ULTRASONICA ARTÍCULOS 2007 PREFAB SPROUT

ULTRASONICA ARTÍCULOS 2007 PREFAB SPROUT

Ultrasonica e-zine :: Xavier Valiño

ARTÍCULOS 2007


Se reedita el disco Steve McQueen de Prefab Sprout

 

 

         Prefab Sprout no era un grupo cualquiera -puede que aún haya que decir ‘no es un grupo cualquiera’, ya que en cualquier momento podrían resucitar-. Paddy McAloon tampoco. Y su segundo disco, Steve McQueen, que ahora se reedita, tampoco es un disco cualquiera, sino su cima creativa y uno de los mejores y más importantes discos del pop británico de los 80.

 

         En aquellos años, Paddy McAloon definía su pop como glamoroso. “Si voy a cualquier lado, intento ser invisible, de modo que pueda llevar una vida normal, y no miren para mí. Mi música es glamorosa en el sentido de que es ella la que pide atención, implora ser oída. No soy yo y una guitarra acústica para un desenchufado; se trata de una música muy rica. Si la pones en los cascos, creo que es una experiencia sónica. Al menos es mi opinión”.

 

Steve McQueen fue el segundo álbum de Prefab Sprout y uno de los baremos por los que se mide la palabra pop desde entonces, influyendo a gente tan distinta como The Divine Comedy o, sin ir más lejos, Sondre Lerche, que reconoce que es una de sus mayores influencias. Sirvan estas palabras de la revista Uncut para definir lo que para la mayoría de los críticos es un disco esencial de la música pop: “Una suite de canciones acerca del amor y del deseo, del querer y la ruptura: Steve McQueen fue el Pet Sounds de los 80, y por mucho que pase el tiempo su perfección resplandeciente no disminuirá”.

 

         El afán de perfeccionismo de Paddy McAloon quedó acreditado por el hecho de que a mediados de los 90 tuviese grabados cinco discos de los que no llegó a editar ninguno. “Diría que hay tantas cosas que puedes hacer con la vida que el patrón que escoges puede no ser el mejor, pero nunca lo llegas a saber. Haces ciertas cosas porque la necesidad te obliga a hacerlas o porque te gusta hacerlas, pero nunca tienes la seguridad de estar haciendo lo mejor. Me gusta pensar, desde un punto de vista creativo, que no tengo quejas. Aunque, a otro nivel, me pregunto si habré aprovechado mi tiempo de la mejor forma. Tal vez haya tenido algunos errores de los que otros hayan tomado cuenta”.

 

 

         Sobre sus canciones, que giran en su mayor parte acerca de las relaciones de pareja, ha reconocido últimamente: “Creo que cuando eres joven estás en contacto con otros sentimientos y quieres decir algo sobre el mundo. Hice muchas canciones así, que abordan asuntos diferentes. Quise escribir música romántica porque me gusta oírla, al igual que busqué utilizar canciones de amor para hablar de cosas externas a las relaciones amorosas. No obstante, alguna habla también de nuestra relación con nuestra propia mortalidad. El romance, para mí, es un tema que me gusta usar en un sentido más literario, en el sentido en que deseas las posibilidades que la vida tiene para darte, y no en el sentido que puede ofrecer un disco de Lionel Ritchie”.

 

En estos días se reedita Steve McQueen en formato de doble digipack. Además del álbum original remasterizado por Thomas Dolby con clásicos como “Bonny”, “When Love Breaks Down”, “Faron Young” y “Appetite”,  incluye un CD extra con excelentes versiones acústicas de ocho de sus temas interpretados por Paddy McAloon, además de nuevas fotos y textos.

 

Los ocho temas extra en acústico son: “Appetite”, “Bonny”, “Desire As”, “When Love Breaks Down”, “Goodbye Lucille”, “Moving The River”, “Faron Young” y “When The Angels”. El álbum estará disponible sólo durante un mes a un precio especial, en una ocasión única para hacerse con una obra maestra del pop.

 

Xavier Valiño

ULTRASONICA ARTÍCULOS 2007 JEFF BUCKLEY

ULTRASONICA ARTÍCULOS 2007 JEFF BUCKLEY

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ARTÍCULOS 2007


JEFF BUCKLEY: In memoriam

         En este 2007 se cumplen diez años de la muerte de Jeff Buckley, ahogado en el Mississipi. El día de su muerte, un 29 de mayo de 1997, Buckley se encontraba en Mud Island, (Memphis, Tenessee) con un amigo. Estaban escuchando música y tocando la guitarra, cuando Jeff decidió bañarse vestido, algo que por lo visto ya había hecho antes. Cerca pasaba un barco presto para atracar, agitando las aguas en la maniobra. Tres días después de que su amigo le perdiera de vista, los pasajeros de otro barco encontraron su cadáver flotando, atrapado entre las ramas. Jeff Buckley tenía entonces 30 años.

Grace (1994), el único disco editado en vida por Jeff Buckley y puede que el gran disco de los 90, ha venido dejando su impronta en buena parte del rock hecho desde entonces. Como homenaje a uno de los compositores más importantes de la historia, le rendimos nuestro más sincero homenaje en tres partes: el recuerdo de su único disco editado en vida, las declaraciones que otros artistas hicieron sobre él y, por último, las canciones que otros le compusieron como tributo.

 

 

JEFF BUCKLEY: Grace (Columbia-Sony, 94)

         ¿Qué pensar de un disco de debut que mezclaba brillantes canciones originales con temas de Nina Simone, Leonard Cohen o Benjamin Britten? Pues, evidentemente, que su responsable no era un cualquiera y que tenía que estar muy seguro de lo que se traía entre manos. No, no hablamos de un desconocido.

        Cuando Jeff Buckley apareció casi por sorpresa en el 94 -antes sólo había editado un EP de cuatro canciones en directo, Live At Sin-é-, se le pudo ubicar fácilmente por ser hijo del atormentado y gran cantautor Tim Buckley, que había fallecido unos cuantos años antes víctima de una sobredosis. No servía de nada: Jeff casi no había conocido a su padre y renegaba de él por haberse fugado de su casa cuando aún era un niño. La mala suerte hizo que Jeff acabara prematuramente su carrera, como su padre, aunque en su caso ahogado en el Mississippi, dos años después de publicar su debut. 

        Grace destaca en una primera escucha, sobre todo, por la brillantez vocal de Jeff Buckley, su instrumentación ambiciosa y un sentimiento de ser fiel y verdadero al espíritu de las canciones, así que poca importancia tiene que tres de ellas sean versiones. Canciones nuevas sin ataduras, versiones insospechadas y una voz tan profunda y inusual como la de su padre son sólo algunos de los elementos de quien se descubrió entonces como un talento único.  

        Su primer y único disco editado en vida es un álbum definido por sus extremos y, ciertamente, no es recomendable para oyentes que no le dan al rock apasionado una segunda oportunidad. Buckley canta con poder y una intensidad perturbadora. El trabajo de guitarra de Buckley desafía cualquier definición: espartano y cristalino en “Lilac Wine” o “Hallelujah”, melancólico y acústico en la maravillosa “Lover, You Should Have Come Over” o como un muro de sonido eléctrico en otras ocasiones.

Si hay que sonar como Led Zeppelin, Buckley lo hace y no pide perdón, como en “Mojo Pin” o “Grace”, ambas coescritas con el antiguo guitarrista de Captain Beefheart, Gary Lucas. Además, cuenta con una gran labor de equipo, gracias a la percusión de Matt Johnson, el bajo de Mick Grohndahl y pinceladas de color de una sección de cuerda, un órgano y tablas. Grace sigue mostrándose fascinante hoy en día y difícil de escuchar por su intensidad. Tal vez sea el único disco imprescindible de los 90. El disco más influyente en la generación de músicos de los últimos años. Nunca lo confundirías con cualquier otro disco.

 

Xavier Valiño

 

       

LAS OPINIONES DE OTROS ARTISTAS SOBRE JEFF BUCKLEY

 

Bono (U2): “Jeff Buckley era una gota pura en un océano de ruido.”

– Elvis Costello: “Espero que la gente resista la tentación de convertir su vida y muerte en una estúpida fantasía romántica. Él era mucho más que todo eso. Jeff Buckley tomaba cualquier canción y la hacía suya, embelleciéndola, de una forma tan natural que muy poca gente puede hacer.”

– Jimmy Page (guitarrista de Led Zeppelin): “El disco que he escuchado sin parar en los últimos doce meses es Grace. Es un gran cantante. Tiene tanta variedad emocional, tanto en las versiones, como la de Leonard Cohen, como en sus propias canciones. Robert Plant y yo lo vimos en directo en Australia y nos dejó aturdidos. Alguien le gritó que dejara de tocar música tan profunda, y él le dio la respuesta perfecta: “La música debe ser como hacer el amor. Unas veces te apetece suave y tierno y otras quieres que sea fuerte y agresivo.” Creo que a Led Zeppelin nos hacía el mejor de los cumplidos con su música.”

– Elizabeth Fraser (cantante de Cocteau Twins): “Me apasiona cantar con Jeff. Ha escrito una canción llamada “Grace”, que literalmente me pone los pelos de punta. La primera vez que la escuché sudaba como una novia en su día de boda. La música nunca me había provocado esa reacción antes.”

– Nelly Furtado: “Amo a Jeff Buckley. Grace cambió mi vida. Él influyó profundamente en mis canciones, en mi forma de componer y en mi forma de actuar, en todo.”

– Eddie Vedder (líder de Pearl Jam): “Una vez estuve con él. Estuvimos hablando y tocando. Me tocó una versión de “Indifference” para mí sólo. Nunca olvidaré cómo lo hizo… Me quedé sin habla… Uno de los momentos más memorables de mi vida… Ojalá lo hubiera conocido mejor.”

 

– Fran Healy (líder de Travis): “Me contaron que un día Tom Yorke de Radiohead fue a verlo actuar y, a continuación, marchó directo al estudio a grabar “Fake Plastic Trees”. Así que cambió su forma de cantar basándose en lo que le había visto a Jeff Buckley, más o menos cuando a mí me pasó lo mismo. Yo lo vi en otra actuación, en Glasgow, y pensé que su voz no era de este mundo. Era algo que elevaba el espíritu y yo, descaradamente, traté de copiarlo.”

– Alanis Morissette: “Amo a Jeff Buckley. No es que quiera imitar su estilo, pero… Cuando estoy en el estudio, grabando las partes vocales, pienso en él. La prioridad es expresarme de esa forma.” 

– Bernard Butler (primer guitarrista de Suede): “He conocido un buen montón de estúpidos en el mundo de la música. Jeff era el que tenía más talento y, al mismo tiempo, el más agradable. Era el único de quien esperaba con ansiedad escuchar nuevas canciones. Mi mujer y yo hablamos mucho de música, y siempre nos decíamos que, por muy cínicos que fuéramos, sabíamos que Jeff Buckley siempre haría discos enormes. Durante un año toqué una de sus canciones, “Last Goodbye”, todos los días, a pleno volumen. Nadie más me ha hecho sentir sin miedo de ser yo mismo… Me hizo feliz.”

Xavier Valiño

 


 

LAS CANCIONES TRIBUTO ESCRITAS POR OTROS EN HOMENAJE A JEFF BUCKLEY

 

– Cocteau Twins: Rilkean Heart y Half-Gifts (Milk And Kisses, 1996)

         Elizabeth Fraser, una de las voces más embrujadoras del pop, fue una de las mejores amigas de Jeff Buckley y llegó a grabar varias canciones con él que aún permanecen inéditas. En Milk And Kisses le dedicó estas dos canciones. “Busqué en ti experiencias trascendentales que me transportaran lejos de la soledad y la alienación, hacia un sentimiento de conexión, estática y mágica. Me convertí en una adicta en esa búsqueda…”

– Juliana Hatfield: Trying Not To Think About It (En el EP “Please Do Not Disturb”, 1997)

         En este caso, Juliana conocía a Jeff de sus primeros tiempos, cuando éste solía hacer de telonero en sus conciertos. Aunque alcanzó más notoriedad que ella, siguieron siendo amigos. “El Mississippi tiene una fuerte corriente… Dime que estoy soñando, que es una pesadilla.”

– Hole: Boys On The Radio (Celebrity Skin, 1998)

         La ocasión que Jeff estuvo más cerca de ser una figura pública fue después de un breve encuentro con la viuda de Kurt Cobain, Courtney Love. Ésta le dedicó una canción. “Los chicos que suenan en la radio se golpean y queman, se retraen y se desvanecen lentamente en tus interminables noches de verano.”

– Duncan Sheik: A Body Goes Down (Humming, 1998)

         El cantautor estadounidense se toma la tragedia con proporciones bíblicas. “Un cuerpo se ahoga con el peso de una belleza temerosa de su luz. Que avisen a los hombres sagrados. Consolad a vuestros hijos e hijas.”

– Chris Cornell: Wave Goodbye (Euphoria Morning, 1999)

         El que fuera líder de Soundgarden compuso esta canción que apareció en su primer disco en solitario, justo después de la muerte de Jeff. Además de amigos en vida, Cornell ayudó a seleccionar las canciones de su disco póstumo Sketches For My Sweetheart The Drunk. Un verso de la letra: “Cada cosa dolorosa que dijiste resuena en tus oídos cuando echas de menos a alguien.”

Willie Nile: On The Road To Calvary (Beautiful Wreck Of The World, 1999)

Para muchos, el cantautor estadounidense compuso el mejor tributo posible para Jeff Buckley. “Me llevaste por el río poderoso, me levantaste sobre el mar bravo. Me das todo este amor que tienes para repartir, en mi porche de atrás de camino al calvario.”

– Aimee Mann: Just Like Anyone (Bachelor #2, 2000)

         Llegó a conocer a Jeff, pero no tuvo tiempo para dedicarle toda la atención que hubiera querido. “Eras uno de nosotros y me pregunto, como todo el mundo, si hay algo más que yo hubiera podido hacer.”

– Mark Eitzel: To The Sea (The Invisible Man, 2001)

         En uno de sus discos en solitario, el que fuera líder de American Music Club se lamenta de no haber conocido lo suficiente a alguien a quien estimaba. “Creías que estaba ocupado, pero sólo estaba ocupado escapando de tu belleza.”

– P. J. Harvey: Memphis (Cara B del single “Good Fortune”, 2001)

         P. J. Harvey compartió muchos momentos con Jeff Buckley. La que iba a ser una canción más de su disco Stories From The City, Stories From The Sea acabó como cara B. “Tú respirando en mi boca… Lo tomo, lo tomo, lo tomo.”

OTRAS:

– Heather Nova: Valley Of Sound (Siren, 1998)

– The Frames; ‘Neath The Beeches (Dance With The Devil, 1999)

– Ron Sexmith: In A Flash (Whereabouts, 1999)

– Zita Swoon: Song For A Dead Singer (Paint Pictures On A Wedding Dress, 1999).

– Those Bastard Souls: The Last Thing I Ever Wanted Was To Show Up And Blow Your Mind (Debt And Departure, 1999)

– Amy Fairchild: Jeff Buckley Song (Demographic, 2000)

– Kashmir: Gorgeous (The Good Life, 2000)

– Angelou: Little Sister (While You Were Sleeping, 2001)

– Rebecca Moore: Live In Blue Sparks (Home Wreckordings, 2001)

 

Xavier Valiño

ULTRASONICA ARTÍCULOS 2007 LOS BRINCOS

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ARTÍCULOS 2007


Los Brincos: homenaje en directo y nuevo libro

 


 

Cuatro décadas después de su etapa más recordada, parece que Los Brincos vuelven a la actualidad como nunca antes en los últimos años. Y lo hacen por partida doble: por una parte, grupos de ahora homenajearán al grupo en uno de los festivales más importantes del verano en nuestro Estado y, por otra parte, se acaba de editar un libro con su biografía.

 

Será en Alburquerque (Badajoz), en el festival Contempopránea, el evento por excelencia de la escena independiente estatal, donde se homenajeará a Los Brincos en su duodécima edición, a celebrar los días 27 y 28 de julio. Si en años anteriores las bandas que formaban parte del cartel del festival extremeño homenajearon a The Smiths, Carlos Berlanga, Family, El Niño Gusano, Los Flechazos o Surfin’ Bichos, en esta ocasión se fijarán en las canciones de Los Brincos, que marcaron época en plena vorágine de los  años 60, la edad dorada del pop.

 

Por vez primera el festival Contempopránea rendirá así tributo a un grupo de los 60, recordando a quienes para muchos fueron los Beatles españoles por su éxito en aquellos años. Puede que canciones como “Borracho”, “Flamenco”, “Lola”, “Un sorbito de champagne”, “Mejor” y tantas otras, tan vigentes hoy en día como siempre, sean algunas de las escogidas por los grupos que estén finalmente en el cartel de Contempopránea 2007, resonando así en las paredes milenarias del castillo de Alburquerque.

 

 

Casi al mismo tiempo se edita Érase una vez Los Brincos y Juan y Junior, escrito por el periodista César Campoy. Parece mentira pero, desde que el grupo se separó en 1971, nunca se llegó a publicar ninguna monografía sobre el grupo, a pesar de que se pusieron en marcha hasta dos proyectos distintos.

 

En este caso, el autor partió de un extenso artículo que escribió en 1999 para la revista Efe Eme. La contada información existente sobre el devenir del grupo fue completada con numerosas y largas visitas a la hemeroteca, así como con el testimonio directo de varios de los integrantes del grupo, con una disponibilidad absoluta por parte de Juan Pardo, Miguel Morales o Manolo González, el único miembro que aún vive y que permaneció en Los Brincos desde su gestación hasta su disolución.

 

En 173 páginas, divididas en cuatro partes y 18 capítulos, y con 48 fotografías, una buena parte desconocidas para casi todo el mundo, el autor repasa la trayectoria de la banda, desde el final de Los Estudiantes en 1964 hasta la separación de Los Brincos en 1971, sin olvidarse de las posteriores carreras de todos los miembros.

 

Xavier Valiño

ULTRASONICA ARTÍCULOS 2007 SESENTONES

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ARTÍCULOS 2007


Aquellos maravillosos 60

   

Tras entrar en el siglo XXI, el rock anda ya por su año cincuenta y tantos. Alguna de sus estrellas, de las que más brillan en su firmamento, han pasado ya la crisis de los veinte, la de los treinta, la de los cuarenta, la de los cincuenta… ¡y entran ahora en la de los sesenta! Mal año este 2.007 para algunos viejos rockeros, de esos que nunca mueren. Llegan a los 60. Pero no te creas que les preocupa demasiado: viven cojonudamente de las rentas, la industria les permite -a los escogidos- grabar los discos que les da la gana, se les venera como dioses y alguno hasta tendrá su homenaje este año.

 

 

            No hay problema. Desde sus casas en Suiza seguirán preparando nuevos conciertos y nuevos discos, manteniendo bien vivo el espíritu rebelde del rock’n’roll. Mucho tienen aún que aprender los mocosos esos que empiezan a editar sus discos y así se lo seguirán demostrando, siempre que no haya que parar por alguna inoportuna visita a la clínica.

 

Si en meses precedentes llegaron también a tan estupenda edad Van Morrison, Neil Young, Cat Stevens, Malcom Aclaren, Robert Fripp, John Fogerty, mano-lenta Eric Clapton, Donovan, Patti Smith o la recauchutada Cher, algunos ya han pasado por la experiencia antes, y no parece que eso les haya hecho dejarlo. Como es el caso de los más conocidos, los Beatles, los que viven, claro, empeñados en demostrar que sus maquetas merecen un hueco en la historia y que ponerle música a bocetos de John Lennon era una idea de la leche, tanto que Paul McCartney parece que volverá a aprovecharla este año. O los Stones, embarcados en una nueva gira para poder morir con las botas puestas y batir el récord Guiness de ganancias por dar la vuelta al mundo desde los estadios. De entre ellos, el más joven, Ron Wood, es quien sí celebra su sexagésimo aniversario en este año.

 

  

            Vayamos ya con los que cumplen años en este 2.007. Quien se lleva siempre el gato al agua es el camaleón David Bowie, que celebra su cumpleaños entre homenajes y nuevas biografías, al lado de la bella Omán y viendo como lo mejor de su producción es saqueado y reivindicado continuamente, colaborando con Arcade Fire o TV On The Radio y con nueva película a estrenar. Ya avisó Mick Jagger: "No se puede llevar un par de zapatos nuevos en presencia de Bowie, porque te roba la idea".

 

            El bestia de su amigo Iggy Pop también está de fiesta. Todos los que organizan festivales saben que no hay nada como el torso desnudo de la Iguana para vender entradas y tener garantizados unos minutos en la tele, y el simpático Iggy Pop cumple cantando una vez más cualquiera de sus ¿éxitos? como si de un karaoke se tratara. Pone la misma entrega que si tuviera veinte años, o casi, que para eso está su hijo de mánager, esperando a colocarle la bata blanca y ayudarle en caso de desfallecimiento. Además, para contribuir a la celebración, prepara disco de regreso con los Stooges después de 34 años.

 

 

             Tampoco se libra Reinald Kenneth Dwight. ¿Qué quién es ese tipo? El del peluquín, claro. Elton John, que, tal y como se podía esperar en  época de plena reivindicación propia, colocó en el mercado el año pasado un disco que pretendía recuperar lo mejor de su producción en los 70, aunque no estuviera a la altura. Al menos nos olvidamos por un momento de la excusa de la muerte de alguien de la realeza para convertir una canción suya en el single más vendido de todos los tiempos.

 

            Vamos ahora con los pesos pesados. El primero es el Bonnie Tyler masculino, más conocido como Meat Loaf -cacho carne-. En su caso, lo más lógico sería darle un aire melodramático a tan señalado acontecimiento, colaborando de nuevo con su pareja artística Jim Steiner y pegando los gritos de rigor. A modo de saga cinematográfica, eso es exactamente lo que acaba de hacer, aunque no con su productor de toda la vida, reapareciendo con la tercera entrega del Murciélago salido del infiernoBat Out Of Hell– sin que le preocupase lo más mínimo.

 

            En el caso de Ian Anderson, de los añejos Jethro Tull, eso parece más impensable, pero cualquier día saca la flauta del empolvado estuche en el que la pasea por medio mundo -al tiempo que visita piscifactorías, ya que es un reputado empresario del sector-, y nos entrega un segundo Thick As A Brick. Recuerda que ya tuvimos unas segundas y terceras Tubular Bells, así que no tiene que ser tan complicado.

 

            Algunos no lo tienen tan claro. El héroe de la guitarra Brian May no encuentra su acorde desde que Freddie Mercury se fue. Seguro que aún queda alguna grabación inédita y así podría explicar otra vez la historia de Queen o montar otro musical, con o sin nuevo vocalista. Algo similar sucede con Santana, que aparece de vez en cuando… acompañando de un montón de gente que contribuye a que el mexicano no llegue con problemas de saldo a la jubilación.

 

 

Marianne Faithful está refugiada de nuevo en la campiña irlandesa, un tanto al margen del circo rock, aunque su lucha contra el cáncer seguro que la mantiene alejada de los escenarios y las grabaciones durante una temporada. Mientras Florian Scheneider, componente de los inventores del techno Kraftwerk, sigue paseando aquellas canciones que los hicieron inmortales en los 70 por los escenarios más ‘cool’ del planeta, dejando claro que son incapaces de aportar ya nada nuevo al mundo de la electrónica.

 

Otros que siguen de giras por los escenarios, entre las que se cuenta su reciente primera actuación en España, son los Eagles. Cuatro de sus componentes celebrarán así su aniversario, entre ellos Don Henley o Joe Walsh. Probablemente otro de los que está de celebración este año, Brian Johnson, cantante de AC/DC, se pavonee de nuevo sobre las tablas, aunque más difícil será ver en esa situación a otro sesentón, Jeff Lyne, de la Electric Ligh Orchestra.

 

 

            Quedan para el final los segundones. Ry Cooder vive de tocar en los discos de todo el mundo y de aliarse con distintos amigos de los cinco continentes, aunque anuncia también nuevo álbum para tan señalado año. Y Dave Davies, irreconciliable con su hermano Ray y The Kinks, debería empezar a pensar en volver al redil familiar. No le queda demasiado tiempo.

  

 

Los que no llegaron a la cita

 

            Puede que por eso su leyenda siga intacta. Algunos de los auténticos pioneros han dejado su huella en la historia del rock pero, por diversas causas, no han llegado hasta el 2007. En este año hubieran cumplido 60 años, y algunos de los que si han tenido esa suerte pactarían con el diablo o darían toda su carrera por gozar del respeto que tienen los que ahora siguen. Vamos allá.

 

 

            Últimamente todo el mundo recuerda a Gram Parsons, el auténtico precursor del country-rock, comandando The Byrds y The Flying Burrito Brothers. Sus dos únicos discos en solitario G.P. y Griveous Angel son reivindicados una y otra vez desde entonces. Apareció muerto en el 73 en un desierto cercano a Los Ángeles, con restos en su sangre de morfina, cocaína y alcohol. Su amigo Phil Kaufman robó su féretro días después y quemó sus restos junto al Joshua Tree, el mismo que dio título a aquel disco de U2.

 

            Tim Buckley no lo contará tampoco: después del fracaso comercial fue taxista, conductor para Sly Stone y acabó muriendo en el 75 después de confundir una dosis de cocaína con heroína. Y aunque su hijo Jeff Buckley se convirtió en el más digno de los herederos de los músicos rock del pasado, tampoco llega a esta fecha, ahogado en el Mississippi hace ahora 10 años.

 

 

           Marc Bolan estaba más en la onda del espectáculo, al menos con su época glam al frente de T. Rex. Antes había editado interesantes discos en solitario con títulos tan increíbles como Mi gente era hermosa y tenía el cielo en el pelo, pero ahora son felices por llevar estrellas en la frente. Murió en el 77 cuando el coche que conducía su novia Gloria Jones se estrelló, pero sus guitarrazos siguen aún bien vivos en la memoria y los discos de muchos.

 

            Menos extraño es saber que Keith Moon no haya llegado a este siglo con vida, dados sus excesos y la leyenda que le acompañaba. Mejor así: no pudo estrellar más Rolls Royce en las piscinas de los hoteles y Pete Townshed no pudo recriminarle nunca más la sordera que le causó una traca de explosivos que metió en su batería en una actuación televisiva.

 

 

Warren Zevon no tuvo siquiera ese éxito, y aunque colaboró con sus amigos de REM en el proyecto Hindu Love Gods y a pesar de que en su último disco, grabado mientras moría de cáncer, colaboraron un buen número de amigos famosos, no sirvió de nada. Menos mal que a todos nos suena aquel "Hombres-lobo de Londres" (“Werewolfes Of London”) -y que, no, no tiene nada que ver con una canción de La Unión-

 

            Steve Marriot, al frente de los Small Faces, fue la imagen de los mods auténticos, frente a los reciclados Who que la adaptaron por indicación de su mánager. Adeptos a las anfetaminas y al soul negro, pasaron del salvaje rhythm and blues al cabaret pop. Marriot murió en el 91, en un incendio en su casa mientras dormía una borrachera. Nadie es perfecto, que decía el otro.

 

Xavier Valiño

ULTRASONICA ARTÍCULOS 2007 MAGÍN BLANCO: Realidad

ULTRASONICA ARTÍCULOS 2007 MAGÍN BLANCO: Realidad

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ARTÍCULOS 2007


MAGÍN BLANCO: Realidad (PAI)

 

 

Disco del mes -por lo menos- en casa. El segundo álbum en solitario de Magín Blanco, tras el regreso del año pasado después de cuatro álbumes al frente de La Rosa –La Rosa  (Edigal, 1989), Tren de Azúcar (Edigal, 1990),  El sueño del camaleón (Sons Galiza, 1992) y En el arco iris (Sons Galiza, 1994)- y el parón de 12 años que le siguió, es aquel en el que, al fin, todo suena y parece en su lugar, tal y como siempre debió lucir el de A Rúa.

 

Está la misma melancolía de buena parte de sus composiciones, pero en este caso con una producción que acompaña las melodías, derivando en emoción auténtica. Acompaña la presentación, digna del disco -vale la pena hacerse con él por el libreto y sus dibujos, obra de Iván Prieto, superiores a la portada-.

 

            Y, además, hay un extra. Cada canción viene comparada por su autor con otra de otro artista que no queda claro si le ha servido de inspiración, le ha recordado a ella después de componerla o, simplemente, quería destacarla. Así que “El corazón de los pájaros” remite a “Heart Of Gold” de Neil Young, “Sus cosas” a “Aquellas pequeñas cosas” de Serrat, “Hielo sobre hielo” recuerda -con mención expresa incluida- a “Like A Rolling Stone” de Bob Dylan o la cantada en gallego “Revelación” a su adorada Lucinda Williams. El resto evocan en sus músicas o los preciosos textos escritos para el libreto por Camilo Blanco y Magín Franco a Van Morrison, Badfinger, Peter, Paul & Mary, Tom Waits y Paco de Lucía.

 

Xavier Valiño
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