Categoría: Entrevistas

‑ Otra vez la España rural, pensada para pueblos concretos y personas concretas. Aunque podrían suceder en, digamos, La Mancha, como en un pueblo de Méjico o Colombia. Es un lenguaje válido para toda la raza, como se dice por allí. Quizás es el tema al que le tenemos más cariño de todos: ni se nos ocurriría remezclarlo o rehacerlo.

 

– Veneno en la piel

‑ Una advertencia contra la toxicidad de la imagen, sobre todo cuando tiene cuerpo femenino y capacidad de seducción. Aquí quisimos hacer un homenaje a Ollie Halsall, que era uno de nuestros guitarristas míticos incluso antes de tocar con nosotros: el solo que hay en la canción es el que él había hecho en la versión instrumental antes de morir.

 

– Corazón de tiza

‑ Parte de un amorío infantil. Tarde de principios de verano, en un barrio pobre de Zaragoza, jugando con unas niñas. Estas tonterías de críos luego se convierten en enigmas cuando te haces mayor. Musicalmente buscamos esa especie de inocencia de un tema ligero pero con garra. Ésta es la versión de Tierra para bailar, mejor resuelta rítmicamente, con el órgano que tocó Joe Dworniak al final que echa candela y el rap que hicimos para el maxi.

 

– El puente azul

– Era el nombre del bar de Dimitri, un amigo de Londres, en el barrio de Candem. Improvisamos y salió esto: se empezó a trabajar una noche sin letra y se terminó a la siguiente. De vez en cuando da resultado intentar aproximaciones tan descaradas y sin preparación.

 

– La estatua del jardín botánico

– Con este tema se inició realmente la carrera consciente de Radio Futura como banda de rock experimental, dejando atrás un pasado de currantes y estudiantes que firmaron un mal contrato allá por el 81 que nos llevaba por terrenos no deseados. De repente, decidimos lanzarnos a un art-rock en castellano que era muy raro para la época, con final instrumental casi psicodélico. En la versión actual hay varias generaciones de guitarristas. Al final, este intercambio de ideas musicales justifica la preocupación de volver a pensar en estos temas.

Australian Blonde, inmediatez pop

 

 

         Tres disco después, Extra suena como el debut perfecto para cualquier grupo, a base de melodías y energía pop. Australian Blonde son conscientes, aunque volverán a intentar dar rienda suelta a otros experimentos.

 

– ¿Era  premeditada la intención de marcar diferencias respecto al disco anterior?

– A mí me están sorprendiendo las críticas positivas que está recibiendo este disco, sobre todo comparándolo con el anterior, en el sentido de que dicen que aquél era malo y éste es bueno. El anterior es verdad que era un disco bastante largo en el que todos nos explayamos quizá en demasía. En Extra lo que intentamos fue condensar, ir al grano y acortar.

 

– ¿Y afectó en esa determinación la acogida más tibia que tuvo?

         – Sí, aunque paradójicamente en cuanto a ventas todos los discos se han mantenido en torno a las 15.000 copias, independientemente de una cosa u otra. Lo que ha sucedido es que al estar con una compañía multinacional como RCA las expectativas eran mayores.

 

– ¿Se os pasó por la cabeza dejarlo después de ese disco?

         – No, que va. Porque el grupo nunca ha estado parado, siempre hemos estado tocando y escribiendo. De hecho, el fruto de estos dos años son las canciones de Extra. No son temas que surjan de la nada, de un mes hacia atrás, sino que son el producto de estos años. El disco, por otra parte, creo que refleja nuestro buen estado de salud.

 

– ¿Veis Extra como lo que podía haber sido vuestro disco de debut?

         – No con esas palabras, pero sí que pienso que es el disco que siempre quisimos hacer. Por fin hemos hecho un trabajo que consideramos muy defendible. Para este disco teníamos 30 o 40 canciones y se escogieron los singles, y eso es lo que condiciona el disco. Hemos eliminado las canciones un poco más discursivas o melancólicas y nos hemos quedado con las canciones más comerciales, con todas las connotaciones que tiene la palabra. Las más radiables, con energía y pegadizas.

 

– ¿Y cómo el disco de Australian Blonde que todos pensábamos que podíais hacer?

– Supongo que hay algo de auto-afirmación y orgullo en el hecho de poder presentar un disco así.

 

– ¿No os hace gracia pensar que fuisteis pioneros en una fórmula que ha colocado en el mapa a nombres como Dover, aquello de prestar música a un anuncio de televisión?

– Gracia no es la palabra más acertada; en tal caso te produce envidia. Envidia en cuanto a los discos que han vendido. Personalmente me alegro muchísimo porque son unas excelentes personas y han trabajado mucho para conseguir lo que tienen. Pioneros no sé. Supongo que habrá gente que tenga a Australian Blonde como punto de referencia, pero recuerdo que cuando empezábamos El Inquilino Comunista y Los Planetas eran los que llevaban un poco esa bandera. Los Planetas sobre todo como punto de mira de las multinacionales, es decir, como grupo potencialmente comercial.

 

– ¿Qué ha quedado de ese espíritu indie con el que nacisteis El Inquilino Comunista, Los Planetas, Penelope Trip y Australian Blonde?

– Personalmente, me he visto en la obligación de vender discos. Como grupo independiente, estoy hablando. Una presión que nunca pensé que iba a sentir tan fuerte, pero que por otro lado ha hecho que grabase el mejor disco de mi carrera. Siempre tienes que negociar con la realidad, moviéndote en un mar de ambigüedades. Yo siempre he desconfiado de la gente que es tan fundamentalista. No puedes estar en el negocio de la música y salir inmaculado.

 

– ¿Por qué si a algunos grupos se les alaba por su tono melancólico, en el caso de Australian Blonde se prefiere su lado más luminoso e inmediato?

– Creo que eso obedece a que tú tienes una imagen de tal o cual grupo en la cabeza y en la medida en que ese grupo satisfaga ese ideal lo asimilas o lo rechazas. Muchas veces, a lo mejor, no se nos dio la oportunidad de demostrar que podíamos hacer canciones diferentes a “Chup, Chup” pero con la misma calidad. Igual lo que tanto el público culto como el público masivo espera de nosotros es ese tipo de canción, por lo que nos hemos visto un poco condicionados por ello. Creo que nuestra pelea está en demostrar que el grupo tiene peso específico, que somos buenos compositores y que nuestro directo es muy defendible.

 

– ¿Ésa es la razón de haber dejado esas dos canciones tan distintas para el final del disco?

         – Sinceramente, sí. Queríamos darle un poco de peso específico al disco, nos parecía que quedaba demasiado circunstancial, demasiado inmediato. “Molécula Go Go” es claramente un divertimento, una pura influencia de los japoneses, pero “Slow Down” es una canción que creo que tiene bastante contenido e incluirla era un poco como revelarse contra toda esa dosis de energía pop que nos invadía y que desperdigamos en las otras diez canciones.

 

– ¿No teméis que, ahora que os han salido tantos singles en un disco, muchos se pierdan entre las canciones del resto del LP?

– Siempre tienes que estar negociando con la compañía, con tu público, con tu grupo, contigo mismo… Y al final lo que quedan son las canciones. Lo que queda es que dentro de 20 años hayas hecho un tema que quede en la memoria de la gente y que, de repente, a personas que no sean de tu propia generación les parezca una canción valiosa. Esa es la mayor prueba de calidad que hay.

 

Mus, melodías para conciliar el sueño

 

 

         Fran Gayo y Mónica Vacas están hechos de otra pasta, eso está claro. Lo suyo es una sorprendente anomalía en el pop patrio. En el tiempo que va de los Eps Zuna y Pigaz al LP Fai han transitado por la senda del trip-hop y la de las nanas tradicionales. Eso sí, ni mentarles aquello de las bandas sonoras.

 

¿Es cierto que Fran grabó sólo las dos primeras maquetas y que más tarde apareció Mónica?

         – Sí, la cosa empezó así, con dos maquetas de instrumentales que tuvieron reseñas muy positivas en Rock De Lux y Spiral, a veces incluso excesivas, un poco salidas de madre. Para la grabación de la tercera maqueta ya empezamos a probar a incluir voces y nos pareció que todo ganaba en personalidad, las canciones se redondeaban más.

 

¿Qué había en aquellas dos maquetas? ¿Alguna canción acabó en los discos?

– Las dos primeras, las más, digamos, trip hop o abstractas, se quedaron en eso, dos maquetas para los señores críticos y para la gente que me llamaba (Fran) por teléfono y me la pedía contrarrembolso. Ningún tema fue recuperado en los discos. De la tercera maqueta se recuperaron prácticamente todos los temas para Zuna, aunque vueltos a grabar en los estudios Bunker.

 

¿En qué momento Mus se convierte en algo real?

         – Posiblemente en el momento en que Jesús Llorente nos propone grabar algo para Acuarela. Ahí es realmente donde empezamos a medir cuánto hay de realidad y cuánto de jugueteo en el que no merece la pena perder mucho más tiempo. Es una sensación rara que asusta un poco: nunca has tocado en directo, poca gente te conoce y, de repente, tienes que meterte en un estudio de grabación. De todos modos, con cada nuevo paso todo se hace más real, el primer EP porque es el primer disco que grabas, el segundo porque es el previo al LP, el LP porque es donde debes confirmar los augurios…

 

¿Ya nació Mus usando las bases electrónicas y con ese concepto?

         – No nació con ese concepto, más bien nació DE ese concepto. Cuando comencé a jugar con los programas de la SB16 de mi ordenador lo hacía igual que podría haberme dedicado a pasar más y más pantallas con el Duke Nuke o cualquier otro juego. La falta de conocimiento condicionaba de manera definitiva la estructura de las canciones, de ahí la obsesión repetitiva en los primeros temas, los ritmos quebrados. En realidad, nunca llegas a saber dónde acaba la incapacidad propia para manejarte y dónde comienza lo sencillamente distintivo de un estilo personal.

 

¿Sería posible una aventura así con instrumentos convencionales?

         – Cada vez tenemos más claro que sí. De hecho, en Fai tanto los teclados como violines, bajos o guitarras han cobrado protagonismo. Aun así, el trabajar con muestras permite que a veces salte la sorpresa: una muestra mal disparada, colocada en el sitio inicialmente incorrecto, puede conducirte a veces a un arreglo que nunca se te ocurriría de modo consciente y premeditado.

 

¿Y el gusto por la música tradicional vocal de dónde viene?

         – Es la música que conoces desde crío, no desde la elección personal, desde el gusto, sino desde la convivencia con ella, igual que convives con un vecino o familiar con el que no tienes por qué llevarte especialmente bien. Más tarde aprendes a valorar ese tipo de convivencia que dan los años y te das cuenta del verdadero valor que toda esta música que has aprendido a través de tus mayores, y no de las emisoras o revistas de moda, tiene en tu vida.

 

¿Qué significan Zuna y Pigaz, títulos de vuestros dos primeros Eps?

– Zuna es un tipo de vicio o costumbre que sale a los animales cuando los maltratan, que se hacen hoscos… Más o menos, aunque no es exacto del todo. Pigaz es una palabra que en realidad no existe en asturiano, o casi. Es una especie de apócope de la palabra pigazu, que viene a ser siesta en asturiano. La sonoridad a veces viene dada por errores propios y también por limitaciones. La sonoridad es un resultado de todo, lo negativo y también lo positivo, fallos y aciertos. Y para dar ese resultado cuentan también las limitaciones de trabajar con -pocos- instrumentos electrónicos.

 

¿Es Acuarela el sello estatal más propenso a editar músicas con un componente más arty, como Diariu, Jr. o vosotros mismos?

         – Aún hoy, a tres años vista de haber fichado por Acuarela, no comprendemos el término arty, al menos aplicándolo a nosotros. Hemos procurado huir siempre de la cita directa, del guiño intelectualillo. Si hemos necesitado un sampleado en francés para un tema nos ha dado exactamente igual que sea de una película de Jacques Rivette, de Louis de Funes o de un noticiario; el caso es que cumpliese bien su función, sin ir más allá. Lo que sí nos parece Acuarela es un sello con especial querencia por jugarse los presupuestos con grupos más bien difíciles, aunque de buena prensa. Y eso es loable, aunque supongo que no muy rentable.

 

¿Compartís la opinión de Jesús Llorente en el sentido de que las propuestas más interesantes llegan de Asturias y Barcelona?

         – Bien, no lo tenemos muy claro, pero si efectivamente fuese de ese modo tendría una lectura muy diferente el hecho de que parte de los grupos más interesantes del estado pertenezcan a una “megalópolis-ultra-moderna” como Barcelona, o a una ciudad pequeñita, con unas características socio económicas muy determinadas, no muy propensa a la introspección, como es Xixón. En el caso de Barcelona no deja de tener su lógica: siempre están a la última en todo y da la sensación que son siempre los primeros en cambiar de asiento cuando va a haber un cambio de moda o tendencia. En Xixón, evidentemente, eso no sucede.

 

¿Aceptaríais componer la banda sonora de una película?

         – Quizás, pero tampoco tenemos especial interés en ello. Hay compositores que se dedican exclusivamente a esta labor, profesionales que realmente cumplen en ese tipo de encargos. La mayoría de las veces en que se encarga una banda sonora a un grupo no muy acostumbrado a estas lides los resultados no suelen ser ideales. Ahora mismo se nos ocurre la poco lucida colaboración de Orbital con Michael Kamen en Even Horizont.

 

¿Qué os parece que hablen de vuestras canciones como banda sonora de una película imaginaria?

         – La verdad, es una línea de texto que, de tan recurrida, empieza a perder gracia. Es algo que nos resulta ajeno y, supongo, debería preguntársele por ello más a los críticos que a nosotros dos. Al fin y al cabo, es algo un poco fruto de su imaginación y no de la nuestra. Sí es cierto que nos interesa recrear ambientes con nuestra música, y que nos parece estupendo que nuestra música se ponga de fondo para hacer otras cosas, todo tipo de cosas, pero de ahí a firmar una vinculación con el tema de las películas imaginarias…

 

¿Y que se mencionen nombres como Barry Adamson, Portishead, Spiritualized o Angelo Badalamenti es un halago o un lastre?

         – Son nombres todos ellos que admiramos muchísimo, y que se los mencione como referente es todo un orgullo. Está bien tener influencias y sobre todo reconocerlas, siempre que esto no te lleve a mimetizarte de manera escandalosa.

 

¿Sigue siendo aquello de ‘canciones para conciliar el sueño’ la mejor definición del sonido de Mus?

         – Desde luego, nos gusta mucho más que lo de las películas imaginarias. De hecho en la estructura del Fai todos los tempos se van ralentizando progresivamente para acabar dando con esa especie de antídoto contra el insomnio que es “Sebastián”.

 

¿Sois conscientes de hasta donde podéis llegar con vuestra música, de las cuerdas sensibles que podéis tocar en la gente?

         – Es difícil hacerte una idea de eso. Estamos hablando del papel que el oyente juega en la música, algo que escapa a nuestro control, aunque a veces nos permitamos algún truco fácil a base de crescendos, cuerdas, etc. De alguna manera, es más mérito de quien escucha el disco.

 

Me imagino que vuestra propuesta es casi irreconciliable con el directo. De todas formas, ¿pensáis hacer algún concierto?

         – De momento no. Suponemos que a base de una buena inversión podríamos llevar esto al directo, contratar músicos, adaptar las canciones al directo… Pero serían demasiados esfuerzos para algo que no tenemos claro que merezca la pena.

 

 

¿Qué es lo que más os sorprende ahora en relación con vuestros primeros discos?

– Que hayamos sido capaces de seguir hasta aquí. Para mí, eso es lo más sorprendente. Continuar y ser siendo vitales, y yo entiendo que seguimos siendo vitales. Creo que seguimos haciendo cosas grandes e importantes. Por lo menos para mí y para un escogido número de personas, pero es más que suficiente.

 

Sea lo que sea lo que Black Grape quiere conseguir con su propia versión parodiando la película In Bed With Madonna, no hay duda de que Stupid, Stupid, Stupid no es un trabajo de lunáticos, aunque se trate de lunáticos autodeclarados. "Creo que este álbum va a ser un bombazo", comenta el productor Danny Saber. "Es consistente de principio a fin. Cada canción, a un cierto nivel, demuestra que hemos crecido y avanzado." Y Shaun Ryder lo corrobora: "Hemos intentado que cada uno de los temas sea como una mini película. Este álbum es como un "Grandes éxitos", cada canción es un single." Y lo peor es que el bueno de Ryder tiene razón.