Categoría: Entrevistas 2005

Vicentino, la suerte de cara

“Siento que Los rayos es más profundo, más fuerte que el disco anterior. Creo que va a suceder algo más importante pero, si no sucede, de todas formas yo estoy contento”, dice Vicentico de su nuevo álbum. Los rayos es el segundo disco en solitario del cantante de Los Fabulosos Cadillacs, grupo fundamental en el pop rock argentino y que ha convertido a Vicentico en un protagonista clave de los últimos 20 años de historia de la música latina. 

Cuando en 1985 un grupo de amigos fundó Los Fabulosos Cadillacs,  pocos imaginaron la enorme repercusión que el grupo tendría en Argentina América Latina, Estados Unidos y algunos países de Europa. La carrera de Los Fabulosos Cadillacs acabó en 2001 y durante esos 16 años el grupo dejó 13 discos oficiales. Los Fabulosos Cadillacs llegaron a ofrecer más de mil conciertos, realizando 17 giras por Estados Unidos y varias por Europa hasta que el grupo se separó en 2001. Ahí empezó la trayectoria en solitario de Vicentico.  

Con su primer disco en solitario (Vicentico, 2002), el artista argentino inició una nueva carrera marcada por una fuerte personalidad musical. La publicación de Los rayos, su segundo álbum en solitario, mantiene el mismo carácter que Vicentico cuida con absoluta atención eligiendo meticulosamente las canciones: “Compuse como 40 o 50 canciones y elegí muy poquitas. Las canciones que están en el disco están escogidas muy cuidadosamente y cada una significa algo dentro de Los rayos”. 

De las 12 canciones del álbum, diez están compuestas por Gabriel Fernández Capello, es decir por Vicentico. Los títulos de las canciones ya marcan la fuerza interna que Vicentico quiere inyectar a su trabajo: “Los caminos de la vida”, “La libertad”, “El engaño”, “La verdad”, “El barco”, “El cielo”… “Hay un montón de cosas que para mí significan algo y por eso las canciones se llaman así. Cada canción es como una especie de rayo que cae y forma un poco de lío por lo menos entre nosotros, entre la banda, entre los amigos”, dice el músico. 

Además de Vicentico, dos grandes compositores participan en Los rayos. Omar Antonio Gales Suárez es el autor de “Los caminos de la vida”. “Es una canción que conozco desde hace mucho tiempo y siempre ha sido muy añorada”, dice Vicentico. “La escuché por primera vez en México en un bar en medio del desierto y sonaba sin parar. Se me quedó metida en la cabeza. Hicimos una versión y fue tan potente que abre el disco, toca mi hijo… Siento que es comprendida por todo el mundo”. Por otra parte, Rubén Blades firma “Tiburón”, “una canción muy social y muy política. La hicimos muy callejera”, afirma Vicentico. 

Impresiona el comienzo de Los rayos con la canción “Los caminos de la vida”. Con un ritmo popular, una melodía y una letra emocionante, marca esa síntesis que busca Vicentico, mezclando el carácter del rock con la raíz popular y con una actitud siempre alejada de lo banal. Los rayos está marcado por un excelente y variado trabajo de los ritmos y una producción escueta, sólida y precisa de Afo Verde y  Vicentico.  

En el álbum caben acercamientos al bolero como “El barco” o “La verdad”, raíz popular latina como “El tonto”, “Tiburón” o “El engaño”, mezclas inéditas que son hallazgos como “Soy feliz”, temas más complejos y duros como “El cielo” y otros que van a su aire como “La nada” o “La señal”… Marcado por la percusión, las guitarras, el acordeón, los metales y los coros, Los rayos es un magnífico ejercicio musical que define a Vicentico: “Soy un músico popular. Me gusta jugar con la música, es un lenguaje que puedo manejar e intento que cada canción sea muy personal”. 

Grabado en Buenos Aires, mezclado y masterizado en Madrid, y con Julieta Venegas como invitada especial en la canción “El tonto”, Los rayos es un álbum que escapa de la clasificación de tantas músicas como contiene. “Mis objetivos son pasármelo bien, no repetirme, tener cosas que decir, estar contento con el trabajo, mantener la vocación musical…” 

Los rayos no pasa desapercibido. Es original y alegre, sencillo y completo, abierto y fiel a una manera de vivir la música. Es lo que siempre ha marcado la carrera de Vicentico, desde que hace 20 años comenzó a cantar con Los Fabulosos Cadillacs. Hoy, en solitario, sigue sin apartarse del camino, de un ancho camino en el que caben muchas cosas pero que tiene una meta clara: la alegría de hacer buena música. La suerte es tenerla tan cerca. 

Golden Smog, la puerta siempre está abierto

Siete años después, Golden Smog vuelven a la vida con todas las de la ley. “¿Siete años? Demasiado tiempo, sí. Pero sucede que hemos necesitado siete años para lograr que las estrellas y nuestras agendas se alineen,” comenta Marc Perlman, componente del grupo que ahora nos ocupa y, también, de The Jayhwaks.

Golden Smog han sido, durante tres lustros, el supergrupo con el que disfrutar en sus horas libres por parte de los nombres más relevantes de estos últimos quince años en el rock americano. Durante este tiempo, por sus filas han pasado Gary Louris, Marc Perlman y Tim O’Reagan (The Jayhawks), Dan Murphy y Dave Pirner (Soul Asylum), Kraig Jarret Johnson (Run Westy Run), Jeff Tweedy (Wilco), Jody Stephens (Big Star), Noah Levy (Honeydogs), Chris Mars (The Replacements), Jessy Greene (The Geraldine Fibbers) o la más reciente incorporación, Linda Pitmos (batería de Steve Wynn & Miracle 3).

Aunque la banda había tenido un precedente remoto en dos entidades llamadas Take It To The Limit y Skid Mark, T-Square And Cue Stick, “el grupo lo empezaron Dan Murphy, Kraig Jarret Johnson y Gary Louris, y ellos siguen siendo los que lo mantienen vivo y su fuerza artística.”

Ahora, tras un primer EP de versiones (On Golden Smog, 1992) y dos discos de larga duración (Down By The Old Mainstream, 1995, y Weird Tales, 1998), se preparan para registrar un nuevo álbum, en este caso en los estudios de Paco Loco en el Puerto de Santa María, Cádiz.

“Todos nos hemos enamorado de España en nuestras giras con nuestros otros grupos. Hemos hecho buenos amigos. Gary Louris y Linda Pitmos son buenos amigos de Paco, que es el dueño del estudio en el que trabajaremos. Ya que no hacemos discos muy a menudo, queríamos que el proceso de grabación fuese algo memorable. De alguna manera es… un regalo [en cursiva las palabras en castellano de Marc] para nosotros. Y nos da la oportunidad de hacer conciertos en directo. Ése es uno de los beneficios adicionales de ser un músico: no ganamos nada de dinero, pero viajamos a los lugares que nos gustan.”

Curioso cambio, tras un primer disco grabado en la fría Minneapolis y un segundo álbum registrado en la más soleada Memphis. ¿Afecta el lugar en el que han sido grabados al ambiente de esos discos? “En esos discos en concreto, creo que no, aunque puede que el resto de los que los grabaron no estén de acuerdo. Pero sí preveo que cambiará cuando grabemos en Cádiz.”

Parece que se han tomado lo del lugar convencidos y muy en serio. “Disfrutaremos estando por una vez durante bastante tiempo en un único lugar en España. Por lo general, nos movemos mucho cuando estamos de gira. Siempre he pasado mi tiempo libre en Madrid y Barcelona y siempre he querido pasar más tiempo en el sur. Y Gary puede limpiar su baño…”

Para este tercer disco, la formación estará compuesta por “Kraig Jarret Johnson, Dan Murphy, Gary Louris, Linda Pitmon, y Marc Perlman.” Y hay una sorpresa: cuando todo parecía indicar que Jeff Tweedy se desvinculaba definitivamente del proyecto, en los últimos días ha habido un pequeño gran cambio. “Creo que a mucha gente le gustará saber que parece que Jeff Tweedy podrá tomarse algún tiempo de su apretada agenda de giras sin parar para unirse a nosotros durante unos días.”

Si la formación varía poco con respecto a la que registró su anterior álbum, se supone que no habrá excesivos cambios. “No estoy seguro. Algunos hemos estado intentado juntarnos de vez en cuando y pasarnos ideas, y estoy también seguro de que Jeff Tweedy y Gary Louris tienen algunas canciones. Es mucho más divertido cuando es una sorpresa.”

Conviene recordar que, en más de una ocasión, y por problemas contractuales, los componentes del grupo grabaron con seudónimos, una idea que les dio un recepcionista de un hotel en el que se alojaron al comentarles que así se registraban Bon Jovi: utilizaban como nombre su segundo nombre y, como apellido, el nombre de la calle donde crecieron.

Les pareció buena idea y, así, Dan Murphy se convirtió en David Spear, Gary Louris en Michael Macklyn y Marc Perlman en Raymond Virginia. Ante la pregunta de si los volverán a usar, Marc se lo toma a cachondeo. “Lo que vamos a hacer es usar todos el nombre de Jeff Tweedy.”

Días después de finalizar la grabación de su nuevo disco, Golden Smog inician una gira por España que les llevará el 13 de abril a Santiago de Compostela, el 14 a Gijón, el 15 a Vitoria, el 16 a Lleida y el 17 a Madrid. “Estaremos todos excepto Jeff. Cuando The Jayhawks hicimos la gira por España, mucha gente nos preguntó por Golden Smog, así que espero que resulte una experiencia tan disfrutable como aquella gira.”

En esta gira habrá oportunidad de recuperar viejas y grandes canciones de Golden Smog. Curiosamente, en la última gira de The Jayhawks por España tocaron como bis la, tal vez, canción más conseguida de Golden Smog o, cuando menos, la más contagiosa, “Until You Came Along”, una composición de Gary Louris. “En las giras de The Jayhawks todas las ideas parten de él.”

Parece mentira que ahora se mueran por tocar aquí, cuando tanto The Jayhawks, como Wilco o Big Star tardaron tanto en venir por primera vez a España. “Con The Jayhawks intentamos ir a España muchas veces. Por desgracia, no teníamos el apoyo de nuestras compañías. Por fin apareció el dinero, gracias a una combinación de Love To Art, Bittersweet y otros amigos. Las cosas buenas les llegan a los que saben esperar.”

En el caso de Golden Smog, conviene recordar que el grupo empezó haciendo versiones. Aquella primitiva encarnación llamada Take It To The Limit se formó para hacer canciones de los Eagles a ritmo de hardcore, vestidos con ponchos y con lámparas de madera por todo el escenario. Después llegaron dos conciertos de tributo a los Rolling Stones.

“En Minnesota había muchas bandas buenas por aquel entonces. Nos juntábamos y dábamos conciertos sólo por placer. Era divertido tocar con gente de otros grupos. Creo que la banda tributo a los Rolling Stones se llamaba Her Satanic Majesty's Paycheck. Me pregunto si la broma tendrá sentido en castellano.” Pues sí: El Cheque de sus Satánicas Majestades. También hicieron otro concierto de tributo a los Rolling con el nombre de Exile On Lake Street que Marc ahora parece haber olvidado.

Desde entonces, Golden Smog han grabado o interpretado en directo numerosas versiones: “Back Street Girl” (Rolling Stones), “Shooting Star” (Bad Company), “Cowboy Song” (Thin Lizzy), “New Madrid” (Uncle Tupelo), “Glad & Sorry” (Ronnie Lane), “She Don’t Have To See You” (Bobby Paterson), “Easy To Be Hard” (Three Dog Night), “Son” (Michelangelo), “Walk Like An Egyptian” (The Bangles), “Walk Away Renee” (The Tour Tops), “Love Is The Drug” (Roxy Music), “Loving Cup” (Rolling Stones), “Photograph” (Ringo Starr), “We’re An American Band” (Grand Funk Railroad), “You’re So Vain” (Carly Simon), “Revolution Blues” (Neil Young), “Wrote A Song For Everyone” (Creedence Clearwater Revival), “Buckaroo” (Back Owens), “Is Anybody Going To San Antone” (Charley Pride), “Sing Me Back Home” (Merle Haggard), “Powderfinger” (Neil Young), “She’s About A Mover” (Dough Sahm), “Dancing Queen” (ABBA), “Willin’” (Little Feat), “Streets Of Baltimore” (Tompball Glaser), “Wasted Days And Wasted Nights” (Freddy Fender), “A Good Year For The Roses” (George Jones), “Seven Year Ache” (Rosanne Cash)…

En otras ocasiones han cantado temas de Jim Croce, The Moonkess o Neil Diamond, así que no sería extraño encontrarse con alguna versión en su próxima gira. “La verdad es que no hacemos tantas versiones ahora como solíamos hacer. Tocaremos una canción de Elvin Bishop y, tal vez, una de David Bowie o Roxy Music.”

Golden Smog es, pues, un grupo sin planes preestablecidos, que se reúne cada cierto tiempo, aunque cada vez los intervalos son más largos. “Queremos seguir haciéndolo siempre que podamos, siempre que nos divirtamos y siempre que hagamos buenos discos. Pero como dice Gary, la puerta siempre está abierto.”

Vamos, que pasar un buen rato, encontrarse con los amigos y conservar algo de los días en que eran más jóvenes sigue siendo la principal motivación de Golden Smog. “Por seguro. Si digo otra cosa, me echan de la banda. Aunque hemos sido amigos durante mucho tiempo, vivimos por hoy. No podemos recordar el pasado.”

Les Très Bien Ensemble, exquisito manjar francófilo y francófono

“Me gustan todos los acordes, aunque siento predilección por el La Mayor, pero también depende de la temporada. Todos los acordes son buenos si están correctamente colocados”. Quien pronuncia estas palabras es Suzette, principal compositora y cantante coqueta al frente de Les Très Bien Ensemble, un grupo francófilo y francófono con residencia en Barcelona que hace del buen gusto y la elegancia inherente a la música gala la razón de ser de su existencia.

Como si fuera una de las idolatradas musas de su héroe Serge Gainsbourg, Suzette sabe cantar y actuar haciendo que su voz suene sexy, o infantil, o ambas cosas a la vez. En la cabaretera y cimbreante “Ne lui dis pas à Maman”, que cierra su nuevo disco, homenajea a Edith Piaf y al oficio más viejo del mundo: “Siento un profundo respeto por el oficio de la prostitución. Las chicas me caen bien. A menudo pienso que es mi vocación frustrada. (…) A menudo me he sentido una de ellas, ¡cosa que mi madre no debe saber jamás! No lo entendería”. Reflexiones de una Lolita del nuevo siglo, que sin embargo en el mismo disco dedica una deliciosa canción (“Les Vacances”) al despertar hormonal de los primeros veranos de adolescencia, con una melodía ye-yé inspirada en France Gall (risas incluidas).

Pero hemos empezado por el final. El disco comienza con un precioso instrumental, una postal del Montmartre bohemio y de la estética de las películas de Jacques Tati, para a continuación pasar al primer homenaje directo a Serge Gainsbourg, una espléndida canción dedicada a la madre de Suzette (Hélène) que sigue la fórmula de la voz masculina -en este caso Philippe– respondiendo a la frágil voz femenina, y que cuenta también con unos excelentes arreglos de cuerda en la mejor tradición de Michel Colombier.

“Gronde moi”, por su parte, es un recuerdo al padre de Suzette, con un aire a los años 50 reafirmado por la batería con escobillas y el sonido de las guitarras. Esta querencia por los años 50 se confirma en otro tema, “En attendant Raskolnikov”, que es una feliz actualización del sonido doo-wop, pero el sonido del disco está evidentemente más enraizado en las grabaciones clásicas de los 60, con esos exuberantes arreglos orquestales que parece como si hubieran sido encargados a un arreglista de bandas sonoras de la época. De hecho, en la grabación del disco se ha usado material analógico, microfonía de válvulas y mucha paciencia, para recrear esas sonoridades clásicas y transportarlas hasta nuestros días con una nueva vigencia.

“Siguiendo con el repaso a este disco, “La Poupée” es una canción pizpireta y alegre con un sonido de steel guitar casi hawaiano, y “Toi et moi” tiene un aire de soul blanco que nos recuerda a LOVE, pero también a compañeros de sello en Elefant como Camera Obscura o los primeros Le Mans, además de comenzar con un órgano entre barroco y pre-psicodélico en la línea de The Left Banke y contar con un arreglo de violines al más puro estilo de Belle & Sebastian”. Buenas referencias no les faltan, desde luego.

“El folk-pop a lo Françoise Hardy, el otro polo que enmarca sus travesuras junto al omnipresente Gainsbourg, aparece en “Sous le soleil”, un susurro al oído con arreglos de mellotron de flauta travesera y atmósfera de película de erotismo soft (no en vano Suzette participó hace poco en un recopilatorio de versiones interpretando el tema principal de la película “Emmanuelle”)”

“Les Tigresses” revela la procedencia española del grupo con un sonido familiar que parece compuesto por el mismísimo Augusto Algueró, y para acabar el disco con euforia tenemos el crescendo y el apropiado título de “C'est fini”, el perfecto broche a este magnífico debut en el que nuestra Lolita particular se despide con cariño, repitiendo: “Adieu mon petit, bon courage”.

Pero, ¿qué hay del grupo? Todo comienza a finales de enero del 97, con el encuentro de Suzette y Philippe tras un concierto del grupo en el que por aquel entonces militaba la primera (Me duele el corasson). Ambos descubren que comparten adoración por el pop francófono más elegante y seductor, desde Michel Polnareff hasta Katerine, pasando por el inevitable Serge Gainsbourg y su séquito de voces frágiles y perversas a partes iguales (France Gall, Jane Birkin, Brigitte Bardot). Era inevitable que acabasen formando un grupo juntos, un grupo en el que, por supuesto, todas las canciones estarían interpretadas en francés.

El nombre de la banda viene de la canción “Michelle”, de los Beatles: “Michelle, ma belle, sont les mots qui vont très bien ensemble” – “Michelle, querida, son palabras que van muy bien juntas”-, decía McCartney. La formación se completaba con Michel y Jacques.

En sus inicios, su repertorio se basa fundamentalmente en versiones: del gran Serge Gainsbourg interpretan “L´anamour” -también popularizada por la simpar Françoise Hardy-, y “Les Sucettes”. También toman prestadas joyas de Katerine – “Samba des jours benis” y “Le plus beau jour de ma vie”- y suelen cerrar aquellas primeras actuaciones con “La poupée qui fait non” de Michel Polnareff, otro de los grandes.

Sin embargo, en sus conciertos cada vez hay más canciones propias, como “Je veux étre un symbol sexuel”, o “La fille la plus douce du monde”, ambas cortesía de Suzette. Además de los grandes compositores y las sensuales voces antes citadas, otras fuentes de inspiración a la hora de componer son las bandas sonoras de la nouvelle vague, y la bossanova brasileña.

Tras un pequeño parón, motivado en gran parte por el tremendo éxito de Los Fresones Rebeldes, otro de los grupos de Michel y Philippe, Les Très Bien Ensemble vuelven a ensayar y a actuar en enero del 99 en una fiesta junto a Hello Cuca y The Surfin' Eyes -que también cuentan con Michel en sus filas, ¡cuánta actividad!-. Poco después se incorpora a la formación Paul de Los Soberanos, para introducir algunos detalles de órgano.

Con esta nueva formación se presentan en el Sidecar barcelonés junto a Krypton. Una cinta con dicho concierto llega hasta Elefant, que les ficha inmediatamente. Al poco tiempo graban su primer disco, con cuatro canciones (las dos canciones propias antes citadas más sus versiones de “L´anamour” y “Les Sucettes”) que se edita en forma de single de vinilo y CD-Single a principios de julio.

Su presentación en Madrid tiene lugar el 18 de Septiembre, en una fiesta homenaje a Serge Gainsbourg en la sala Siroco, junto a Los Caramelos y The Glitter Souls. No han podido presentarse en directo en demasiadas más ocasiones, debido a que Suzette se traslada una temporada a Francia.

Como nota curiosa, a finales del 99 una tienda de discos japonesa de Internet (Syft Records) selecciona su CD-Single como uno de los discos destacados del mes, y ofrece a sus clientes la posibilidad de escuchar una de sus canciones. Por otra parte, “La fille la plus douce du monde” es elegida por los oyentes del programa “Disco Grande” de Radio 3 como una de las mejores de 1999.

En marzo de 2001 editan un nuevo single en el que se incluye una versión de Brigitte Bardot (“Ça pourrait changer”) y tres nuevas canciones del grupo, en la que las influencias bossanova se hacen más presentes. En él ya no está Michel, que abandonó la formación poco antes de la grabación. En Noviembre, el grupo telonea a los estadounidenses The Ladybug Transistor en la sala Apolo de Barcelona.

El 23 de Febrero de 2002 participan en el Mini Pop Festival en Barcelona, junto a Sing-Sing, Vacaciones, The Relict, Orlando y otros. La nueva formación del grupo incluye a Lucien Bulles (guitarrista de Bubbles) al órgano y Serge Clavier (de los desaparecidos Curious Lane) a la batería.

New Order: la culpa es un sentimiento inútil

A estas alturas de la partida, el legado de New Order es indiscutible, aunque el grupo todavía tiene cosas que contar. Waiting For The Sirens’ Call, su nuevo disco, está tan cargado de melodías pop que suena como un disco de Grandes Éxitos por el que matarían muchos artistas.  

Curiosamente, a pesar de los años que ahora dejan pasar entre disco y disco, por primera vez en su historia el grupo ha grabado 18 canciones. Según Bernard Sumner, “normalmente componemos lo justo para un álbum, diez canciones y listo. Las siete canciones que han quedado fuera de este disco son tan potentes que es muy probable que sean la base de un futuro álbum”.  

Phil Cunningham, fichado como guitarrista cuando New Order empezó la gira de Get Ready, tuvo el privilegio de ser invitado por el grupo a tomar parte en el proceso de composición del nuevo disco. “Al principio me parecía raro”, explica, “porque New Order utiliza mucha tecnología. Y resulta que a veces rechazan material porque consideran que suena demasiado a New Order”.  

“Lo que importa es el corazón y el alma de New Order”, explica Sumner. “Si algo suena a pastiche, entonces no es suficientemente bueno”. Rechazar lo evidente ha sido siempre la táctica de New Order: en sus 28 años de carrera han cambiado el rostro de la música pop en más de una ocasión, primero como los míticos Joy Division y, después, ya como New Order, grabando el single más vendido de todos los tiempos, “Blue Monday” y escribiendo el único himno futbolístico que merece la pena en la historia de la música, “World In Motion”.  

Además lograron éxitos con proyectos paralelos como Electronic, Republic, Monaco y The Other Two, que no eran más que entretenimientos de sus cuatro componentes en el tiempo que les quedaba libre entre cada uno de sus discos, cuando las relaciones entre ellos no eran precisamente buenas. Ahora se sienten cómodos juntos de nuevo, con un buen disco que defender, así que les preguntamos por cada una de sus canciones.

Who’s Joe?

– Steve: “Es un buen tema jovial, al estilo de “Guilty Partner” y “Dream Attack”. Salió muy fácilmente; se presentó ante nosotros completamente terminado, como un recién nacido encantador. Y tiene un sonido ruidoso, muy divertido. Es mi especialidad”.

– Bernard: “Me recuerda a Joy Division, tiene esa misma densidad. ¿Qué quien es Joe? Pues no tengo ni idea. Para mí, es la historia de un vagabundo”.

Hey Now What You Doing

– Bernard: “No me recuerda a ninguna cosa que hayamos hecho antes. Estaba pensando en un chico de Moss Side cuando escribía la letra”.

– Phil: “Tiene fuerza y esa frescura de lo instantáneo. Nació a partir de un riff de guitarra mío, y es muy fácil de tocar”.

– Steve: “Me parece muy atrevido eso de que Bernard haya intentado rimar future (futuro) con computer (ordenador). Lo encuentro admirable”.

Waiting For The Sirens’ Call

– Peter Hook: “Bernard ha hecho un trabajo realmente bueno con la voz y las letras son realmente buenas. Hablan de un viaje, creo. Debe ser la influencia de sus viajes en velero”.

– Bernard: “Es mi corte favorito. El tema de fondo es muy bueno. El bajo de Peter es fantástico. Me hizo sentirme fatal porque pensaba: ‘Como no cante bien, voy a destrozar un clásico de canción’. No sé muy bien de qué habla. Puede que de la muerte. O de la infidelidad, no sé. No se refiere a mí en particular”.

Krafty

– Peter: “Estaba trabajando con “Hybrid” y escribí esta canción. Pensé que era demasiado buena para dejarla ahí, así que les pregunté a los demás y me dijeron que estaba bien. Y se convirtió en “Krafty”. Y es, sencillamente, estupendo”.

– Steve Morris: “Empezó como una improvisación, un poco en la línea de Lonnie Donegan. Después le añadimos ruidos electrónicos”.

I Told You So

– Bernard: “Estaba de vacaciones con mi barco en el Caribe, escuchando en la onda corta todas esas emisoras raras. Los ritmos eran fantásticos, muy interesantes. Así que grabé algunas cosas de la radio y las utilicé como inspiración para una canción. Me gusta porque empieza con ese sonido de pista de baile y, luego, en algún punto intermedio se convierte en algo tipo Velvet Underground, y me gustan ambas cosas”.

 – Phil: “¿Es una chaladura, verdad?”

Morning Night And Day

– Phil: “Me recuerda a Primal Scream, el sentimiento y el espíritu rockero de los Stones. Pero en realidad está muy programado”.

– Bernard: “Es un tema autobiográfico. Trata de mi vida tal y como era antes, aunque, en realidad, trata de la vida de Phil”.

– Peter: “Oh, Dios mío. Cuando llegues a nuestra edad, Phil, ya verás, las resacas son enormes, duran una semana”.

Dracula’s Castle

– Peter: “Empezó con una improvisación en la que estábamos Phil, Steve y yo”.

– Bernard: “St Catherine’s, donde se grabó una parte del disco, fue construido por Enrique VIII para una de sus hijas ilegítimas. Durante un tiempo fue un palacio de justicia, y escribí las letras precisamente en esa habitación, donde la gente era juzgada y sentenciada. Había una vieja chimenea y todo estaba iluminado con velas. Era una habitación muy adecuada para la creación, pero un poco espeluznante. Por eso está aquí el castillo de Drácula”.

Jetstream

– Bernard: “Tengo que reconocer que dudé un poco cuando se planteó que Anna Mantronic fuera la cantante, pero hizo un trabajo estupendo, mejoró realmente la canción. Sabíamos que era un buen tema, pero necesitaba algo que nosotros no podíamos darle”.

– Phil: “Éramos conscientes de que casi todos los temas eran de rock, así que escribimos conscientemente un tema de baile”.

Guilt Is A Useless Emotion

– Bernard: “Una canción muy difícil de escribir. ¡Ha sido un camino tortuoso hasta llegar a donde está ahora! No sé cómo clasificarla, pero en términos generales es un tema dance. Get Ready no tenía temas bailables, y éramos conscientes de ello, especialmente después de hacer la gira con el disco en 2001. Es importante mantener el equilibrio”.

– Peter: “La belleza está en la mirada del observador”.

Working Overtime

– Peter: “Creo que este tema debería ser single. Es un rock estupendo. Lo pongo cuando pincho en algún sitio y la gente se vuelve loca”.

– Steve: “Me encanta este tema porque está basado en un ritmo de batería mío. Tiene un aire a los Stooges de Iggy Pop, pero no es intencionado. Pero la mayor parte de la música es robada, ¿no? A veces escucho una canción en la radio y pienso: ‘Qué buena, ¿es nuestra?’ Luego se hace la luz y pienso: ‘¡Malditos ladrones!’

– Bernard: “Me preocupaba que el disco fuera demasiado florido, melódico y armonioso, así que estaba bien contar con un tema como éste, con un sencillo riff de un sólo dedo. No hay que olvidar nunca que la mejor música es la más simple y que no hace falta ser un gran músico para hacerla”.

Santi Campos, examen de conciencia

         De Castellón a Madrid. De Malconsejo a una trayectoria en solitario que se inició con Pequeños incendios y que continúa en este 2005 con Amigos imaginarios, título tomado de una canción de Ron Sexmith. Santi Campos se ha convertido en poco tiempo en uno de los mayores valedores del denostado concepto del cantautor eléctrico.

         Su segundo álbum en solitario ha contado con la producción de Pablo Sbaraglia y con la colaboración de músicos como Ana Béjar -de Orlando-, Juan Ferrari, Josema Martín -de Vancouvers-, Alfonso Pachés, Fernando Lupano -colaborador de Charly García y Raimundo Amador- o los miembros de Nominees, el otro proyecto actual de Santi junto a The Shannons.

         Sus canciones conservan la melodía y el gusto por los textos trabajados y sinceros, pero sus arreglos buscan huir de lo más acomodado para requerir de su oyente una atención que pocos piden hoy en día. Está claro que no ha optado por la vía fácil y que el disco necesita varias escuchas para enganchar. “Eso ha sido algo totalmente consciente. Los discos que me gustan van entrando poco a poco, y quería hacerlo así. Aunque parezca contradictorio, las canciones que requieren un esfuerzo para ser escuchadas, terminan agarrándose con más fuerza… Los arreglos han ido por ese camino. Supongo que podría haber optado por un disco más claramente pop o rock en cuanto a ambiente, pero me habría cansado rápidamente de él, y eso es algo que quería evitar. He de reconocer que es la primera vez que puedo escuchar un disco mío y disfrutarlo”.

¿Cómo ves hoy la trayectoria de Malconsejo? ¿Algún arrepentimiento? ¿Alguna gran decepción?

– A medida que pasa el tiempo siento que teníamos algo especial. Éramos cuatro personas con un objetivo común y éramos muy amigos, no he conocido a ningún grupo tan unido como lo estábamos nosotros. Vivíamos en una burbuja. Arrepentimiento no hay, pero sí muchas decepciones, ya que ni los discos ni los directos conseguían reflejar ni lejanamente la magia que conseguíamos a veces en el local de ensayo. Éramos muy inseguros y autodestructivos como músicos, y creo que eso impidió que se pudiera ver todo lo que teníamos dentro.

 
¿Qué te enseñaron aquellos años?

– Muchas cosas. Gracias a todas aquellas dudas, ahora soy un músico mucho más seguro, y más ambicioso a nivel creativo; doy menos importancia a los errores puntuales y trato de disfrutar más. También me influye menos mi entorno a la hora de hacer la música que quiero hacer. Otra cosa importante que aprendí, y que intento llevar a la práctica, es que es fundamental ser amigo de la gente con la que tocas, pues eso se transmite en el escenario.

¿Seguís en contacto los miembros del grupo?

– Sí, siempre que voy a Castellón o ellos vienen a Madrid nos vemos.

Pequeños incendios coincidía con tu traslado de Castellón a Madrid. ¿Hay algún hecho que haya marcado Amigos imaginarios?

– Varios, asociados con mi estancia en Madrid, y en muchos casos con mi relación con la gente del mundo de la música, que es el ambiente en el que me muevo. Este mundillo es tan pequeño y cerrado que a veces tengo la sensación de vivir en una aldea. También hay algunas canciones que ya estaban hechas en Castellón, pero, extrañamente, encajaban muy bien en el disco, cuya temática principal es -creo- el paso del tiempo. De alguna forma, es una especie de revisión de mi pasado, de examen de conciencia.

¿Es cierto que el título está tomado de Ron Sexmith? ¿Qué pretendías reflejar en él?

– Sí, es cierto, es una canción de Retriever. El disco se iba a llamar Vendiendo arena, pero a última hora decidí cambiarlo… Me parecía un título bonito y que encajaba a la perfección. Algunas de las canciones del álbum hablan de gente que yo consideraba amigos y luego resultaron no serlo; otras hablan de la infancia, una época muy dada a tener amigos imaginarios… Incluso creo que esa estética un poco de cómic manga del diseño de la carpeta va muy bien con el título.

¿Te asusta exponerte en tus textos, ser tan sincero?

– No me lo planteo. De alguna forma creo que la sinceridad debe ir asociada a cualquier persona que desarrolle algo creativo. En mi caso puede parecer más evidente, ya que los temas de mis canciones son muy personales. Rebatiendo lo que acabo de decir, no sé si soy realmente sincero en nada de lo que hago.

¿Es ser personal tu forma de hacer algo universal, que pueda llegar a todos?

– No sé si sabría hacer otro tipo de letras, por lo que en el proceso no entra la voluntad, no hay un plan. De cualquier forma, sí que me gustaría que mi música llegara a la mayor cantidad de gente posible, y creo que los temas de los que hablo pueden facilitar las cosas, cualquiera se puede identificar fácilmente con las canciones.

¿Qué tenía el poema de Gil de Biedma para adaptarlo para el disco?

– Ángel González  y Gil de Biema son mis poetas preferidos. En el caso de este poema, a medida que pasan los años me voy sintiendo cada vez más identificado con él… Habla de sí mismo de adulto y de joven, y en ambos casos da la sensación de no estar a gusto, de sentirse un poco invasor de un cuerpo y de una vida que no se adaptan muy bien a sus dudas.

¿Buscas conscientemente la unidad y coherencia de las canciones de tus discos?

– No a la hora de escribirlas, pero sí cuando las selecciono y a nivel de producción. Como músico y como oyente soy más de álbumes que de singles, y me gustan los discos que están planteados como un todo, aunque esto en ocasiones no le haga mucho bien a cada canción por separado. Creo que  he conseguido lo que quería en ese sentido: el disco tiene coherencia en conjunto, pero es muy difícil sacar una canción que sea realmente representativa de lo que puedes encontrar en él.

Creo que tu voz transmite algo que es difícil de explicar, pero que toca a quien la escucha. ¿Estás de acuerdo?

– Me gustaría que fuera así, aunque la verdad es que no me siento muy orgulloso de mi voz; canto a pesar de ella, y no gracias a ella (je, je)…  Hay gente que me dice que le gusta, precisamente por ser muy peculiar, y hay gente que a la que no le gusta. Hace años era un tema que me preocupaba, pero he de reconocer que cada vez me importa menos; poco a poco me voy acostumbrando a lo que tengo y aprendiendo a sacarle provecho.

¿Te vas acercando cada vez más a sonidos más clásicos?

– Siempre he sido bastante clásico en cuanto a gustos, y hasta los grupos actuales que más me gustan se basan mucho en sonidos antiguos, aunque en la mayoría de los casos traten de llevarlo a su terreno y no se conformen con la mera copia. Creo que la forma de conseguir algo verdaderamente original es absorber bien las referencias y canalizarlas de la manera más personal posible, y eso es lo que intento hacer.

Da la impresión de que te nutres sobre todo de cantautores norteamericanos, ¿no?

– Me nutro básicamente de música norteamericana, pero no exclusivamente cantautores. Me encanta el rock hecho allí, desde The Velvet Underground a Luna, de The Band a Giant Sand, de Big Star a Wilco… Aunque también me gustan mucho los grupos británicos de final de los 60 y principios de los 70. Salvo excepciones, no me suele llegar la música británica actual, ni la española. 

Tengo entendido que, de las bandas actuales, sientes una especial devoción por Wilco. ¿Cómo ves su progresión? ¿Te interesan tanto sus primeros discos como los últimos?

– En cierto modo, Wilco es una banda revolucionaria: con elementos muy clásicos han inventado algo nuevo, hasta el punto que son prácticamente un género en sí mismos. Aunque mi favorito es Yankee Hotel Foxtrot, me gustan todos sus discos, y creo que aun son mejores en conjunto y en orden cronológico.

 
¿Cuáles son tus últimos descubrimientos musicales?

– Intento estar al día. Escucho un montón de discos nuevos que me gustan, pero hace algún tiempo que no oigo nada que se me haya hecho imprescindible. De todas formas hay muchas bandas nuevas que son muy excitantes, aunque no hayan descubierto la pólvora, como Rumiko Jr o Broken Family Band.

Supongo que estás en Rock Indiana porque te gusta tu música. Pero, ¿ves posible que Santi Campos grabase para otro sello?

– Llevo en RI más de 7 años, primero como músico, y desde hace casi tres también como socio, nunca me he planteado realmente estar en otro sello, aunque todo se arregla con una buena oferta, je, je. Hablando en serio, antes desde fuera y ahora desde dentro, creo  que no hay nadie en este mundillo tan honesto y buena gente como Pablo y Fito.

¿Es rentable o te beneficia vender discos a cinco euros?

– Es un debate complicado. Gracias a esta política, Indiana sobrevive y edita discos, y tal vez sea una de las pocas independiente que no van en picado. Por otro lado se nos han cerrado algunas puertas, y nuestros discos no están en tantos sitios como nos gustaría, pues muchas tiendas son reacias a ajustarse a ese precio. Me gustaría que mi álbum estuviera en más sitios, aunque no estoy muy seguro de que esto ayudara a vender más discos, si la forma de estar es subiendo el precio.

¿Cuál es tu aportación en The Shannons y Nominees y qué buscáis en ambos grupos?

– En los dos grupos soy guitarrista y eventual compositor. De las dos bandas he aprendido mucho, sobre todo a disfrutar en directo y a mejorar con la guitarra. Aunque son muy distintas en planteamiento: Shannons se más intuitivo y poco ensayado, y todo gira alrededor de Edu Orbezua, en cambio Nominees es una banda que ensaya  con regularidad, y deja menos cosas al azar. En ambos casos buscamos hacer buenos discos y ofrecer conciertos intensos.

Por último, ¿qué queda hoy en Santi Campos del chaval que empezó en Neumáticos?

– Han pasado más de quince años, y la verdad es que no me reconozco muy bien. He aprendido a soltar lastre y a disfrutar más de la música y de la vida. En cuanto a gustos musicales, creo que soy bastante más abierto, aunque en esencia me gusta lo mismo: la música intensa, emocional y poco cerebral.