿qué has hecho en estos años?

– He estado muy vinculado a Internet. En 1995, con la creación del portal de música española GET donde comenzaron su andadura en la web muchas discográficas independientes: Subterfuge, Elefant, Siesta, Jabalina… Y después con el desarrollo web propiamente dicho, como las webs oficiales de Raimundo Amador, Alejandro Sanz…

¿Cuándo empiezas a pensar en la posibilidad de volver a grabar?

– Fue una decisión repentina. La tomé en septiembre del 2001. Dos semanas después ya estaba trabajando en mi primer disco en solitario, o sea, en Transparente.

¿Las canciones que se recogen en este disco fueron compuestas a lo largo de todos estos años o especialmente para la ocasión?

– Todo es fruto de mi decisión de editar mi primer disco. Cada una de las nueve canciones han nacido entre septiembre del 2001 y mayo del 2002. No quería que el disco fuera como un grandes éxitos, un collage de todo lo que he hecho en los últimos años fuera del lado público de la música. Transparente es un autorretrato de Nacho Goberna, Hoy, aquí, ahora. Un disco conceptual.

¿Te sientes más cómodo grabando tú todo o fue una cuestión de comodidad?

– Quería acercarme lo más posible a lo que tenia en mi pensamiento…Y, ¿qué mejor manera para hacerlo que controlando todos los procesos en la realización el disco?. De ahí vino el grabarlo en mi estudio, mezclarlo, producirlo, hacer el diseño de portada, la foto. Por eso es mi disco más personal. Jamás había llegado tan lejos en ese control. Jamás me había desnudado de esta manera. 

¿Hubieran aportado otros elementos otros músicos?

         – Seguro que hubieran aportado cosas diferentes… Pero entonces este disco no sería Transparente, seria otra cosa..

El control se extiende a la producción y el diseño gráfico. ¿Grabaste primero el disco y luego lo ofreciste a una compañía?

–  Así fue. Una vez acabada la producción y mezcla fue cuando me pregunté cómo lo iba a publicar, y de ahí a El Diablo-Gran Vía Musical el trecho fue muy corto.

¿Has quedado satisfecho de la grabación?

– Sí, tanto con los resultados como con el método. De hecho, el método que he utilizado es un camino sin retorno. Así es como me gusta componer y grabar.

¿Entiendes Transparente como una continuación de los álbumes de La Dama Se Esconde o de alguna de sus canciones?

         – No es una continuación. Es el primer disco de Nacho Goberna. Hay muchos elementos nuevos, pero sí existe un nexo que nace de la persona que ha escrito todas las canciones de La Dama Se Esconde y los nueve temas de Transparente. He tratado de construir sobre lo construido. He tratado de llegar más alto, más lejos, pero siguiendo mi sendero como autor.

¿Sientes que con La Dama Se Esconde no expresaste todo lo que querías o no alcanzaste todo lo que querías?

– Definitivamente hablar de sentimientos significa aceptar que jamás podrás decirlo todo. Me queda casi todo por decir. Pero antes de Transparente me quedaba más.

¿Qué te pareció el regreso en su momento de otros grupos de los 80 como Radio Futura, Aviador Dro, Golpes Bajos, La Granja…?

         – Creo en la libertad de cada uno para decidir su propio presente y futuro. La gente tiene posteriormente en sus manos valorar lo que cada uno hacemos, decimos, transmitimos.

¿Había más ilusión en la gente en los 80, menos intenciones a la hora de hacer música?

– Quizás había mas descaro.

¿Pretendes reflejar ahora los mismos gustos que entonces?

         – Pretendo expresarme, dejar que los colores de los que impregno mis canciones, mis letras, viajen a otros lugares donde cada oyente los utilice para pintar su propia escena.

¿Qué has descubierto en los últimos años que te haya sorprendido –música, cine, Internet…-?

– La evolución de la tecnología, su abaratamiento… Eso me parece maravilloso y con una trascendencia enorme en todos los ámbitos, el creativo incluido.

¿Cuál de tus discos anteriores te gusta más?

– Según el día y la hora te diría uno distinto. Hoy y aquí, por ejemplo Armarios y camas.

¿Hay algún responsable de que Agrimensor K primero, La Dama Se Esconde después y Nacho Goberna ahora iniciasen una carrera y grabasen sus discos?

         – La inquietud creativa y la necesidad de desnudarme en letras, en canciones, necesidad que me acompaña desde los 16 años.

¿Hay intención de presentar el disco en directo?

– A partir de febrero del 2003.