Categoría: Entrevistas

Ocean Colour Scene, corredores de fondo

La semana que su álbum Marchin Already fue número 1 de las listas de éxitos, arrebatándole el puesto a Oasis, Noel Gallagher tuvo la gentileza de hacer llegar su felicitación a Ocean Colour Scene enviándoles una placa con la inscripción: “Para la Segunda Mejor Banda del Reino Unido”. “Y ya que The Beatles son la primera mejor banda del Reino Unido”, el vocalista y compositor, Simon Fowler, comenta entre risas que “fue muy amable por su parte”.

            Ahora que se edita su nuevo disco, The Hyperactive Workout For The Flying Squad, Simon Fowler se presta a recordar su historia. El grupo se creó cuando dos bandas, The Boys y The Fanatics, se conocieron y se transformaron en una sola. Ambas bandas eran de Birmingham, ambas habían lanzado singles independientes. The Boys eran una formación mod liderada por el guitarrista, Steve Cradock, mientras que The Fanatics, que tenía en sus filas a Simon Fowler, Oscar Harrison y Damon Minchella, se inspiraba en The Velvet Underground. Juntas, se convirtieron en Ocean Colour Scene. El nombre lo encontraron un día que pasaron en la biblioteca local, hojeando libros y diccionarios. El padre de Steve, Chris Cradock, se hizo cargo de las tareas de mánager.

En 1990, la banda firmó un contrato con un sello discográfico local llamado Phfftt Records, y al año siguiente lanzaron el single de debut de la banda, “Sway”. Justo entonces, Phonogram Records absorbió a Phfftt, como suele suceder con compañías así, y Ocean Colour Scene se encontró de pronto en el sello Fontana. Cuando los pusieron en el estudio con Jimmy Miller, el legendario productor de los Rolling Stones, la banda pensó que el sello era genial. Un año más tarde habían cambiado de opinión.

“Empezamos con Jimmy Miller”, recuerda Simon, “que era un bebedor empedernido. Creo que fue una de las primeras ocasiones en las que fui a Londres y me quedé a pasar la noche. Era como decir: estamos en Londres con el productor de los Stones, ¿qué vamos a hacer?” El camino que decidieron tomar sacó a relucir la incompatibilidad entre el productor y la banda desde el punto de vista del trabajo, aunque se lo pasaron muy bien hasta que lo llegaron a descubrir.

Las sesiones con nuevos productores, como Tim Palmer o Hugo Nicholson, tampoco tuvieron mucho éxito. Cuando salió el álbum de debut de la banda, con título epónimo, parecía que su momento ya había pasado. “Salió dieciocho meses más tarde de lo que teníamos previsto”, recuerda Fowler, “y para entonces nadie se acordaba de nosotros y todo el mundo estaba interesado en Nirvana. Además, no era nuestro sonido habitual. Era psicodélico, éramos nosotros tratando de conseguir los sonidos de las bandas que nos gustaban”.

La banda discutió con Phonogram sobre los enormes gastos en que habían incurrido para grabar el disco. Cuando comenzó la batalla legal entre la banda y el sello, los chicos se vieron de nuevo en el paro. Se inició entonces un periodo en su carrera exclusivamente dedicado a componer canciones. Como la compañía había prohibido a la banda tocar en vivo hasta que la disputa se hubiera resuelto, era la única opción que les quedaba.

Con unos ingresos escasos, el mánager, Chris Cradock, que había dejado su trabajo para ocuparse de la banda, estuvo a punto de tener que hipotecar su casa. Con todo, la adversidad no logró romper esta banda. La fe que tenían era como la sangre que los mantuvo vivos.

El regreso de la banda se inició en 1993, cuando Paul Weller les pidió que fueran sus teloneros en algunos conciertos en vivo. Tras las actuaciones en Leeds y Londres, Weller invitó a Steve Cradock a tocar la guitarra en un single llamado “The Weaver”, y también llamó a Simon Fowler para que cantara en su álbum en solitario, Wildwood.

Cradock aceptó la oferta de Paul para acompañarle de gira. Entonces comenzó a invertir en la banda buena parte del dinero que ganaba. “Steve mantenía viva la banda, básicamente”, revela Simon. “Pagó el alquiler del estudio, que era 750£ al mes, mientras todos estábamos en el paro. Yo escribía todas las noches simplemente para que tuviéramos algo que hacer al día siguiente. Muchas de las canciones que acabaron formando parte de nuestro siguiente álbum, Moseley Shoals, más todas las caras b, fueron escritas entonces.

La banda pudo entonces grabar una maqueta, que hicieron circular por la industria. Un músico que escuchó la cinta e inmediatamente ofreció a OCS un hueco en su gira del otoño de 1995 fue Noel Gallagher, de Oasis. El impresionante éxito comercial de su banda estaba ya preparando el terreno para un nuevo capítulo en la música británica, al que la prensa llamaría britpop. Era una etiqueta fácil, pero atrajo la atención sobre un grupo de bandas con gustos e ideales similares; los Stone Roses fueron absolutamente decisivos, como lo fueron The Beatles, The Stones, The Who, The Jam, Bob Marley and the Wailers, The Velvet Underground, Love, Fairport Convention, Primal Scream, una larga lista de bandas y músicos que se la jugaron en su camino para crear hitos en la música.

Después de la gira con Oasis, la banda llamó la atención de muchas compañías discográficas. Habían recibido ya una oferta de un sello japonés y habían empezado a grabar un álbum que iba a ser lanzado sólo en Japón. Este acuerdo fracasó y la banda finalmente firmó con MCA Records, en 1995. “Fue una de las pocas compañías que no nos pidió que cambiáramos de nombre”, cuenta Simon. Con un público cada vez más numeroso, conseguido en sus giras, con Noel Gallagher y Paul Weller defendiendo su causa en la prensa en cada oportunidad, con Kate Moss y Johnny Depp apoyándoles, la banda, después de tres años de ausencia, volvió a los estudios con canciones suficientes como para que Andrew Lloyd Webber hiciera musicales durante años.

A principios de 1996, la banda lanzó su single de debut con MCA, uno de los favoritos en los directos, “The Riverboat Song”, que el popular locutor Chris Evans adoptó inmediatamente para su show semanal en TV. El single, con su insistente y machacón riff, se colocó en el número 15 de las listas de éxitos. El que le siguió, “You've Got It Bad,” funcionó aún mejor, preparando el camino para el lanzamiento del muy apreciado álbum de la banda Moseley Shoals.

Sus canciones llaman la atención porque a menudo se salen del camino obvio, quizá como resultado de su propuesta de componer los temas colectivamente. El método de la banda es simple. Simon funciona como principal compositor, encerrándose a solas en estudios en diferentes momentos a lo largo del año, y saliendo de allí con riffs, melodías y letras. “Uno puede enredar durante media hora o ir directamente al asunto”, dice, a propósito de estas sesiones en solitario. “La canción “The Circle” salió así. Empecé a tocar la guitarra y salió enseguida, palabra por palabra, toda la canción, de un tirón. Otras veces es completamente diferente.”

A continuación, Simon pone los temas, sea cual sea el estado en el que estén, en manos de la banda, que añade entonces sus propias ideas, de ahí el toque inconfundible de sus canciones. “Steve puede escuchar temas que pueden ser trasladados a un sonido de banda de una manera que yo soy incapaz”, dice Simon. “Hay muchas canciones así, que se han transformado una vez que la banda las ha cogido. “The Circle,” por ejemplo, era originalmente una balada”.

En enero de 1997, la banda empezó a trabajar en su tercer álbum, Marchin’ Already. Simultáneamente, se lanzó un recopilatorio de rarezas titulado B Sides, Sea Sides And Freerides, en edición limitada de 200,000 copias, con canciones como “Huckleberry Grove”, “Top Of The World”, y “I Wanna Stay Alive With You”, así como una chispeante versión del tema de The Beatles, “Daytripper”. 

“La gente solí preguntarme entonces si me sentía presionado teniendo que escribir la continuación de Moseley Shoals”, recuerda Simon, “y me parecía divertido que me preguntaran esto. Moseley Shoals fue concebido originalmente para ser lanzado sólo en Japón. Más adelante nos dimos cuenta de que las cosas con la compañía discográfica no eran como las pintaban. Yo sentía cierta presión porque no sabíamos si el disco iba a salir o no. Cuando nos metimos a grabar Marchin’ Already, pensé que el álbum era tan bueno como el anterior. Desbancó a Oasis del primer puesto durante una semana. Fue entonces cuando Noel nos envió la placa con la inscripción “A la segunda mejor banda del mundo”.

Con un público cada vez mayor y convertidos en centro de atención, la prensa no tardó mucho tiempo en empezar a buscar información sobre la banda. Su hallazgo fue descubrir que Simon era gay, un aspecto de su vida que Simon nunca pensó si revelar o no, que es lo que suele suceder con la mayoría de la gente. Esto le hizo pensar, sin embargo, si esta revelación había tenido alguna repercusión en las ventas posteriores de Marchin’ Already, que cayeron a la mitad respecto al álbum anterior.

“Empecé a pensar si era debido a que la prensa hubiera publicado la noticia de mi homosexualidad”, comenta Simon. “No lo sé. No entiendo por qué ese álbum no vendió tantas copias. Existen tantas cosas incomprensibles, pero creo que el disco era tan bueno como cualquiera de los anteriores. Ese periodo fue, probablemente, el momento en el que he sentido más confianza en mí mismo en toda mi vida. Fuimos estrellas de pop durante dieciocho meses. Éramos la tercera banda en ventas en todo el país, y se lo debíamos a Oasis, que preparó el camino para bandas como la nuestra”.

En 1999 la banda comenzó a trabajar en su cuarto álbum, One For The Modern. Acabó siendo el tiempo más laborioso que habían pasado nunca en un estudio. Las sesiones se repetían una y otra vez, las canciones estaban sometidas al control más meticuloso por el equipo de productores, formado por Brendan Lynch y Max Heyes.

“Otra cosa, señala Steve Cradock, “es que, en el caso de los primeros dos álbumes, teníamos todos los temas. Teníamos aproximadamente entre treinta y cuarenta canciones en aquel momento. Para este álbum tuvimos que empezar con doce canciones y era la primera vez que trabajábamos así. Personalmente, creo que los temas que destacan son temas como “Emily Chambers” o “Step By Step”, pero ese álbum llevó mucho más tiempo hacerlo de lo que debería”.   

A medida que las sesiones se iban alargando, inevitablemente, la atención de la banda empezó a cambiar y a centrarse más en sus actividades de esparcimiento que en sus obligaciones musicales. ”Digamos que hacer música no era nuestra principal prioridad en aquel momento”, explica Simon.

Mientras tanto, la relación de la banda con su sello, MCA Records, comenzó a cambiar. La gente que apoyaba a la banda abandonó la compañía. La compañía empezó a presionar al grupo para que sacara un álbum de Grandes Éxitos. La banda se mantuvo firme, les comunicaron que tenían entre doce y quince canciones nuevas y que querían grabarlas.

“Las canciones tenían un aire más folk”, comenta Steve Cradock, “y grabamos el álbum en Gales. Las sesiones de grabación fueron rápidas, por eso en muchas de las canciones se nota ese sentimiento de banda, pero las sesiones para mezclar fueron eternas”. De nuevo, la banda salió de gira, mientras MCA se salía con la suya y publicaba un álbum de Grandes Éxitos un poco más tarde aquel año.

Con ídolos pop y grupos de música pop masculinos arrasando, OCS se encontraron de la noche a la mañana fuera de la circulación. Y pasados de moda, algo de lo que se dieron cuenta en seguida. ”Sabíamos que en MCA nadie daba un puto duro por nosotros”, explica Cradock, “era algo evidente. Así que teníamos que pensar en qué íbamos a hacer al respecto. En un momento dado pensamos que, tal y como estaban las cosas, nunca conseguiríamos otro contrato de grabación, en cuyo caso tendríamos que empezar a colgar nuestros discos en Internet. Pero en ningún caso nos separaríamos. Era solo cuestión de encontrar diferentes maneras de proteger nuestro nido”.

La banda empezó a buscar un contrato y, finalmente, consiguió uno con la compañía que llevaba el apropiado nombre de Sanctuary Records. Ocean Colour Scene regresó a los estudios para grabar el álbum North Atlantic Drift. En cuanto al álbum, por lo que respecta a Simon, el tema principal sigue siendo “una de las mejores canciones que he escrito nunca. Debería haber sido un single”. Pese a esta renovación, el bajista, Damon Minchella, decidió que había llegado el momento de abandonar la banda.

A principios de año, la banda alquiló un pabellón de caza en Escocia y grabó su quinto álbum de estudio con el productor Dave Eringa, que había conocido a la banda doce años atrás, cuando trabajaba como “chico de los cafés” en un estudio de grabación. El álbum fue grabado por tres miembros de la banda, Steve, Simon y Oscar, y Steve cree que esto hizo que la banda se uniera aún más, algo que piensa que será evidente cuando salga el álbum.

Tras terminar el disco en cinco semanas, la banda decidió reclutar a dos miembros más, no sólo para sustituir a Damon, sino también para ampliar el sonido de la banda. Escogieron al bajista Dan Sealey y al guitarrista Andy Bennett, a los que conocían bien. La hermana de Dan está casada con el hermano de Simon, y Andy estaba en una banda llamada Sergeant, que fue telonera de OCS en dos giras.

Además, cuando tenía diez años, iba a los ensayos de OCS, en donde Steve Cradock le daba clases de guitarra. “Aunque parezca una tontería”, dice Simon, “es la verdad. Steve tuvo un sueño en el que veía a Dan y a Andy uniéndose a la banda. Y esto parece una razón suficientemente válida”. “Por supuesto”, apunta Cradock, “son sólo tonterías.” Simon le ignora y explica “Si dos personas tenían que unirse a una banda que llevaba quince años junta, resultaba agradable que fueran dos personas con las que existía algún tipo de relación”.

A continuación, la banda se llevó una sorpresa cuando Sanctuary sugirió de pronto que quizá sería mejor sacar primero un álbum en vivo, y lanzar el álbum de estudio al año siguiente. La propuesta tenía sentido para una banda que se ha forjado un reputación sólida como una roca de tener potentes directos.

“Como nunca antes habíamos hecho un álbum en vivo”, dice Steve, “pensamos que era una buenísima idea. One For The Road era la grabación del repertorio que hemos estado tocando este año”. El álbum se compone de cuatro conciertos que dio la banda el verano pasado: su actuación en T In The Park, en un club llamado Oxygen en Dublín, una en Keighley y su aparición estelar en Guilfest. El disco incluía también dos temas nuevos, “I Love You,” que según Fowler es un intento de unir a Roy Orbison y The Velvet Underground, y “This Day Will Last Forever”, en el que dice todas las palabras mal, convirtiéndolo así en una “versión muy rara”.  

“Nos hemos forjado una buena reputación en los directos”, concluye Simon. “Creo que nuestro éxito radica, aunque parezca extraño, en algo que a la gente le gusta siempre, en las canciones. Quizá somos algo más divertidos que otras bandas como Radiohead, o bandas de ese estilo. Somos más cañeros. Y creo que esto es así porque somos un grupo de amigos, y nos lo pasamos bien juntos. En la línea de The Beatles, The Stones, The Faces”. No es una mala herencia a la que recurrir cuando eres… ¡la segunda mejor banda del Reino Unido!

SEBASTOPOL

El cuarteto radicado en Santiago, formado en febrero de 1984 gracias a un anuncio en el que se invocaba a Joy Division, Sr. Chinarro, Yo La Tengo y Galaxie 500, tiene nueva maqueta, Amigos del Silencio. Contacto: 639444484; lacortinadehumo@yahoo.es

¿Formasteis el grupo como un mero hobby o con la intención de llegar algún día a vivir de esto?

– Pues mucho de lo primero y prácticamente nada de lo segundo.

¿Qué grupos os impulsaron a la hora de coger un instrumento y crear una banda?

– Tuvimos instrumentos en nuestras manos mucho antes de saber si haríamos algo con ellos, tocando invariablemente a Nirvana o a los Beatles en reuniones tipo CEAC, excepto Edu (el teclista), que toca por obligación a causa de una apuesta que perdió.

 ¿Cómo definiríais vuestra música?

– Sebastopoliana… o lowchinarroplanetariocurtisvelvetiana. Algo así.

Las decisiones que se han de tomar en el grupo, ¿se toman de una forma democrática o sólo un miembro tiene la capacidad de decidir?

– Interviene todo el mundo, incluso nuestras familias, amigos y animales de compañía.

¿Qué proyectos futuros os ocupan ahora? ¿Cuándo tenéis pensando editar algo comercialmente?

– Elegir las canciones que más nos gusten y grabarlas cuando llegue el momento. Comercialmente nuestra actividad es 100% sumergida y puede que ahora que llega el verano se mantenga así unos meses más.

¿A qué grupo os gustaría telonear?

– Al Gran Rafael.

¿En qué discográfica nacional e internacional os gustaría estar?

– En la misma en la que esté el Gran Rafael.

¿Os soléis presentar a concursos? ¿Sirven para algo?

– Los concursos son muy útiles para dar oportunidades a grupos que de otro modo nunca las habrían tenido.

¿Sois un grupo de directo o, todo lo contrario, lo vuestro es el estudio y la producción?

– Nos gusta grabar en directo y añadir algunos detalles, pero pocos.

¿Qué es lo más divertido que os ha pasado con el grupo desde el día que lo formasteis?

– Conocer al hermano gemelo secreto de Tom Waits.

Cycle: “Nuestros conciertos son imprevisibles; todavía no hemos hecho dos parecidos”

Todos los que han visto a Cycle en directo hablan maravillas de esta propuesta musical que formó David Kano alrededor de la experimentación con el electro, el rock, el punk y el pop. Fichados por Subterfuge, acaban de publicar Weak On The Rocks y se anuncia su presencia en todos los festivales a tener en cuenta de la temporada, entre ellos, el Sónar y Benicàssim. David Kano, integrante de Cycle, nos habla sobre el éxito de su primer disco.

Todo el mundo habla de los conciertos impresionantes de Cycle. ¿Qué demonios hacen en el escenario para dejar a tanta gente boquiabierta?

­ Hombre, no somos marcianos (risas). Quiero decir que no subimos al escenario pensando en hacer algo que nunca antes se haya visto ni nada parecido. Somos una banda de rock y música electrónica. Aunque también es verdad que no tenemos que ver con ese cánon de chico cantando con su guitarra eléctrica delante del micro. No es eso. Yo estoy con las máquinas, Carlos (F. Calderón) con la guitarra y los cantantes, que están un poco locos y son también actores, lo dan todo y aportan un punto teatral al concierto. Tampoco somos un grupo de performance como se ha dicho por ahí. Simplemente lo vivimos bastante. Acaba de preguntarme otra periodista cómo son nuestros conciertos y lo que le he dicho es que son imprevisibles. No hemos hecho todavía un concierto parecido a otro.

“Vete a verlos y prepárate porque su música tiene efectos secundarios: no podrás parar de tararearla”, decían sobre ustedes.

­ Sabes qué pasa, que cuando hay un buen equipo de sonido y conexión con el público… Como los chicos son gente de teatro miran mucho a la cara a la gente. Hay mucho feedback entre el público y los cantantes, aunque Carlos y yo estemos más a lo nuestro.

¿Es cierto que encontró al cantante del grupo, Luke Donovan, en la calle?

­ Sí, sí, es totalmente cierto. A Luke le conozco de encontrármelo tocando en la calle y de liarla en fiestas. No es que él toque en la calle, es que ensaya sus canciones ahí, en vez de en casa, en la calle. Le conocí así y le invité a venir por el estudio. A La China (Patino) la conozco porque venía conmigo al colegio. Aunque ella no me recordaba, yo a ella sí, así que cuando volví a encontrármela haciendo cabaret pues me presenté y la fiché. Y Carlos y yo somos socios de los estudios Rec. Division.

No hace ni dos meses de la salida del primer disco de Cycle al mercado y se han convertido en todo un fenómeno: las revistas musicales y de tendencias les encumbran, están en festivales como el Sónar o Benicássim y venden unos 200 discos a la semana. ¿Todo esto da un poco de vértigo o están encantados?

­ Pues, mira, yo no quiero resultar prepotente, pero en los estudios nos dedicamos a producir música y ése es nuestro trabajo. Yo me alegro mogollón de todo lo que está pasando, de que el grupo que tengo esté funcionando y de que la gente se lo pase bien con nosotros, pero puedo asegurarte que sigo con los pies en el suelo. Me levanto todos los días y me voy a currar. Es como si las cosas nos pasasen y, al mismo tiempo, nos fuesen ajenas. Como si pasasen fuera de nuestra vida. De vez en cuando, cuando salgo por ahí el fin de semana… bueno, ¡el fin de semana! ¡qué iluso!, el jueves o así quiero decir, pues algún amigo me comenta algo pero… No sé, yo sigo a lo mío.

Las fotos de promoción dan un poco de miedo…

­ ¿Por?

No sé, ¿la chica con el cuchillo, quizás?

­ Nooo, somos buena gente. Bueno, depende de cómo nos traten…

DeLaHoja, ritmos, ritmas y ramas

            Con buenas perspectivas, aunque no exento de dificultades, se les presenta el camino a DeLaHoja, colectivo pontevedrés de hip-hop, debido, principalmente, a que nunca ha habido tantos seguidores ávidos de estos ritmos y ritmas en nuestro Estado. El colectivo lleva ya tiempo trabajando. “Comenzó como un grupo de amigos por el año 96 con el hip-hop como referencia con el nombre de Micro Abierto. Por aquel entonces, estaba formado por ocho componentes. 

De aquellos ocho componentes, cuatro han llegado hasta la formación actual. “Coincidió con el cambio de nombre por el de DeLaHoja, porque siempre estamos en la rama (risas). El grupo está formado por Laese (productor y Dj), Genio (Mc), Loko 23 (Mc) y Dais (Mc y productor).” 

Hasta ahora, el grupo ha hecho cuatro grabaciones autoproducidas, entre las que se cuentan la última, y que es la que los trae a estas páginas. “Hubo una demo en el 99, una maqueta en el 2001 y dos demos más en el 2003 y 2004, en las que ya se incluían dos temas de Lokal 6.”  

Durante este tiempo, los cuatro componentes del grupo han realizado varias colaboraciones. “Dj Laese ha participado en discos de Dismal, La Familia, El Puto Coke, Aphonic y El Shelar. Loko 23 aparece en Pilla esto 2 y Nuevas promesas. Delahoja colabora con el Puto en Pilla esto 1. Nuestras canciones han aparecido en los recopilatorios Hip-hop Gallego y Underground promesas 3, en el que se incluyen temas de Lokal 6. Próximamente apareceremos también en el recopilatorio Esencia Hip-hop”. 

Sus componentes participan en otros proyectos, principalmente en Lokal 6. “Este grupo está compuesto por El Extranjero, Mc y productor de origen tunecino, que antes ya formo parte del grupo Filozof., pionero del hip-hop en este país allá por el año 89, Loko 23 y Dj Laese. Es un proyecto paralelo con un estilo diferente a Delahoja, que toca otras temáticas más sociales”. 

Aun así, y a pesar de la posible esquizofrenia, no hay problemas a la hora de situar los temas en una u otra órbita. “Solemos diferenciar bien los dos grupos, aunque también hacemos temas todos juntos bajo el nombre DLH, siglas de DeLaHoja & Lokal 6 Homestudio”. 

Con tanto trabajo, hay curiosidad en saber en qué se fijan. “Grupos que nos influencian hay pocos. Hay más grupos que nos gustan como SFDK, Falsalarma… En general, todos los grupos que se mantengan fieles a su movida nos representan”. Eso no quiere decir que no sigan otros estilos musicales. “Depende de cada uno del grupo, porque somos muchos y cada uno tiene sus preferencias. Pero todos coincidimos en el reggae y sus derivados”. 

Tal vez el mayor escollo que tengan que salvar es estar en esta esquina Noroeste de Europa. “Galicia está un poco apartada de la escena española. Hay una notable falta de infraestructura: faltan sellos, mánagers, promotores, etc… Falta bastante profesionalización. Aun así, hay grupos como El Puto, Shelar, Diosketecrew o Roty340 que mantienen viva la escena gallega”. 

Como era de esperar, ellos notan esa dificultad. “Sí, es difícil darte a conocer fuera de Galicia. La razón: la falta de infraestructura que te comentaba. Es difícil dar conciertos fuera de Galicia sin un disco que te avale y, aún más, sacar un disco si no tienes dinero ni nadie que te apoye”. 

Además, el hip-hop tiene más repercusión cuando se combina con algo autóctono, lo que aquí es más difícil si no mira hacia las gaitas. “Puede que sí se le haga más caso cuando se fusiona con el flamenco u otros estilos más conocidos o populares, por que la demanda es mucho mayor y abarca un publico más diverso”. 

A pesar de la dificultad, siguen adelante. “A corto plazo estamos trabajando en tres maquetas: la de DeLaHoja, la de Lokal 6 y la de Loko 23,  todas producidas por el colectivo DLH. De todos modos, el año que viene o el siguiente sacaremos una referencia al mercado nacional”. 

Para ello, sólo falta el empujón definitivo de alguna discográfica. “Hemos sacado temas en algún recopilatorio a nivel nacional. También enviamos algunos trabajos a diferentes discográficas, pero ninguna nos ha hecho una oferta seria. Nosotros mantenemos la idea de que sacar un disco por sacar no vale de nada, que hay que hacer las cosas bien, despacio y con buena letra, y el día en que alguien nos proponga algo serio pondremos las cartas sobre la mesa y veremos lo que pasa”. 

Ivy, sentido y sensibilidad

         A pesar de ser uno de los grupos pop más emocionantes de la última década, a Ivy siempre se le consideró como el segundo grupo de Adam Schlesinger, de Fountains Of Wayne. Sin embargo, él no es más que el 33% de un trío con otros dos componentes, la cantante de origen francés Dominique Durand y Andy Chase, también con proyectos paralelos, y en el que todos se sienten totalmente involucrados y felices de poder seguir tras doce años en activo. Andy nos habla de su cuarto disco, In The Clear -quinto si tenemos en cuenta el disco de versiones Guestrooom-. 

¿Qué aprendisteis de vuestro disco de versiones?

         – Somos un grupo que no edita discos todos los años, y ahora ya hemos aprendido a aceptar esa realidad. Una de nuestras ideas fue publicar algo entre cada disco. Pensamos en un álbum de caras B, pero aún no teníamos suficientes. Dominique sugirió un disco de versiones; ya teníamos cinco y sólo teníamos que grabar otras cinco. Lo pasamos en grande, ya que es distinto que grabar tus propias canciones: te sientes mucho más libre.

¿Había alguna idea previa para la grabación de este disco?

         – Sí había una cierta idea. En Long Distance habíamos ido un poco lejos con los teclados y la producción, perdiendo parte de nuestro lado más áspero. Así que queríamos algo que tuviera los mejores elementos de Apartment Life y Long Distance, o sea, las canciones de guitarras tocadas por el grupo en el estudio, por una parte, y la atmósfera que se consigue con una buena producción, por otra. Siempre escribimos las canciones en guitarras acústicas, las completamos y las llevamos muy preparadas al estudio. Sin embargo, cuando nos metimos en el estudio para componer la banda sonora de Amor ciego, que nos habían pedido los hermanos Farrelly, no teníamos nada, y para cada escena el director nos pedía cosas nuevas, ideas distintas. Aquel proceso, por el que nunca habíamos pasado antes, fue muy excitante y espontáneo, y quisimos repetirlo para este disco. 

Para mí, “Thinking About You” y “Four In The Morning” imprimen el tono del disco.

         – Totalmente. Además, curiosamente, son las dos primeras canciones que compusimos, por lo que marcaron el camino que debían seguir las otras. Pensamos que si las demás llegaban a ser como esas dos, nos daríamos por satisfechos.

Son como las dos clases de canciones que hacéis: las que enganchan a la primera y las que necesitan de más tiempo para ser apreciadas.

         – Sí, exacto. A las segundas las llamo ‘enredaderas’, aquellas que a la primera no te parecen mal, a la segunda te empiezan a gustar y, después de escuchar el disco diez o quince veces, se convierten en tus favoritas. Para mí, cuantas más canciones de ese tipo haya, mejor será el disco.

El título In The Clear conduce a pensar que antes habíais estado en ‘la oscuridad’. ¿Era así?

         – Desde luego. Como siempre, el título está más que pensado. Se trata de reflejar el momento en el que estamos, en el que por fin hemos conseguido llegar lo más cerca posible al disco que siempre hemos querido hacer, incluso sabiendo que puede haber quien no piense lo mismo desde fuera. Por fin lo hemos logrado, desprendiéndonos de toda la mierda por la que hemos tenido que pasar, yendo de un sello a otro, con etapas muy malas en el estudio… Esta vez no ha habido ningún drama, sino que la grabación ha sido la mejor época de nuestras vidas.

¿Qué buscabais al contar con un arreglista de cuerda brasileño como Zé Luis?

         – Lo que queríamos era trabajar con gente con la que nunca hubiéramos contado, para hacer algo nuevo. Por eso no lo producimos nosotros por primera vez, sino que contamos con el productor Steve Osborne (New Order, The Cure, Happy Mondays, Elbow), Jody Porter de Fountains Of Wayne, que puso un montón de guitarras, Scott McLoud de Girls Against Boys o el arreglista de cuerda Zé Luis (Caetano Veloso, Bebel Gilberto) con el que yo había trabajado en la producción de un dúo llamado The Stair.

Al mismo tiempo también volvéis a trabajar con James Iha (Smashing Pumpkins).

         – James Iha, Adam y yo tenemos un estudio de grabación aquí. Además, nos lo habíamos pasado tan bien la última vez que decidimos contar con él de nuevo. Lo vemos a menudo, por lo que estaba cerca cuando grabamos el disco.

Adam está ocupado con Fountains Of Wayne en los periodos que Ivy os deja libres. Los proyectos de Dominique y tú no nos llegan tan fácilmente.

         – Yo tengo un par de proyectos. El primero se llama Brookville, con los que edité un disco en el 2003 y que ahora saldrá en el Reino Unido, así que, si va bien allí, podría aparecer también en España. Con el grupo hicimos una gira junto con Goldfrapp. El otro es Paco, un proyecto de nuestro amigo Michael Hampton en el que colaboramos Dominique y yo, ayudándole a dar una coherencia a sus canciones, que pueden ir desde unos pocos segundos hasta los doce minutos, algo muy cinemático que convertimos en más convencional.

Cuando la gente habla de vosotros siempre cita a The Cure o New Order, pero yo veo también influencias de The Go-Betweens, The Smiths, Lloyd Cole & The Commotions, Teenage Fanclub, Prefab Sprout o The Sundays.

         – Por supuesto. Nuestro periodo formativo fueron los 80, así que, si seguimos haciendo música dentro de 30 años, seguiremos diciendo que nos influyen los 80. In The Clear tiene el sonido de The Cure o New Order, no en vano cuenta con su productor, y la melodía de las canciones de grupos como The Go-Betweens, Lloyd Cole, Prefab Sprout…

Tiene gracia que vosotros, que empezasteis en 1994, veáis doce años después a un montón de grupos inspirándose en los 80.

         – Espero que la gente se dé cuenta de que fuimos muy por delante de esta moda. De hecho hay periodistas que no saben nada de nosotros y escriben sus críticas diciendo que nos hemos apuntado al carro del revival de los 80.

¿Algún descubrimiento reciente?

         – Hay una escena increíble en la ciudad de Montreal, con gente como Arcade Fire, The Dears, o The Stairs, que son mis favoritos… El video animado que nos han hecho para la canción “Thinking About You” está realizado por la misma persona que hizo el de Arcade Fire.

¿Hay posibilidades de algunos conciertos en España?

         – Eso espero. Siempre depende de lo que pueda pasar con nosotros ahí. Nos gustaría que nos ofrecieran tocar en el Festival de Benicassim y, después, hacer una pequeña gira. La única vez que estuvimos en España todo fue fantástico. Es difícil organizar una gira, y más para un grupo como nosotros que hemos sobrevivido más por nuestras otras actividades que por los conciertos. De todas formas, nuestro disco va a salir con A & M en Inglaterra, así que tal vez nos llamen para tocar allí y, aprovechando que estamos en Europa, tal vez podamos acercarnos a España.

¿Qué es lo que mantiene a Ivy después de 11 años?

         – Nuestra ambición es encontrar una manera de hacer lo que nos gusta. Nunca hemos intentado hacer un disco comercial. Lo más cerca que hemos estado de eso es cuando nos decimos que ojalá nuestro próximo disco vaya bien para ganar algo que nos permita hacer el próximo disco. Siempre hemos hecho discos a nuestra manera, como hemos querido, hemos producido a otros grupos y hemos llegado siempre a grabar otro disco. Hemos tenido suerte de que alguna de nuestras canciones hayan aparecido en películas de Hollywood, en series de televisión o en anuncios, por lo que ahora resulta más fácil lograrlo que antes, cuando vivíamos al día.